El Mapa

Gen - Simulacro EP

2012-01-31T11:35:00.000-03:00

Cinco canciones le bastan al rapero nacional Gen –apodo de Freddy Olguín (1979)- para elaborar un trabajo a la vez atractivo y propositivo, capaz de unir un estimulante sonido con una idea sobre la cotidianidad casi imposible de rastrear entre los autores de su generación. Se trata de Simulacro (Dilema Industria, 2012), EP que no supera el cuarto de hora y que se puede conseguir a través de descargas gratuitas.

Desde la acelerada y oscura “Introch”, hasta la experimental “Fugaz”, Gen se une a DLA, Antioch, Foex y Kronos JetYawat –todos músicos y compositores- para enriquecer sus rimas gracias a una impecable producción. Con esta compañía, el chileno articula un pequeño tratado sobre la idea del simulacro, esa forma de generar la realidad utilizando el espectáculo y cuyos sustentos no son más que ficciones que se entrelazan para definir lo que entendemos como real.

A la hora de aterrizar estos conceptos, el cantante desarrolla dos momentos claves: “Simulacro Pt.I” y “Simulacro Pt. II”. En estas canciones, Olguín se detiene a pensar en la maraña de señales, signos y montajes (políticos, culturales, económicos) que definen nuestra forma de entender el día a día. Basándose en estribillos memorables y en un correcto uso de ritmos y efectos, Gen consigue que las piezas sorprendan por sus hipnóticas estructuras y por una intensa poesía.

Asimismo, el autor exhibe en “Lugares incorrectos” y en la mencionada “Fugaz” una sensibilidad devastada ante la serie de imposiciones sobre lo cierto y lo falso –muchas de ellas vacías, sin fundamentos- que son aceptadas como naturales. Esa es la mayor fortaleza de Simulacro: reconocer la vaguedad que afecta a toda acción y el efecto que esto genera en la relación entre los sujetos y el entorno, incluidas, claro está, las relaciones afectivas.

En consecuencia, y considerando que la saturación de información nos sorprende una y otra vez con casos de manipulación e historias oficiales reinventadas, el nuevo disco del líder de Dilema Industria sirve para condimentar con una buena dosis de electrónica y hip hop el gusto amargo que recubre la aparente sencillez de lo habitual.

Crítica publicada en Nacion.cl

Gustavo "Lulo" Arias - Poesías Proletarias (Volumen I)

2012-01-21T18:26:00.000-03:00

Si hay algo que identifica a losautores nacionales es la capacidad que tienen para transformar el formato brevede la canción en una vitrina individualista y autocomplaciente. Por eso,cuando aparecen ejemplos que quiebran esa costumbre, la respuesta inmediata esasociar la creación musical al panfleto o al cliché del autor comprometido.

En el caso de Gustavo Lulo Arias y su recién estrenado Poesías proletarias(Volumen I) (Jota Jota, 2012), esa sería una salida fácil, pero no la másacertada. En este nuevo trabajo, el conocido rapero del trío local Legua Yorkpropone trece canciones que tratan de superar la anécdota íntima para alzar lavoz, reclamar por los vicios de la sociedad y de paso enjuiciar a los rimadoreslocales. Para lograrlo, el autor se escuda en una producción que no esconde lafalta de recursos y que cuenta entre sus invitados a Cabro Homer, LautaroRodríguez o LB1 (de Panteras Negras).

Así surgen “Cruzando”, “Tiempos que cambian” o “Punguismo”, piezas quedemuestran cierta fragilidad sonora, pero cuyas letras dan un gran salto alubicar al rapero en el medio de la calle, en avenidas que son las de La Legua y que, al mismotiempo, son otros territorios; esos espacios en donde abunda el sujeto(chileno, latinoamericano) marginado y que se enfrenta ante un feroz sistemaeconómico.

En tanto –y pese a la serie de referencias a una sociedad violenta y clasista-,el tono de Lulo Arias no cae en lamentos barriales, ni en la caricaturizaciónde guetos; al contrario, el chileno aspira a transformar la decadencia a travésde la acción y no mediante la queja pasajera.

Este mensaje se transparenta en “Revolucionarios”, “Vendiendo mentiras” o “Puñoen alto”, tres cortes que cuestionan el rol del los músicos y que reflexionansobre la capacidad de estos autores por comprender, asimilar y dar espacio ensus obras a las demandas colectivas, sociales o nacionales.

Por tanto, Arias logra sostener una idea sobre qué papel juega la músicachilena –y en especial el hip hop- en el panorama político actual, escenarioque de tanto ser calificado como crítico requiere de propuestas que superen laestética híper cuidada y las narraciones ególatras.

Al deslizar estas preguntas, Poesías proletarias... también deja abierta lapregunta por cuál ha sido el aporte de los autores nacional en las discusionesque durante los últimos veinte años han permanecido más o menos ocultas. Y enese caso, la respuesta que asoma no es más que una enorme tarea pendiente.

Crítica publicada en Nacion.cl

Sofía Oportot - Enciérrame / Vacía

2012-01-14T15:40:00.000-03:00

Jugar con la ironía puede ser un ejerciciopeligroso si no se cuentan con los recursos apropiados. Sofía Oportot –actriz,cantante y modelo que ha deambulado por proyectos tan distintos como Lulú Jam oQuieroStar- recurre a la parodia y a la burla para escribir un capítulo másdentro del electropop nacional en su debut en solitario, Enciérrame / Vacía(Independiente, 2011) disco doble no supera la mala broma adornada conjadeos, lamentos e insinuacioneseróticas de adolescente.

Las dieciséis canciones que componen Enciérrame / Vacía se dividen en partes iguales. Las ocho primeras dibujan unatrama cándida, en donde Oportot aceptalas cadenas del amor (“Enciérrame”), se debate entre sus distintas personalidades(“Dos chicas”) o llora la soledad con un tono infantil (“No me trates mal”).Estas piezas se sostienen en programaciones electrónicas simples y monótonas,las que se extienden más de lo necesario y que no ocultan la obviedad de susreferentes (desde Pet Shop Boys hasta Britney Spears).

Un buen ejemplo de la incapacidad de la exchica Panoramix para transformar su combinación de electrónica y vocesintervenidas en una construcción seductora es la libre versión de “The sign”,original de Ace of Base. Con “Señal”, la chilena se inspira en el hit noventero de los suecos yfirma el momento menos agraciado de esta producción, revelando lo forzada quepuede su voz ante una letra que busca a toda costa encajar con la melodía. Estesinsentido (que puede parecer más o menos cómico), se vuelve una constante en lo que queda deldisco.

Ya en Vacía,la autora da un giro en sus letras y se presenta perversa y sexualmentedesatada. Más que hedonista –rasgo imprescindible en cualquier descripciónactual sobre música popular chilena-, Oportot se escucha onanista y vulgar; asílo demuestran “Abajo” y “Cuarto oscuro”, momentos en donde la interprete sepega porrazos de principiante al confundirlo erótico con lo genital.

Finalmente, sería sencillo calificar estetrabajo como un intento por reírse de los lugares comunes del pop –la eternajuventud, los deseos de un futuro y el amor idealizado- y sobre todo como unareinterpretación del papel de la diva, esa caricatura atrapada entre lasgesticulaciones sexuales y las baladas románticas. No obstante, suponer queesas son las motivaciones de Oportot obliga a exigir un producto de mayorconsistencia y no estos sesenta minutos desangelados y mal maquillados.

Publicado en Nacion.cl

Sensorama 19-81 - Animales sofisticados en grandes problemas

2012-01-07T12:25:00.001-03:00

Dar cuenta del descontento por el modelo de vida que conocemos y utilizar voces que parecen sacadas de noticiarios del primer mundo es un recurso demasiado obvio como para extenderse por una hora.Estructurar un disco sobre la asfixia que provoca el orden económico y combinar lamentos romanticones reduce la efectividad de toda subversión. Ironizar sobre las formas que adquiere el poder y abusar de arreglos dramáticos hace que la queja se transforme en un lamento primitivo.

Contradicciones de esa naturaleza abundan en Animales sofisticados en grandes problemas (Independiente, 2011), el reciente trabajo de Sensorama 19-81, apodo del compositor nacional Rafael Casanova. La pieza marca la consolidación del chileno a la hora de transformar su electrónica (ya editada en Retrato de un desconocido de 2008 y otros EPs) en un estilo que remite a sonidos de la IDM, el glitch, el postrock y que ahora apunta directo hacia al pop. Sin embargo, aunque estos estilos se mezclan con más o menos prolijidad, el disco hace dudar sobre las capacidades del autor para proponer conceptos y desarrollar ideas.

En más de sesenta minutos, Animales… se divide en diez cortes que oscilan entre la declaración de principios y la manifestación de uno que otro esfuerzo por encarar las violencias del día a día. Así por ejemplo, la primera parte del álbum consigue anudar un pulso de sampleos informativos, recortes de distintos idiomas y alarmas que evocan los dilemas de la sobreinformación, los abusos de poder y la categorización mental y física a la que a diario nos sometemos por nuestro ritmo de vida. Además, las imágenes que acompañan al disco confirman la atención que Sensorama 19-81 le dedica a las estrategias de disciplinamiento que asumimos como naturales.

“El informante”, “Simón dice” o “El cliente” son canciones inspiradas en estas ideas. Asimismo, éstas representan los mejores momentos del trabajo de Casanova gracias a la buena combinación de de programaciones, guitarras, baterías o violines.

No obstante, a medida que el disco avanza, las debilidades comienzan a ganar espacios con “Hoy fue ese día”, “Will fail”, “Sujeto a control” o la interminable “Grandes animales en problemas sofisticados parte II”. En estos pasajes el chileno dispara ideas que desarman lo que a simple vista parecía una producción unívoca, pero que tiende a decepcionar, convertida en un puñado de melodías que no consiguen dar sentido a las historias abiertas en los primeros minutos de la obra.

Por otro lado, este trabajo termina de perder el norte con “Terroristas” o “Quiero ayudar”, las canciones en donde Casanova suma las letras y la voz de Cristóbal Briceño. En la primera, el piano guía un drama orquestado que no supera la barrera de un pop con ideas inconexas y que no hace más que llorarle al amor, mientras que la segunda parte con una interesante burla, pero finaliza como un rock de visiones apocalípticas (incluido el infaltable guiño a las manifestaciones y los cacerolazos) que desliza un dudoso mensaje esperanzador a partir del caos.

En consecuencia, Animales sofisticados en grandes problemas sólo sirve para calificar a Rafael Casanova como un productor -ya no un músico electrónico tradicional- que peca de grandilocuente. El problema está en que ocupando diversos instrumentos, el chileno acciona distintos recursos, y al hacerlo, se confunde y transforma su protesta en un berrinche lleno de baches. Considerando los nefastos tiempos que corren, una obra así no es más que un producto inofensivo e insuficiente.

Publicado en Nacion.cl

Mowat: Pop y protestas entre San Bernardo y Berlín

2012-01-05T12:20:00.001-03:00

Estudió música en Alemania, pero nació y vivió en Santiago. Desde el año 2005 que viene colaborando con músicos como Javier Barría, Felipe Cadenasso, Leo Quinteros o Chinoy. De hecho, trabajó como productor en “Los accidentes del futuro” de Quinteros y se encargó de los arreglos del comentado debut del sanantonino. Sin embargo, Mowat (alias de Fernando Mujica) ha mantenido una carrera como solista que se puede rastrear en su debut “EP#1” (2008), un disco breve y sencillo que precedió a “Anglia” (2011), su reciente producción.

Promocionado con el single ‘Librando a la mañana’ –canción que cuenta con video grabado entre las protestas ambientalistas contra HidroAysén y las marchas estudiantiles-, el nuevo disco de Mowat es un trabajo de pop oscuro, marcado por arreglos de cuerdas y en donde se fusionan programaciones, trompeta, piano, flauta, y otros instrumentos grabados en su mayoría por el chileno.

- Tocaste y grabaste la mayoría de los instrumentos que aparecen en el disco. ¿Cómo es trabajar en un disco estando a cargo de casi todo?

- Para mí es natural, porque empecé como músico siendo productor, con Leo Quinteros. La escuela de él es a lo John Lennon: grabar todo tú, hasta lo que podai. Es complicado ciertas veces, porque no sabes cómo seguir y no tienes una segunda opinión. A veces lo que grabas te gusta y en otros momentos no te convence nada. Es difícil, pero estoy acostumbrado.

- A diferencia de tu primer disco, acá se notan muchos instrumentos. ¿Por qué decidiste pasar de lo sencillo a lo orquestado?

- Tuvo que ver con algo natural. Creo que se dio porque cierta escena, o grupo de gente más cercana, como Chinoy, Manuel García o Gepe en un principio, estaban bien interesados en ir a lo mínimo y eso cansa. En mi caso soy muy musical, muy de instrumentos, de expresar ideas a través de la música y no sólo con las letras.

- En cierto sentido, “Anglia” es muy oscuro. ¿Qué cosas estaban pasando en tu cabeza o qué querías transmitir con un disco tan denso?

- En mi caso, el año en que hice el disco, el 2010, fue un período bien complicado, personalmente pasaron hartas cosas en mi familia. No sé si el disco es oscuro, quizás es mucho decir, pero tenía bastante sentimientos de angustia, que a la par tenían que ver con cosas más externas, como pensar la relación con el Gobierno, que es muy cliché, pero que es algo que está en el aire…Traté de expresar todo eso en canciones sutiles, de forma más indirecta, sin recurrir a mostrar todo tan abiertamente.

- Pese a que ahora estás viviendo en Alemania, el disco lo terminaste en Chile. ¿Qué cosas hay de tu regreso a Chile en el disco?

- El disco es súper chileno. Hablo completamente de cómo me siento yo en tanto chileno y cómo fue volver a Chile, que volví a San Bernardo a la casa donde me crié. Eso fue un flash en muchos sentidos, entonces de ahí salieron un montón de cosas. También Piñera había sido elegido como Presidente… Creo que por eso es un disco muy chileno. Es folclor de hoy, del día a día, que es lo que va a ser folclor en cincuenta años más. Un folclor que no es una mezcla de instrumentos como la de Gepe, que la respeto mucho, sino otra, que es más el espíritu chileno, de lo que somos actualmente.

- ¿Qué cosas te chocaron de Chile al volver de Berlín?

- Lo primero: allá no te sientes amenazado, ¿cachai? Andai en la calle y no pensai que te van a asaltar. En San Bernando uno vive pensando que lo van a colgar y uno se acostumbra a eso. Después llegai a Alemania y te acostumbras a otra cosa, que la gente vive más relajada. Esa es la forma de vida que todos deberíamos tener. Y cuando vuelves a Chile te da pena, porque es tu gente y te das cuenta que las cosas están mal. A mí me dio rabia, pero también un poco de miedo. Y a eso súmale que era el primer año de Piñera como Presidente…Todo es chocante. Mira por ejemplo la relación que tiene la derecha con la dictadura, mira a Labbé o mira en YouTube cómo Piñera apoya a Pinochet. Todo da susto, pero también dan ganas de trabajar para que la cosa mejore.

“Librando a la mañana” es el primer promocional de “Anglia”. ¿Por qué elegiste esa canción para adelantar el disco?

- De las canciones que salieron al principio, “Librando la mañana” era de la que más me gustaba, pero también fue una cosa como de focus group, muchos amigos me la mencionaban como la que podía ser la más asequible, la que mostraba muchas cosas del disco en una sola canción.

- ¿De dónde viene el juego de palabras entre celda y propiedad que se escucha en la mitad de la canción?

- Esa letra salió como un pequeño poema que lo anexé a la canción. Tiene que ver con lo político que te nombraba antes, que es bien general, pero que se puede aplicar mucho. Quería que se entendiera de forma más poética y no cantado, y no quería salir recitándolo yo. Después salió la idea de computarizarlo, pero es un poema que nació de toda la crisis personal y que al mismo tiempo me hizo sentido con lo que estaba pasando en Chile. Ahora, con el tiempo, me hace sentido en todas partes.

- ¿Y el video? Tú no estás en el video, pero estás a través de los textos que aparecen. ¿Cuál es tu opinión sobre el formato visual que tomó la canción?
- No salgo en el video porque no quería aparecer, como tampoco quería aparecer en el arte del disco. Eso de aparecer es algo extramusical que no me interesa, así que cuando hablamos con Eduardo (Pavéz Goye, director del video), que es un seco, un dramaturgo groso muy amigo, siempre quisimos hacer algo con las protestas de HidroAysén, porque estábamos súper enojados con eso. Justo yo me tuve que venir a Alemania en 2011, y ahí le dije que usara la canción por la causa. Después surgió la idea de grabar a personas que estuvieran en la calle y justo cuando se empezó a rodar el video comenzaron las movilizaciones grandes de los estudiantes. A nosotros nos sorprendió mucho y salió así y me encanta.

- Entiendo la intención, entiendo que no fue buscado, pero coincidió con que otros artistas comenzaron a sacar canciones o videos con las marchas o los estudiantes. El último más popular fue ‘Shock’ de Ana Tijoux. ¿Qué te parece que justo ahora, un sector de la música chilena se comenzara a vincular con lo que estaba pasando en las calles?

- Es raro, sin duda, porque hay un par de personas del hip-hop, por ejemplo, que siempre han hecho cosas más sociales como la Ana Tijoux, pero no deja de parecerme raro que las personas que yo esperaba que estuvieran más arriba de la pelota con este tema no estaban. Muchos de ellos son amigos, cantautores importantes que eran bien banderas de protesta, pero que no estaban. Entonces uno nota cierto…no sé, no sé si llamarlo oportunismo, pero ojalá la misma actitud siga no sólo con videos, sino en tocar con la gente, comprometerse como lo han hecho muchos de ir a tocar a las tomas. Porque esta cuestión no se va a acabar nunca, no basta sólo con arreglar la educación.

- Considerando que estuviste todo el 2011 en Berlín, ¿cuál es tu opinión sobre lo que esta pasando acá en Chile, con el imaginado “paraíso del pop”?
- Es difícil opinar de eso. No sé…me parece que está súper inflado. Personalmente, por ejemplo, me encantó Odisea de Alex Anwandter, que lo escuché y pensé que se había demorado siete años en hacerlo…Pero no sé, lo que hace Javiera Mena no es música que me gusta escuchar. Siempre es choro hablar de alguien que es una revelación, pero cuando leo críticas de Club Fonograma, me pregunto dónde está ese valor de “lo impecable”, me gustaría saber en qué cara se basan. Musicalmente yo no lo veo, no hay riesgo

- ¿Hay una gran falta de riesgo en las cosas que se hacen ahora en Chile?

- Sí y eso que estamos hablando de un sector indie del pop, no de lo que se vende en la televisión. Quizás ellos quieren lograr otras cosas, y las logran, como salir, tocar afuera, y hacen prensa y tienen seguidores, y todo bacán, pero para mí son aburridos. Tampoco se trata de pensar que la música tiene que ser complicada, en otras métricas o algo así, pero sí me parece que la música tiene que cuestionarse.

- También estuviste en la otra cara, en el laboratorio, trabajando como productor. Por eso no puedo dejar de preguntarte: ¿Para ti Chile es el paraíso del pop?

- No, estás loco –sonrie. No, ni loco, eso fue un peo que se tiró un español para hacer la nota más hype. Lo que pasa es que acá en Europa andan buscando lo que no está establecido y miran a Sudamérica porque hablan el mismo idioma y como ya no se puede hablar de Buenos Aires porque se sabe hace mucho tiempo que es cool, quedaba Chile. De ahí sale esa idea del paraíso, porque salen un par de discos que suenan súper europeos, súper al nivel, pero nada más… Para hablar de un paraíso del pop tienen que venir diez años más de discos así. Todo tiene que crecer, no se puede hablar de algo así con dos discos llamativos. A mí me parece que hay un paraíso de otra cosa en Chile, que aunque suene cliché, tiene que ver con Chinoy, Kaskivano, Demian Rodríguez, Lautaro Rodríguez. Ellos son músicos que no están ni ahí con nadie y hablan de lo que está mal. Ellos sí que tienen un grupo de gente súper masivo que los sigue y que no tienen que enterarse de los conciertos de Chinoy por la tele. Esa escena me parece más representativa de Chile.

Esta entrevista fue publicada en POTQ.cl

Horregias - Pasarela Fracaso

2011-12-31T04:35:00.000-03:00

Breve, rudo y precario. Así es Pasarela Fracaso (Coraje Records, 2011), el debut del trío local Horregias, banda que le saca partido a la inmediatez de sus canciones, a sus letras calentonas y a la simple producción de las piezas firmadas por Horridia (Carolina Díaz, guitarra), Feocia (Daniela Schälchli, bajo y voz) y Nefasta (Yumbel Góngora, batería en la grabación del disco) para levantar un homenaje a la cara más sucia del amor y las relaciones personales. Al hacerlo, las chilenas se escudan en el humor negro y en la combinación más clásica del punk para reírse del sexo, la fidelidad y cómo no, la femineidad.

En casi veinticinco minutos, el disco presenta diez cortes –un interludio inicial, ocho originales y un remix- comandados por Feocia, voz que en “Sopa de amor” introduce el gusto por su amante borracha, mojada y que la estimula con su arranques de furcia. Versos como “llega un mensaje que dice ‘vente’, parto rancia a verte/ Y en tu casa la cortina cerrada, una invitación a la cochinada”, describen las aventuras de estos personajes que también lucen en sus cuerpos los estragos de algún roce furtivo (así lo insinúa la cómica “Herpes”). A su vez, las distorsionadas “Ojitos azules” o “Un número de mala suerte” también funcionan como mofas sobre el romance ideal.

Sin embargo, los mejores momentos del trío llegan con “Mujer” y “Amor vertedero”. En la primera, las chilenas juegan a escribir un panfleto anti misoginia que puede sonar tan banal como irónico (incluida la referencia a Pilar Sordo, por ejemplo), enumerando características que tienden a encasillar a la mujer: ser rudas y frágiles, el dar vida y comida o que gracias a ella existe el agua mineral de colores. Mientras, en la segunda, Horregias asumen el placer del engaño y la sumisión, dos condiciones que para ellas definen la única forma de enamoramiento.

A través de un ritmo acelerado, estas canciones componen la sensibilidad de un grupo que logra sonar punk sin caer en gritos ni en pataletas innecesarias, y que además no se inventa un espacio neutro –como abunda en el imaginario nacional-, sino que opta por ubicar sus canciones en Santiago, con referencias a Renca, Pedro Aguirre Cerda o San Bernardo. A eso se suma la poca precisión formal y técnica de Pasarela Fracaso, rasgo que sella un estilo que aún requiere de mayor prolijidad en su presentación, pero que cuenta con narraciones y motivaciones que superan la media de los estrenos chilenos.

En tiempos donde la frivolidad y el hedonismo son ensalzados como valores que aseguran el éxito de los músicos nacionales, el primer trabajo oficial de Horregias destaca por encarar la sexualidad y las historias románticas sin ambigüedades ni metáforas al voleo. Sin duda, una pequeña y oportuna muestra de activismo.

Esta crítica fue publicada en Nacion.cl

Ana Tijoux - La Bala

2011-12-23T11:40:00.002-03:00

La expresión de un discurso íntimo y a la vez social a través del hip hop era una tarea pendiente para Ana Tijoux. Después de debutar en solitario con un deficiente Kaos (2007) y tras caer en innecesarias autobiografías en 1977 (2009), la cantante nacional parecía atrapada entre las historias amorosas más comunes del pop y los clichés de un rap prefabricado e individualista. Así, la sorpresa de su más reciente trabajo, La Bala (2011), está en superar esos límites para proponer un estilo que altera y reorganiza los referentes del hip hop para transmitir un estado de ánimo rabioso y que destaca por un sonido lleno de contrastes.

Desde las marchas fúnebres que abren el disco con la brillante tríada de “La bala”, “Shock” y “Desclasificado”, pasando por el humor y las programaciones de “Las cosas por su nombre”, hasta el soul de “Mi mitad” y “Volver”, lo nuevo de la ex Makiza sorprende por una producción que logra fusionar de buena manera la presencia de vientos, cuerdas, baterías y guitarras eléctricas. En vez de despistar, esta diversidad de arreglos otorga coherencia y equilibrio a los once cortes de este trabajo, disco que en cuarenta y cinco minutos refleja la actual preferencia de Ana Tijoux por los violines, las trompetas, el piano y el violoncello.

A su vez, estas atractivas composiciones son respaldadas por rimas que amplían la visión de la autora y que la hacen dar un paso fuera del ego inmenso que abunda en el rap nacional. Y es que en La Bala se distinguen evidentes ejercicios líricos que apelan a recoger cierta desilusión en el ambiente, aire impregnado por el fin de la fantasía que por años encegueció (y sigue cegando) a gran parte de la música popular chilena: la promesa de equidad e igualdad social que hoy padece en estado crítico.

Canciones como “Desclasificado” confirman esta tendencia cuando se escuchan los versos “Todo me delata, mi pelo mi facha / ¿Cuál es la justicia cuando siempre se te tacha?” o en “Las cosas por su nombre”, momento en que Tijoux parece aturdida al entender que las puertas del progreso nunca estuvieron abiertas para todos. Ese despertar se resume en “Shock” –el mejor promocional de la chilena en años-, un corte que consigue traspasar la coyuntura estudiantil (aprovechada con cierta obscenidad en su respectivo video) para describir el laboratorio económico y político del Chile de las últimas cuatro décadas.

Es cierto que en el álbum también hay puntos bajos –las románticas “Quizás” y “Las horas”, además de la caricatura urbana tipo Calle 13 de “Si te preguntan” -, pero la serie de menciones a la violencia del mercado, la fuerza de los anónimos y el repudio a la autoridad dan cuenta de un intento por levantar historias, sumar metáforas, crear personajes y abandonar, al menos por una vez, el relato deslavado de la canción en primera persona. La rockera “El rey solo” o la épica “Sacar la voz” lo demuestran.

Al margen de la etiqueta mediática de la indignación y sus productos derivados, el último trabajo de Ana Tijoux es un ejemplo indispensable para entender cómo la decadencia de las instituciones por fin se empieza a colar entre autores nacionales de amplio alcance. De paso, La Bala también consolida la evolución de un sector del hip hop nacional que busca refrescar su sonido, abriendo la ventana a nuevos estilos y recursos instrumentales.

Esta crítica fue publicada en Nacion.cl

Astro – Astro

2011-12-13T10:55:00.003-03:00

En su debut oficial yhomónimo, el cuarteto nacional Astro pretende escribir un pop contemplativo,heredero de ese antiguo afán psicodélico en donde el trip se pensabacomo la llave maestra para acceder a nuevas formas de pensamiento y de vida.Sin embargo, aunque hay un intento explícito por transportar al auditor atierras exóticas mediante historias fantásticas, la estética hippie de “Astro”se agota en la mitad del ejercicio iluminador, ya que los chilenos sólo sededican a narrar la vivencia alucinógena al natural, sin ahondar encomposiciones que superen el hit bailable y que encarnen cierto grado dereflexión.

“Ciervos”, el corte quepresenta el disco, resume el gusto por entretener que Astro había anunciado ensu discreto Ep de 2009, “Le disc de Astro”. La pieza funciona gracias a esospegadizos “A-E-O” y el sonido sigue las tendencias que fusionan elementos de lamúsica dance, la psicodelia y los ritmos tropicales. El equipo formado porAndrés Nusser (voz, guitarra, sintetizador), Octavio Cavieres (batería),Nicolás Arancibia (bajo, percusiones) y Daniel Varas (teclados) no se mueve deese cómodo lugar, firmando un trabajo de pocos contrastes y en donde lareiteración de metáforas y de arreglos concluye en un producto monótono y aratos absurdo.

Todo parte cuando Astroopta por contar historias donde circulan vacas, osos, tortugas, camellos,elefantes, llamas y víboras. Al referirse una y otra vez a estos seres, labanda se pierde en zoomorfismos cercanos al ridículo, tal como ocurre en“Columbo” con esa intención de ser conejos expresada en los versos “con mis orejas de plástico me voy a infiltrar / seré un felpudo blanco / ohpapapá!” o “Volteretas” y las líneas “haz volteretas infinitas / rapidísimashacia el cielo / como un armadillo hecho bola / disparado con un cañón”. Elgrupo insiste en este tipo de escenas en “Pepa”, cuando el vocalista grita“¡comete una pepa! / y ten tu propio bosque / lleno de animales”, dejandoentrever sin sutilezas la doble intencionalidad de sus letras.

Para dar coherencia alas narraciones del disco, la banda combina programaciones con baterías,fusiona teclados y sintetizadores, distorsiona guitarras e intervienen lavoz de su cantante y líder, Andrés Nusser, hasta volverla ininteligible.Esta es la peor jugada de todas, pues lo que pudo ser una producción rica enarreglos y desafiante en términos sonoros (dada la cantidad de menciones almundo salvaje de las letras) no es más que una mezcla poco equilibrada deinstrumentos que impide la comprensión de lo cantando. Incluso la breve “Druidade las nubes” o la oscura “Nueces de Bangladesh” –dos canciones que podríanmarcar la diferencia entre el resto del repertorio- no consiguen potenciar elafán extravagante de “Astro”.

Esa es la grandebilidad del primer trabajo de los locales: describir la experienciapsicodélica sin atrevimientos sonoros y sin contar con un relato que supere lasansias por escapar y llegar al oasis. “Manglares”, una canción que invita aviajar al paraíso lleno de animales, concentra el perfil de una banda quefantasea con imágenes sacadas de un safari, pero que es tan literal que no procesa conceptos, no crea metáforas ni excava en lasoportunidades de sus instrumentos para levantar un sonido provocador. Ese es ellímite de Astro y suponer otra lectura de sus canciones negaría la propia raízpsicotrópica que los motiva.

Ingenuos creadores deun bestiario que tambalea entre lo cómico y lo vergonzoso, Astro seempantanan entre los triangulitos caribeños de sus alucinaciones, pero a cambiopublican un disco lleno de monos, caballos y ardillas. En resumen: pop deparvulario, bailable y pegote, que se estancó en una extensa anécdota drogona.

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Alex Anwandter – Rebeldes

2011-11-30T00:30:00.001-03:00

Nuevodisco de Alex Anwandter en poco más de un año y la pregunta cae decajón: ¿era necesario? Después de terminar con Teleradio Donoso y renacer como Odiseaen mayo de 2010, el cantante ahora borra con el codo lo firmado con eseseudónimo para recuperar su nombre y volver con Rebeldes(2011). El resultado de esta jugada es un trabajo prematuro y poco agraciado,una placa que marca un enorme retroceso en la carrera del cantante y que dejaun mal sabor a causa de las mortales referencias a otros artistas de sugeneración, voces que eclipsan lo que se intuye como la supuesta guinda de latorta del reciente pop nacional.

Aprimera vista hay una cuota de sencillez que resalta en Rebeldes,sobre todo si se le compara con el sofocante estilo electrónico de Odisea,el anterior registro de Anwandter. A diferencia de ese álbum –en donde todoparecía ultra calculado y manipulado-, las nueve canciones de este retornomezclan programaciones electrónicas con instrumentos tradicionales (guitarras,piano, bajo, batería), haciendo que el electropop del chileno se transforme enpop simple y sin espacios para la experimentación. Aquí no hay composicioneseternas ni letras enigmáticas, rasgos que abundaban en su disco del año pasado. Noobstante, al optar por reducir la complejidad de su nuevo repertorio, Anwandtertermina dando palos de ciego, confundiendo la claridad y la inmediatez propiasdel pop con la comodidad y la reproducción de estilos ajenos.

Unreparo básico es el ordenamiento de las canciones. En Rebeldeslos cortes más bailables son seguidos por baladas, salvo en los últimos minutoscuando aparece “Fin de semana en el cielo”, un incomprensible arranquemelodramático que desentona con el resto de las pistas. Es obvio que al agruparlas canciones de esta manera se busca guiar al auditor por momentos altos ybajos –en una especie de vaivén sonoro que define la estructura final deldisco-, pero la separación es tan radical que termina por entrelazar a la fuerza lascomposiciones de Anwandter.

Pero Rebeldes cae en otro grave error:piratear referentes demasiado evidentes (y cercanos) como pasar inadvertidos. Por ejemplo, en “Cómopuedes vivir contigo mismo”, el guiño a Technotronic es tan descarado queni siquiera puede ser tomado en serio. Sin embargo, el remate de esta mismacanción es aún más vergonzoso cuando aparece la primera referencia a JavieraMena, con esos arreglos de cuerdas casi hurtados a los de “Hasta laverdad” (de Mena, 2010). Aquí comienzan a aparecer serios indicios deimitación, antecedentes que se comprueban con el paso de los minutos cuando lamímica se vuelve obscena, sobre todo en “Que se acabe el mundo, por favor”,corte en el que Anwandter copia el tono de voz de la cantante para despacharseunos “de ti” que parecen salidos de un papel calco. Como si conesto no bastara, el ex Teleradio Donoso, cual mimo, retoma la batería utilizadapor su colega en “No te cuesta nada” para escribir su propia versión en “Tormenta”,la balada principal de Rebeldes.

Destacarestas conexiones entre Anwandter y Mena –o mejor dicho, losintentos del primero por sonar igual a la segunda- no busca menospreciar lainfluencia de tal o cual artista en el proceso creativo del cantante, puessería ridículo no reconocer que la música popular funciona según laconstante del copiar/pegar. Señalar cómo el autor de “Tatuajes” seintenta mimetizar con el estilo de Mena sólo sirve para comprender, ya casi sinnecesidad de mayores argumentos, que la metáfora del “Chile, nuevo paraísodel pop” –rótulo creado en España y legitimado oficialmente en Chile por laSCD en la última versión del Pulsar- no es más que un penoso espejeo entre cantantesvinculados a un pequeño sector de la música nacional.

Otrodetalle no menor es la escasez de ideas que inspiran las canciones de Rebeldes.Como buen exponente de su generación, Alex Anwandter se escuda enhistorias basadas en un sinfín de divagaciones que no conocen otros espaciosmás allá de la cama, el velador o con suerte la esquina. Tal como ocurría en Odisea–en donde Anwandter se enfrascó en una represiva reflexión sobrela ciudad sin nombrar una sola calle-, el cantante vuelve a demostrar lapobreza de su imaginario al relatar dramas de pasillo o anécdotas amorosas delo más desabridas. Asimismo, la poca destreza de este autor se transparentacuando el abismo que separa su discurso íntimo con el del mundo exterior encuentra una salida a partir de las drogas y su famosa piscina deketamina, además de esa imagen seudo impactante de su “brazo morado”.

Enotras palabras, las letras de Anwandter asombran por su debilidad y porquerer legitimar a toda costa su “pop desprejuiciado”. De hecho, no estádemás insistir en que su narraciónse vuelve aún más opaca al insinuar cierta ambigüedad sexual, un elemento queen su disco anterior alcanzó un estatus mucho más evidente y abiertamenteandrógino. En este caso, en cambio, el cantante juega a dedicar versos aun otro masculino/femenino como si en ese movimiento se escondiera una especiede trasgresión o valentía (o tal vez esarebeldía que no aparece por ninguna parte).

Desprovisto de buenos momentos e influenciadopor trabajos chilenos mucho mejor logrados, Rebeldesubica a Alex Anwandter en un terreno peligroso, dominado por la copia y la sumisióna las reglas de lo que debe ser un disco pop. Por eso, vale la penapreguntarse si es que entre tanto ir y venir, entre tanto inventarse apodos yolvidar su nombre, el cantante no logró más que perder su propio rumbo. Porquesi algo queda claro es que aquí no hay indicios de un procesocreativo de reinvención o búsqueda, sino que sólo hay huellas de un autor queno sabe para dónde va la micro.

Entrevista a Félix y Los Clavos

2011-10-25T01:39:00.000-03:00

Fotos: Nacho Parodi

El cantante y compositor argentino Félix Cristiani publicó su debut “La vida secreta” en 2007. El disco fue una muestra de pop sencillo y letras memorables que pasó casi inadvertida entre el público local, pese a conseguir el apoyo del sello nacional Quemasucabeza, discográfica que lo editó en Chile. En 2008, Félix se presentó por primera vez en nuestro país como invitado del 1er Festival Solistas en Solitario. Siendo un desconocido entre la mayoría de los asistentes, el argentino defendió sus canciones sólo con una guitarra. Y quebrar el hielo no fue fácil.

—¡Ese concierto fue horrible! –recuerda Félix. Yo no soy un cantautor que sale con guitarra y voz, siempre toqué con banda, que es el formato que me interesa. Me sentí muy en desventaja, porque los otros músicos del festival (Gepe, Chinoy, Nano Stern, Coiffeur) hacían vivos y discos con esa formación. Sin embargo, debo decir que en un sentido fue esclarecedor: me prometí nunca más tocar solo.

Después de casi cuatro años, Félix regresa a Santiago esta semana junto a Los Clavos, su nueva banda compuesta por seis músicos con los que grabó su reciente trabajo: “Continuará” (2011). Producido por Daniel Melero, el disco contiene dos placas: una compuesta por once nuevos cortes y otra de seis canciones que samplean el material del primero. Según el argentino esta es una apuesta más ligada al ruidismo y la experimentación; un pop explosivo y que explora la idea de la obra infinita.

Lo que sorprende de “Continuará” es el sonido. Suena no distinto, sino que opuesto a “La vida secreta”. ¿Qué pasó en estos años que pasaste de un pop sencillo a un disco complejísimo?
- Si hay algo en lo que somos afortunados los artistas es en poder transformar la basura en arte. En los años entre “La Vida Secreta” y “Continuará” tuve una seguidilla de colapsos emocionales que me llevaron a estados de pánico y terror. Recuerdo estar muy fumado tocando la guitarra y sentir que el ventilador se iba a caer y me iba a rebanar la cabeza. Cosas horribles como esa terminaron siendo una gran inspiración. Al final todo tenía que ver con el derrumbe de un estado mental en el que creía poder tener control sobre todo. Y la realidad es una bestia que se impone más allá de tu voluntad. En todo ese ruido vislumbré que había formas de bellezas no hedonistas o gratificantes, como el terror o la violencia, y que eran espacios muy fértiles y no muy usualmente abordados, desde la música sobre todo. Ese fue mi aporte, la composición y todas estas ideas. El resto lo hicieron Los Clavos -combo compuesto por Benjamín Ochoa en el bajo y sintetizador; Damián Cubilla en guitarra acústica; Siro Bercetche en guitarra eléctrica; Chango Serantes y Antü Filardi Sabín en sintetizadores y Luis Herrera en la batería-.

En “Continuará” yo sólo canté. Con Benjamín Ochoa, un socio histórico, nos dimos cuenta que para poder bajar a música estos “conceptos” teníamos que desarrollar un sistema anárquico de producción. Por eso arrancamos a grabar sin que ninguno de los Clavos hubiera escuchado los temas, ni preparado arreglos. Era darle play un par de veces a unas maquetas de guitarra acústica y voz, y que grabaran lo primero que se les ocurriera, sin conocer los acordes ni encargarse de cumplir las funciones que suelen tener los instrumentos. “Quedar expuesto” fue una de las premisas.

Otra de las cosas que sorprende es que tus letras siguen siendo más o menos similares: historias, narraciones sentimentales… En eso se nota cierta continuidad entre ambos trabajos. ¿A la hora de escribir una canción, entonces, es más complicado salirse del lugar común temático (amor, relaciones personales) que cambiar de sonido? Te lo pregunto porque se podría pensar que, finalmente, la canción pop está destinada a cambiar de sonido, pero nunca de temáticas o de usos del lenguaje.
- Creo que la lírica de “Continuará” es distinta a la de “La Vida Secreta”, es más confusa, mística por momentos, pero definitivamente tiene en común esa primera persona que habla de lo que ve. En ese sentido hay una continuación, y es que no es ficcional. Respecto de la canción pop, creo que su cuello de botella, y la gran revolución que tiene que hacer, es justamente el cambio de los usos del leguaje. Es un desafío complejísimo y el motivo por el que muchas veces el pop se queda corto. Creo que el origen del arte fue pop, que es la forma primigenia de manifestación de los hombres -¡la caverna de Lascaux!-, la más importante, y la forma en que se va a extinguir el arte cuando se extinga el hombre. Aclaro que hablo de pop como forma de comunicación, no como género musical o como se lo asocia a formas y usos mediocres o demagógicos. Sin embargo, el lugar en el que se ha trabado es en seguir replicando el uso “testimonial” de esa primera persona. Recomiendo ver en YouTube las entrevistas a John Maus. Muy interesante lo que dice sobre este tema.

¿Las canciones instrumentales del segundo disco de “Continuará”, ya que nacen de las canciones del primero, son ese intento por superar lo que se queda atrapado en la mezcla entre letra y música?
- No son un intento, sino más bien el resultado de la mente disociativa de (Daniel) Melero. No fue algo planeado, sucedió cuando abordó la postproducción de los temas: de cada uno hizo muchísimas versiones, desde más clásicas hasta instrumentales casi irreconocibles. Uno de los tantos tópicos de los que hablábamos era el de la obra infinita, o la obra inconclusa, que es lo mismo. Las grabaciones y el espíritu del disco invitaban a imprimirle esa forma de desarrollo, y por otra parte, hacía rato nos planteábamos las limitaciones de los discursos asertivos. Por otro lado, en ese momento yo estaba bajando de Internet distintas versiones del inédito “Smile” de los Beach Boys. La idea de que cada versión que encontrabas tenía distintos órdenes, distintas mezclas o directamente temas que en otras compilaciones no figuraban, me pareció el logro artístico más alto de su carrera. A Brian Wilson le costó la cordura, pero el supuesto fracaso que significó que “Smile” no se editara lo considero la única manera de concreción que tenía esa obra.

¿Pero las canciones del segundo disco de “Continuará” las compuso Daniel Melero? No me queda claro ese detalle; si es que las compuso o sólo participó en la producción de los dos discos.
- Con Daniel (Melero) nos divertíamos mucho hablando de eso, ni para nosotros era claro si el segundo disco era suyo o de Los Clavos. El material sonoro desde el que se generaron esas piezas son los temas del primer disco, pero como el resultado es tan distinto, es nueva música. Hoy que lo escucho, definitivamente creo que el primer disco es de los Clavos y el segundo de Melero.

Sensacional by felixylosclavos

Te refieres a “Continuará” como un proyecto que supera al disco tradicional, porque tal como su nombre lo indica, siempre está desarrollándose. ¿Podrías ahondar en eso y explicar cuáles son los diferentes formatos que van dándole extensión a esta obra?
- “Continuará” terminó siendo un disco doble, pero de hecho hay material extra que no está incluido en esta edición porque la hacía demasiado extensa. Hay material como para por lo menos un disco más. Entre las ideas que estamos barajando está la de hacer una suerte de corto, obra audiovisual, no lo sabemos aún. Siro, Chango y Benja son videastas, así que la idea es hacer nosotros mismos la parte visual. Todavía estamos evaluándolo, no es algo que ya esté definido.

También te refieres a “Continuará” como un trabajo más agresivo, no condescendiente. ¿Es esa la finalidad de tu música o crees que es fruto de la circunstancia de este disco en particular?
- Creo que se hace camino al andar, y que el siguiente paso que vayas a dar va a estar determinado por el anterior. En ese sentido no creo en una finalidad puntual, sino en el desarrollo de una carrera o una obra que tenga que ver con la diversidad.

¿Identificas esa misma característica de tu disco en otras propuestas actuales de Argentina?
-En los últimos cinco años la Argentina se plagó de cantautores que van detrás de un sonido acústico, bello, armonioso y la verdad lo encuentro muy limitado y poco inspirador. ¡En realidad fue una inspiración para hacer todo lo contrario! Yo me considero un compositor que canta sus temas, en ese sentido podría entrar en la categoría de cantautor, pero no me interesa en lo más mínimo la escena porteña de los cantautores. En lo concreto, estoy más en comunión con bandas como Nairobi, Las Kellies, Victoria Mil, Azur, Diosque, Betty Confetti, Maniac Mantu. Hay un artista tucumano, Bruno Masino, que le ha encontrado una buena vuelta a la canción. De todas maneras, no creo que lo agresivo o poco condescendiente sea una línea “política”, por llamarlo de alguna manera, sino el paso que sentí que tenía que dar en este contexto musical y en relación con “La Vida Secreta”. Hace poco vi una entrevista de R. Stevie Moore en la que decía que la única guerra que luchaba era la guerra contra la mediocridad. Suscribo 100% a esta idea, creo que esa es la única política que me interesa.

¿Cómo fue trabajar con Los Clavos en este disco? ¿Prefieres ese proceso más colectivo o te es más sencillo trabajar solo?
- Los Clavos funcionan de una manera radicalmente opuesta a la mía. Mis procesos de creación son de decantación muy lenta, básicamente tardan el tiempo en que mis ideas se trasladan a mi cuerpo para poder materializarlas. La parte de composición siempre la vivo en solitario, y a la hora de hacer los temas de “Continuará”, me encontré con que mi manera de bajar ese material era bastante rústico y desordenado. En definitiva ese resultado me indicaba que el proceder tenía que ser opuesto a mi sistema anterior de control y minuciosidad. Las grabaciones se hicieron en lo de Benjamín (Ochoa), con este sistema en el que la batería era lo último que se iba a grabar. Yo produje unos cuantos discos y siempre encontré que el sistema clásico de grabar primero la base demoraba la urgencia instintiva de descargar en el acto lo primero que venía a la mente.

Por eso el procedimiento fue que el que primero quisiera grabar, lo hacía. En ese contexto descontracturado, lo que cada uno depositaba en los tracks era mucho más el resultado de una inspiración lúdica y divertida que detenerse a pensar que era lo que “convenía” o servía para que la música se pudiera sostener. Como si la música debiera sostenerse; ¡también es buenísimo que se desbarranque! Los Clavos son básicamente el grupo más cercano de amigos, y en realidad son más artistas que músicos. Su hábitat natural es el desorden y claramente como banda lo que correspondía era seguir el flow de la tropa. Cuando todos estábamos suficientemente borrachos, fumados o excitados, se prendía el botón rec. Definitivamente la creación colectiva supera a la del solista.

¿Cómo trabajas junto a Los Clavos las canciones de “Continuará” en vivo?
- Los Clavos somos más una orquesta eléctrica que una banda de rock. Nuestros shows tienen algo de conjura mística, de milagro y de catástrofe. Somos físicos y arbitrarios a la hora de tocar, en ese sentido estamos mucho más próximos a los modos del noise que a los de la canción. Ese fue nuestro desafío y en eso estamos avanzando, hacemos canciones pero no las interpretamos como tales. Así, muchas veces llegamos a la deformidad. Eso sí, siempre bajo el aura universal del pop.

¿Y cómo es trabajar con Daniel Melero, considerando que además tú eres músico en su banda?
- Hacer música con Daniel es un súper lujo, siempre espera del arte lo mejor de lo mejor, como si fuera una conquista que siempre se puede ganar, y que se tiene que ganar para satisfacción personal. Eso es crucial. El centro de un artista siempre debe ser él mismo, nunca el afuera. Respecto de sus procedimientos, podría decir que su fuerte es sembrar la confusión, eso estaba muy en sintonía con el modus operandi de Los Clavos y por eso todo terminó en un disco doble compartido. Sin dudas Melero es mi influencia más fuerte, pero no en un sentido musical. Si bien los dos hacemos canciones, nuestra música no tiene mucho que ver. La marca que dejó en mí es mucho más global, como ser, los “principios” para construir una obra y una carrera.

Esta entrevista fue publicada en Paniko.cl

DJ Fracaso: "El boom de la música chilena no da ni para petardo"

2011-10-24T16:56:00.001-03:00

Recortes de la serie animada “Transformers” o “El Gladiador”, segundos de la película “Terminator” y varios planos de pornografía aparecen en los videos de Juan Chaparro, profesor de arte que comenzó a experimentar con la creación audiovisual hace más de diez años. La electrónica llegó después: cansado de escuchar death metal y ver envejecer su colección de discos, decidió tomar lo mejor de bandas como Carcass, Portishead o Slayer para unirlas a canciones como la reggaetonera “Baila Morena” de Héctor y Tito. Así nació DJ Fracaso, un hibrido entre programaciones, samples y videos.

Después de algunas presentaciones en vivo, DJ Fracaso publicó “Fracaso incendia el mundo” en 2001 (disponible aquí) y el EP “Fracaso asesina su familia” en 2003, discos con los que comenzó un tránsito por la música nacional que recién en 2011 volvió a dar frutos. A principios de este año, estrenó “Cadáver de perro al sol”, obra en la que reúne sus mejores canciones y videos y que se puede descargar libremente a través de Pueblo Nuevo, sello chileno especializado en música electrónica y no en death metal.

¿Por qué decidiste publicar “Cadáver de Perro al sol” en Pueblo Nuevo?

Llegar a Pueblo Nuevo era lo lógico, porque a los metaleros no les gusta lo que yo hago. Una vez toqué en un bar metalero y cuando terminé, el dueño del local me dijo ‘esto no es metal’. Quizá no le gustó porque algunas canciones tienen reggaeton. Lo que yo hago le gusta a la gente más rara, a los que están más pendientes de la música electrónica, porque cuando vas a un recital de death metal vas a puro escuchar un ruido que no tiene ningún sentido.

La figura del DJ generalmente se asocia al que está en las fiestas para satisfacer al público. Sin embargo, tus canciones y videos no tienen nada de complaciente.

Al principio yo veía a los DJs como una pérdida de tiempo: un tipo que ponía canciones una después de otra. Eso no tiene ninguna gracia. En ese tiempo yo pensaba ‘qué basura más grande la música electrónica, hay que hacer algo con ella’, pensaba que debería ser distinta.

¿Así llegaste a la idea de comenzar como DJ Fracaso?

Más o menos. Me acuerdo de que estaba ebrio y le conté a unos amigos que iba a hacer música y que me había comprado un computador. Un amigo me dijo ‘ponte DJ Fracaso’. Ahí no tenía idea de música electrónica, de hecho, hasta el día de hoy no me gusta la música electrónica, pero me gustó el nombre porque creo que el fracaso es la mejor manera de avanzar. Mientras más la cagues, más vas a poder saber todo lo que no funciona.

¿Cómo reacciona la gente con tus canciones y videos cuando tocas en vivo?

Lo más bacán ha sido un caballero mayor, un tata, que me abrazó y me dijo ‘me encanta lo que haces, pero tenís que hacer algo más melódico porque no se entiende nada’. También me acuerdo una vez en un FOBIA (festival de música experimental organizado por Jacobino Discos y Productora Mutante), cuando a un loco le dio un ataque de epilepsia y yo me sentí súper responsable, porque las imágenes que ocupo pueden inducir un ataque así. No sé si le dio por eso, pero le pasó después de verme tocar. Fue triste esa cuestión. Después fui a darle la mano al loco y no se acordaba de mí.

¿Qué lugar ocupa, entonces, el espectador en tu música? ¿Piensas en la gente que te va a escuchar y ver cuando haces las canciones o pasas por alto ese detalle?

Siempre pienso en el público, sobre todo en las partes en las que quiero que reaccionen. Por ejemplo, en las tocatas uno puede ir mirando en el estado que queda la gente. Ahí pienso que si hago algo se genera tal cosa. Me pasó cuando vi a la primera persona que gritó ‘oooh’ conmigo; ahí dije sí, esto está funcionando. Porque me di cuenta de que se generaba una euforia que, muchas veces, a la persona que hace las canciones no le pasa porque ya se las sabe de memoria. He aprendido y quiero que a la gente le sucedan las cosas que yo quiero. Es algo en lo que pienso porque al final cualquier cosa que haga se la termino presentando a la gente. Puedes ser súper experimental, súper abstracto y súper cabezón, pero igual eres un espectáculo, eres parte de un circo. Un payaso más.

Cuándo haces música, ¿la proyectas visualmente o primero vienen las canciones y después los videos?

Cuando hago las canciones, primero me las aprendo de memoria y después las hago. Los videos también: sé cómo empiezan, cómo terminan y qué va al medio. En mi caso no me gustan muchos los videos experimentales, pero sí me gustan los relatos, de hecho me gustaría hacer cine… Ahora que lo pienso, el otro día estaba enfermo, con fiebre, y el día anterior había visto una cinta que tenía de los “Transformers”. Después tuve unas pesadillas y me di cuenta que eran las mismas imágenes que aparecían en los videos. Mis pesadillas son lo que ves en mis videos: me gusta el porno, me gustan los “Transformers”, me gusta “Terminator”. Son cuestiones que están en mi cabeza y necesito sacarlas. Me persiguen.

Pero esas narraciones de tus videos igual están diciendo algo que va más allá de tus pesadillas.

Claro, además de la canción, siempre se está poniendo un juicio sobre la mesa respecto a lo que significa la música y eso es lo que ve la gente. Pero la verdad no es algo que piense tanto. Siempre estoy pensando en mujeres desnudas. Es un problema que tengo. ¿Cachai Korn? ¿La canción ‘A.D.I.D.A.S.’? Es como esa onda… Son cuestiones incontrolables que al final terminan diciendo mucho. Mucha gente se siente representada, pese a que otros no le encuentran ningún sentido. La gente le da el sentido. Por eso prefiero que sea la gente la que me diga qué es lo que piensa cuando ve los videos. Es un trabajo que está hecho para que la gente diga algo, no es el show de un músico tradicional.

Dj Fracaso: "Destruir el imperio" (2011) - disco: "Cadáver de Perro al Sol" [vg006] by pueblonuevo

Publicaste tu disco en un sello dedicado a la música electrónica, pero lo tuyo viene del metal. ¿Te relacionas con músicos electrónicos de acá?

Ahora he conocido más músicos electrónicos. Pero me he dado cuenta de que hay una frase que cuando aparece es porque es verdad: cada vez hay más poseros, y todos están haciendo puras basuras, y en todos los sentidos, pero se nota más en la electrónica, con gente que lo único que quiere es darle el palo al gato. Por eso mismo yo prefiero mantenerme alejado.

Pero igual al publicar un disco, y más encima de descarga gratuita, empiezas a formar parte de un grupo de gente, de un sector, aunque sea pequeño, de la música nacional. No es que estés tan alejado de lo que pasa con las otras bandas.

A mí lo que me interesa harto es lo que pasa cuando las personas toman lo que tú haces y hacen algo más. Me ha pasado que me han escrito un par de locos que han hecho videos con mis canciones. Hay como tres videos por ahí. Esa es la única relación que uno puede tener con la gente. Me acuerdo que cuando hice unas canciones con partes de Slayer, yo le escribí a los locos, les mandé un correo, pero jamás me contestaron. Para eso uno hace música yo creo, para que pase algo así.

¿Y qué opinas del auge de la música chilena actual? Parece que todo el mundo está haciendo cosas increíbles y que el mundo recién se está enterando que existe Chile.

Eso es lo mínimo. Me acuerdo de un periodista de Canal 13, que usa lentes – Andrés Caniulef- que se llena la boca con los músicos chilenos, pero nunca los nombra. Y cuando los nombra, nombra a cuántos, no sé, al 10% de los músicos. Es poca la difusión. En verdad, el boom de la música chilena no da ni para petardo. Hay miles de personas haciendo canciones, pero nadie sabe. Creo que a la música chilena, y sobretodo al underground, se le está dando más importancia de la que tiene. En verdad, esta cuestión no le importa a mucha gente. Que yo saque un disco no le importa a mucha gente. De hecho la mayor cantidad de descargas que tiene Pueblo Nuevo son 100.000… ¿Cuántos es eso? Uno puede pensar que es caleta, pero en verdad no es nada. Vivimos en una ilusión que a nadie le importa, porque la gente está preocupada de puras hueas. Ahora por ejemplo, hay miles de personas protestando en la calle, pero la gente está preocupada de otras cosas. Ante esa indolencia uno hace lo que puede.

¿Qué cosas te llamen la atención de acá? Porque en tus videos y canciones los referentes son bien lejanos.

Me gusta Congelador, me gustaría tocar con ellos. ¿Algo que me guste de ahora? Fakuta, también Fredi Michel. Me acuerdo de la fonda Michael Jackson del año pasado y me gustó la actitud de Fredi Michel, como despreciando a la gente. No creo que sea cierto, no creo que la loca –la cantante Andrea Guerrero- odie a la gente, pero es una actitud que toma en el escenario. En el caso de los videos tengo algunos de Michael Jackson que me gustaría ocupar y ponerle la cara de Felipe Camiroaga, pero ahora alguien podría llegar a violentarme y eso es complicado, porque tampoco tengo que andar pasando peligros.

¿En qué estás trabajando actualmente?

Estoy terminando una canción para un disco que están armando los músicos de Lluvia Ácida para la novela gráfica “Policía del Karma” de Jorge Baradit. Es algo muy parecido a lo que hicimos con Synco. Pero el estilo es distinto, parece más una banda. De hecho, cuando lo escuché pensé que no era música electrónica, sino que una banda. Es chistoso eso, porque justo hace unos días vi unos videos de Marciano y pensaba en lo que terminó Sergio Lagos y pensé que era horrible y que me iba a pasar lo mismo, que me iba a transformar en una basura.

Esta entrevista fue publicada en POTQ.cl

El cuestionario para Rosario Bléfari

2011-10-13T16:36:00.000-03:00

Foto: Javier Chorbadjian

Música y cine se mezclaron en el regreso de la cantante y actriz argentina Rosario Bléfari (1965) a tierras chilenas. Después de años sin cruzar la cordillera, fue gracias a la actuación que viajó a Chile, en enero de este año, para trabajar junto al director nacional José Luis Torres Leiva en la película “Verano”, cinta en la que Bléfari ocupa un significativo papel secundario. Por esas fechas, la vocalista de la recordada banda Suárez también pudo ofrecer un íntimo concierto en el desaparecido subsuelo del Estudio Elefante, para repasar sus discos “Cara” (2002), “Estaciones” (2004), “Misterio relámpago” (2006) y “Calendario” (2008).

Han pasado los meses y ahora vuelve a Santiago para estrenar, en formato acústico, canciones de nuevo trabajo: “Privilegio”.

—Me moría de ganas de volver a Chile con cada disco que sacaba pero, o no podía encontrar la persona indicada para organizar algo, o si parecía que ya estaba todo listo y se concretaba el viaje, pasaba algo. La última vez fallida, pasó ni más ni menos que el terremoto. Cuando me invitaron a filmar “Verano” pudimos vencer la cuestión, y como yo viajaba junto a mi guitarrista Javier Marta, que también iba de invitado a tocar con Boom Boom Kid, pudimos “engañar” al destino.

Cuáles han sido tus impresiones sobre Chile en términos de público, de los lugares que has visitado después de tanto tiempo sin venir. ¿Te ha llamado la atención algo de acá a partir de tu último viaje?

—Durante la última vez que estuve en Chile todas mis impresiones fueron absorbidas por este contacto con el cine chileno; ver a ese equipo de personas trabajando, todos a la vez embarcados en otros proyectos de los que venían o a los que iban: cortos, guiones, montajes, fotografía, sonido, desde su lugar o de otro, rotando los roles en otro proyecto. La actividad es enorme por lo que pude apreciar. Y el trabajo en equipo fue tremendamente fluido. Yo preguntaba si era siempre así o era un caso especial. Me dijeron que no era siempre así, por lo cual doblemente agradecí haber sido invitada a esta película en particular, que tenía estas características tan notables.

¿Cómo se dio la oportunidad de participar en esta película?
—Esta película llegó en un momento muy especial, mi madre estaba muy enferma y en medio de esa pena me escribió un mail José Luis Torres Leiva. En unas líneas explicaba la intención de la película de una forma muy sincera, directa, simple y pude, a través de esas palabras, ver de qué se trataba todo, confiar y aceptar. La noticia fue una alegría porque ir a filmar a Chile no estaba en mis planes, y aunque hubiera podido soñarlo, jamás lo hubiera creído posible. Luego hice un primer viaje para conocer al director y la locación: un hotel en la cordillera, en las Termas de Cauquenes. Fue muy gracioso y representativo cuando llegué al aeropuerto, porque José Luis y una asistente, Cata Vergara, me fueron a buscar, y cuando íbamos en el auto yo les pregunté: “¿Y qué tal el director? ¿Trabajaron en otra película con él?” y ahí José Luis largó una carcajada, y la Cata me dice que él es el director. Yo no me esperaba que el director viniera al aeropuerto, pero así es José Luis, una persona encantadora y sencilla, sumamente sensible e inteligente. Me parece algo más que un director de cine moderno, lo suyo es una obra fotográfica en movimiento, trasciende la concepción actual del cine.

Es probable que tu faceta como actriz más nombrada entre el público chileno sea tu protagónico como Silvia Prieto en la película del mismo nombre de Martín Rejtman, de 1998.
—En el caso de Martín Rejtman, por ejemplo, su cuestión pasa por otro lado, más por algo de las palabras y las situaciones que crean un mundo propio, extraño, paralelo, pero al mismo tiempo familiar de tal manera que resulta un humor de todo eso. No creo que ni uno ni otro sean ‘el cine argentino’ y ‘el cine chileno’, para nada. Ambos son directores con una personalidad y en general me cuesta determinar qué es lo que corresponde a cada país. Además, no es lo que más me interesa ver cuando veo una película, siempre me sintonizo en lo universal, igual que con las canciones o cualquier otra cosa. Después, puede estar el interés que despierta ver alguna costumbre o lugar, la gente de un lugar, pero es un extra que el cine nos regala: el dato geográfico, étnico, cultural, escondido en la obra. Me gusta ver, en todo caso, como con distintos elementos y con distintos lenguajes se habla de las mismas cosas que nos involucran a todos.

Haciendo un poco de memoria: colaboraste con Congelador para la canción “Centro del sol” que salió en el disco ‘Cuatro’ (2002) de la banda chilena. ¿Cómo fue esa experiencia?
—Recuerdo ese lindo momento en el que fui al estudio de los chicos y grabamos, fue natural y sencillo hacerlo, compartíamos un código musical y entrar en sintonía no me costó nada. Sé que volvieron al ruedo, y me alegro, los tengo como algo valioso para el panorama musical de cualquier lugar, una pieza que no debe faltar.

Siempre me llamó la atención tu canción “Vidriera chilena”, que sale en un compilado ‘4 woman no cry’ de 2005.
—Es una pieza instrumental que surgió de grabaciones que había hecho caminando por las calles de Santiago o en improvisaciones que hicimos en un viaje con Suárez, y como tenía ese origen, esa inspiración, la titulé vidriera, por ser un lugar donde se muestra algo. No intenta ser un concepto tipo “parece una vidriera chilena”, como si las vidrieras chilenas, escaparates o como les llamen, tengan ciertas características identificables en cualquier lugar. Es más bien como si yo armara sonoramente una vitrina donde se exhibieran mis impresiones chilenas.

En el concierto en Sala Master vas a estar presentando canciones de tu nuevo disco, “Privilegio”. ¿Qué puedes adelantar de este trabajo?
—Voy a llevar el disco, que salió recién. Tiene doce temas, bien rockeros, rápidos, eléctricos, pero vamos a tocar algunos de ellos en clave guitarras y voz, y cuando vayamos más adelante con la banda, verán su dimensión en vivo. Oírlos así, en acústico, tiene sus ventajas porque se entiende bien de qué van, casi es como espiar su estructura, su origen, sus emociones primeras. Algo nuevo de este disco es que comparto la autoría de algunas canciones con mi guitarrista, Javier Marta. El ceder terreno en la autoría no tiene que ver con necesidad compositiva, al contrario, tengo varias docenas de temas esperando, sino con la necesidad de agruparlos conceptualmente en lo que se dio entre nosotros en un momento que fue un diálogo de canciones. Este disco es así, con grabación de banda otra vez, y la exigencia que me auto-impuse de hacerla sonar, eso de querer que quede registrado el espíritu que se respira en medio de una tocata rocker, ese frenesí.

Justamente hace unos días estuvo tocando en Chile Violeta Castillo, cantante que participó en uno de tus talleres de escritura para canciones. Aldo Benítez, otro cantante que ha visitado Chile también formó parte. ¿Cómo surgió la idea de dictar esos talleres?
—Hubo una época de un taller en particular al que vinieron Violeta y Aldo y otros músicos más que empezaron a escribir, escribir y ampliaron el registro literario de sus canciones. Yo aprendí mucho y compuse muchas canciones en ese entonces, porque me ponía a la par de todos. Ahora doy algunos similares, pero intensivos, que duran dos días, como por ejemplo uno que hice la semana pasada para cantautores en Tilcara, Jujuy, que está al norte de Argentina. Al principio, antes de hacerlos, renegaba de la idea de poder ayudar a alguien con algo así, pero me fui dando cuenta que podía compartir cosas y al mismo tiempo aprender o refinar lo mío y la transmisión de ideas acerca de la canción. Al darme cuenta que era un intercambio me pareció posible, y hace años que los llevo de alguna forma. También voy cambiando, renovando y se va transformando en algo sobre la escritura para artistas en general, ya no para músicos ni exclusivo para la canción.

¿La canción –como formato, como producto, como creación- es algo en lo que te gusta reflexionar?
—La canción es para mí una extensión del decir, una manera de decir las cosas, muy apropiada, y a veces hasta indirecta, donde el que escucha saca sus conclusiones. La canción es una respuesta que se arma y rearma ante la pregunta particular de cada persona y momento en que se escucha. La misma canción puede responder distintas preguntas o dar diferente respuesta según los momentos.

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Lo uno y lo otro de Violeta Castillo

2011-09-25T23:10:00.002-03:00

Violeta Castillo es mitad argentina, mitad chilena y susdiscos también son dos mitades: “Uno” y “Otro” se titulan los epés que editó aprincipios de año y que presentará esta semana en Santiago, en dos fechas juntoa Moreno y Dadalú.

Aprovechando esta visita, conversamos con la cantante paraconocer más sobre los orígenes de su trabajo, sus gustos por Gilda y la músicachilena actual, además de cómo se vive por estos días la canción pop al otrolado de la cordillera.

Durante el verano de este año, Violeta Castillo (1989) viajódesde Buenos Aires hasta Tucumán –localidad ubicada al noroeste de Argentina-para grabar sus canciones en el sello Yoconvoz. Fue allí donde la cantanteterminó los epés “Uno” y “Otro”, los dos discos que estará presentando en Chiledurante esta semana y con los que consagró su gusto por la canción pop, simpley breve, y con los que también completó su recorrido por distintos escenariostrasandinos.

“Empecé a componer bajo mi propio nombre en 2009, después dedisolver mi primera banda que se llamaba Castillo Violeta”, recuerda lacantante. “Paralelamente tocaba en Angélica y Tomás, un dúo de covers de hitsde radio FM versionados en guitarra y voz, mucho más descontracturado ypasional. Hacíamos temas que todo el mundo conoce como “Fuego de noche, nievede día” de Ricky Martin, “Suave” de Luis Miguel, una lista interminable decumbias románticas y muchas canciones de Gilda”, añade.

Has dicho que la versión de “Tu cárcel” de Gilda te inspirópara “Mi cárcel”, el tema que aparece en tu Ep “Otro”. Es una gran referencia ylamentablemente en Chile sabemos muy poco de Gilda. ¿Por qué crees que ese tipode música te inspira o te motiva a trabajar en tus canciones? ¿Qué otrasinfluencias de la música latinoamericana distingues en tu trabajo?

—Gilda es una cosa increíble de linda, por lo festivo y loprofundo que puede ser al mismo tiempo su voz tan dulce y tan potente. Suscanciones son un clásico de los casamientos o festejos de año nuevo, es músicapara bailar y hacer trencito, pero sacándoles todo el chingui-chingui de lacumbia, lo que queda son tremendas canciones de amor. En mis épocas desecundaria también escuchaba mucho a Silvio Rodríguez, Charly García, Fito Páezo Spinetta. Otra influencia importante para mi es Babasónicos. Creo que es lamejor banda de Argentina, siempre se renuevan y siempre se superan, los amo,son los verdaderos rockeros.

Mi_carcel_Violeta_castilloby yoconvoz

Sin embargo, aunque reconoce que no ha olvidado esasinfluencias, Violeta Castillo siente su música más cercana a proyectosargentinos más recientes como Diosque, Leo García, Lucas Martí y RosarioBléfari. De esta última, Violeta Castillo fue alumna en los talleres deescritura de canciones que dictaba la ex líder de Suárez. “La canción “BolsilloSecreto” –que aparece en “Uno”- salió de un cuaderno del taller. Y hubo otrasque no prosperaron, pero uno nunca sabe, a veces las canciones reviven;canciones zombies podemos decirles. Rosario Bléfari me enseñó que de cualquiercosa puede salir una canción”.

Pensando que tu padre es chileno y que viviste en Chilecuando eras niña, me imagino que en más de alguna ocasión han relacionado tunombre Violeta con Violeta Parra. ¿Qué opinas de ella? ¿Es alguien importanteen tu música o no forma parte de tus referencias?

—Mis padres me pusieron Violeta un poco por Violeta Parra yotro poco por el color y la flor; mi mamá es artista plástica y mi papá esmúsico, o sea, muy poético todo. Pero lo cierto es que no me introduje mucho ensu obra. Éste año o el año pasado encontré un vinilo suyo y lo escuché una parde veces de cada lado, me resultó muy crudo el sonido en general y su voz, enparticular, me emocionó en ese momento, creo que hasta lloré, pero no la retoméluego.

¿Hay algo en la música popular chilena que crees que te hayainfluenciado particularmente o miras con lejanía a los artistas de acá?

—En mi casa sonaba mucho Illapu cuando era chica, aún hoy meemociona escucharlos. Pero lo que más me influencia de Chile hoy por hoy sonmis contemporáneos: Javiera Mena, Gepe, a quien tuve la suerte de telonear acádespués de haberlo escuchado sin parar en Tucumán durante la grabación de losdiscos; también Fakuta y Dadalú, son buenísimos todos, cada uno en lo suyo y medeslumbra la manera en que crecen a pasos agigantados.

EL_BOLSILLO_VIOLETA_CASTILLO_2011by yoconvoz

Es evidente que Violeta Castillo llega a Chile en un momentoparticularmente atractivo en cuanto a la cantidad de músicos nacionales queestán sonando. No obstante, es imposible no saber su opinión sobre lo que estápasando en las calles del país, con los estudiantes secundarios yuniversitarios como la cara más visible de los problemas sociales.

—Aplaudo a los estudiantes y a los nuevos músicos chilenosque tienen todo tan claro. Si bien es a otra escala el crecimiento, y no sé siestá relacionado en algún punto con lo musical, lo que pasa en éste momento conlos estudiantes también lo veo como una explosión. Los estudiantes estándecididos y se mueven bien, se los ve organizados y juntos, que es lo másimportante en una lucha. Y en un punto admiro mucho eso de los jóveneschilenos, que se puedan organizar tan bien e ir para adelante, focalizar, comodice Javiera (Mena) en “Esquemas juveniles”.

¿Cómo nació tu sintonía actual con Chile? Cuéntame un pococomo ves a la gente con la que vas a tocar, como Dadalú o Moreno, o quizás deotros como Fakuta a quien le has dedicado muy buenos comentarios por Facebook.¿Te llaman la atención las nuevas bandas de acá?

—Con Dada (Dadalú) empezamos a chatear hace un tiempo, haráun año más o menos y de entrada pegamos muy buena onda, contándonos cosas,comparando los momentos de cada país y siempre pensando en cuando nosconociéramos y pudiéramos compartir escenario, y ahora se está dando, así queestoy muy contenta porque me encanta su estilo, me parece muy divertida. AFakuta la conocí hace poco, no me había hecho el tiempo de escucharla, y ahoraque sacó su disco, “Al vuelo”, estoy fascinada con ella, me parece tan fino loque hace, y además es genial cómo se presenta en vivo, soy una fan de Fakuta.

Leí que tus primeras tocatas fueron en la zona oeste deBuenos Aires. De esos lados han viajado a Chile cantantes como Coiffeur y Aldo Benítez. ¿Qué crees que tiene ese sector que genera este tipo de artistas ocómo te influenció relacionarte con ese lado de la ciudad? Pienso un poco encómo influyen los barrios en la creación de tus canciones.

—El Oeste tiene una magia especial, es cierto, a mí meatrapó mucho cuando empecé a moverme por allá. También hay algo fundamental, yes que es muy difícil e incómodo llegar y también volver del Oeste. Hay un trenque funciona cada vez peor y en hora de punta es imposible viajar sin quererprender fuego a todos los vagones, entonces estoy casi segura de que eso haceque si estás allá quieras quedarte días con tal de no tomar el tren. Ahí esdonde uno empieza a juntarse por el barrio y salen los proyectos. Y además esmuy linda la zona, de casas bajas, mucho verde y bicicleta, así bieninspirador.

Cuando esos músicos viajan a Chile siempre sale el tema delo difícil que es tocar en Buenos Aires, porque no hay lugares, porque loslugares no están bien habilitados, porque el gobierno de la ciudad después delaccidente en Cromañón comenzó a cerrarlos. ¿Cómo ves ese tema?

—Ese es un tema complicado. Es cierto que hay pocos lugarespara tocar, o que no reúnen las condiciones necesarias para tocar con toda labanda, o que no se pueden anunciar mucho porque funcionan de maneraclandestina, o son demasiado grandes para la cantidad de gente que una convoca,o que tienen un arreglo poco favorable para los músicos y siempre se terminaperdiendo plata, etc. A mí me afecta particularmente en cuanto al formato, peroeso también puede verse como una ventaja. A veces no se puede tocar con bandapor la batería, entonces, preparo un formato acústico y siempre es lindojuntarse con amigos a reversionar los temas y tocar para gente nueva. Perotambién es dispersante y estresante, porque de pronto estoy ensayandoparalelamente con tres formatos distintos. Es ambiguo de acuerdo a cómo se lo vea. Por supuesto,también afecta al desarrollo de una escena, porque es todo muy a pulmón ysiempre se corre el riesgo de quedarse frustrado en el camino o terminartocando siempre para los mismos cinco amigos. Uno se pregunta si es de verdadlo que quiere hacer cuando no es del todo disfrutable. Ganar cero platasignifica tener que trabajar en algo que quizás no tiene nada que ver con lamúsica y tener menos tiempo para organizar cosas que rindan y que sean lindas,que a la gente le den ganas de ir, de pagar la entrada y, sobre todo, devolver, que se vaya convirtiendo en el público que te sigue. Así que es complicado,pero se puede, seguro que se puede. Por ejemplo, Él mató a un policíamotorizado es una banda que empezó tocando para 20 personas hace cinco o seisaños y hoy llena lugares para 400 o más. Y lo lograron con trabajo ydedicación, o sea que no es imposible.

Podrías contarnos un poco también de las cosas que estánpasando en Tucumán, y el sello que te grabó, Yoconvoz. Diosque que ha tocadovarias veces en Chile es de allá, también Federico Carlorosi que ha viajado conLos Labios y Klemm a Chile ¿Qué otras bandas recomendarías?

—YoConVoz es una fábrica de canciones directamente. Grabarcon ellos fue lo mejor que me pudo pasar por cómo se involucraron en cada unade las canciones, cómo las reinterpretaron y, sobre todo, con qué fluidez sedieron las cosas. Además, los tiempos en Tucumán son muy distintos a los deBuenos Aires. Es otro ritmo, más atemporal. Recomiendo a todas las bandas delsello, empezando por Monoambiente, el padre o hermano mayor de todo lo demás,Luciana Tagliapietra, Michael Stuar, Maximiliano Farber, Bruno Masino, ytambién Posavasos. Tucumán es la provincia de la canción pop, es lo que mejorsaben hacer: grabar canciones.

Esta entrevista fue publicada en Paniko.cl

nnnaaammm – “Bites and Colores”

2011-09-23T20:26:00.002-03:00

Una reflexión sobre las oportunidades y loslímites de la tecnología en la creación electrónica es la que propone elcompositor nacional Pablo Flores en “Bites and Colores”, su nuevo trabajo de libredescarga bajo el pseudónimo nnnaaammm para el sello/colectivo Jacobino Discos. Enesta producción, Flores es capaz enlazar ocho cortes en torno a una conocida -perono por eso menos actual- crítica al lugar que ocupan los programas informáticosen nuestras vidas, la tensión ética respecto al usufructo de los conglomeradosdetrás de estas herramientas y las marcas que van dejando estos dispositivos enlo cotidiano, y por consiguiente, en el paisaje sonoro de todos.

A partir de esas huellas nnnaaammm construye unatrama glitch de casi veintidós minutos que nos remonta instantáneamente aWindows y la conocida pieza que Brian Eno compuso para este sistema operativo en1995. Interviniendo esa grabación, el autor crea nuevas piezas, tal como sucedeen “Office” o “Ramspeed”, canciones que nacen de la unión entre lasprogramaciones del chileno, la sombra de Eno y la reutilización de los sonidosque se pueden rastrear en los computadores a través de esa infinidad demicroarchivos de audio que se esconden en estas máquinas.

Es importante destacar que el ejercicio de nnnaaammm no pasaría de ser un simple juegoestético sin la presentación adecuada de las ideas que sostienen al disco. Poruna parte, el collage sonoro del álbum demuestra cómo todavía se puede elaborarun sonido sorprendente gracias a la manipulación de lo que pensamos sólo formaparte de los circuitos de los aparatos que diariamente utilizamos. Y por otra, la contraposición de sonidos deentrevistas a Richard Stallman (conocido activista a favor del software libre)y a Bill Gates (otrora líder de Microsoft) vuelve evidente que canciones como"Burning and the Explorer" o "Devil Inside" también estántrasportando un cuestionamiento sobre las estructuras de poder que se escudanen el desarrollo tecnológico.

Por la buena combinación de ambas intenciones, “Bitesand Colores” consigue refrescar un sector de la electrónica que opta por escarbaren sí misma para encontrar nuevos espacios de creación y tensión. En ese gesto,nnnaaammm prefiere un estilo de composición que podría ser calificado comoobvio e incluso domestico, pero que busca enfrentarnos a ese tótem-tecla (inicio, justamente) que aparece en laportada de este disco.

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Entre la oportunidad y el oportunismo: seis ejemplos de música chilena en tiempos de protesta

2011-09-01T00:58:00.003-03:00

Se necesitó que miles de personas salieran alas calles del país para que un grupo de músicos chilenos optara por reflejaren sus canciones y videos lo que estaba pasando en Santiago y regiones. De apoco los escolares, los universitarios, los trabajadores, los ecologistas, lasmarchas, las protestas, los colegios en toma y los cacerolazos comenzaron aaparecer entre la producción musical de una parte de creadores locales que alparecer no están tan indiferentes ante un fenómeno social que se expresa en laciudad. Lo que sigue es una revisión de seis de estos ejemplos y lainterpretación que surge de sus similitudes, diferencias y proyecciones en eltiempo.

Fue durante la tercera semana de julio cuandose publicaron consecutivamente (al menos) tres videos de músicos chilenos queocupaban imágenes de las movilizaciones del primer semestre en Santiago. Elprimero de ellos fue “Librando a la mañana” de Mowat, aparecido el domingo 17; losiguió “Civil” de Lila el martes 19 y luego “La Chispa” de Los Sudacas elmiércoles 20 de julio. Asimismo, el grupo Portugal entrenó el 5 de agosto elvideo de “Nuestro Momento”, una canción publicada en 2010, reeditada en 2011,que ya contaba con un video, pero que fue relanzada con un clip grabado en lamarcha del 7 de julio. También se suma a esta lista “Quiero ser” de Sokio y Dadalú, aparecida el miércoles 24 de agosto, justo el primer día de la doblejornada de paro nacional convocado por la CUT. Finalmente, el último deestos trabajos corresponde a SubVerso con “Rap al despertar” del 29 de agosto,fecha en que Carabineros admitió su culpabilidad en el asesinato de ManuelGutiérrez en Macul.

Queda claro, entonces, que en poco más de unmes, un sector de la música popular comenzó a dar señales de lo que se podíaobservar en las calles y que después era retransmitido en los diarios, latelevisión e Internet. Tal como la prensa, los artistas reaccionaron tarde,pero es un hecho que las canciones están a nuestra disposición aquí y ahora,justo cuando los titulares se concentran en la serie de conflictos que se handestapado a raíz del grito de los estudiantes.

Para partir, en “Librando a la mañana” de Mowat lo que el video muestra es unaapropiación de la creatividad que se ha visto en las tomas de colegios y en loscarteles de las marchas, para proponer una canción que se vincula sutilmentecon lo social. En otras palabras, es en la mezcla de desfiles contra Hidroaysény a favor de las demandas estudiantiles en donde aparece el mensaje de Mowat,sobre todo en la mitad de esta pieza con ese juego de palabras entre losconceptos “celda” y “propiedad”. No es necesario que sepamos quién se escondedetrás de esta voz, ya que la apuesta visual de esta realización es superior alsolista o a su interés promocional, pues “Librando la mañana” se anuncia comoel primer corte del fututo nuevo disco del compositor.

En otra dirección, el video de “Civil” de Lilaes una apuesta más endeble. Su entonación y su mensaje más o menos esperanzadorsuenan encajados a la fuerza en un recorrido urbano poco aprovechado por lacámara. El problema aquí –a diferencia del trabajo de Mowat- es que Lila tratade incrustarse en lo que está ocurriendo en la ciudad no sólo a través de lasimágenes, sino que mediante una historia que reitera sus referencias a la Alameda y Santiago. La ciudad aparece como una inspiración,pero es poco lo que vemos de ella; acá lo que importa es la protagonista y esafigura la ocupa Lila. Por ende, al abusar de los primeros planos de estepersonaje, lo que se produce es un desajuste entre la intención de la letra yel producto final.

Un claro contrapunto con “Civil” es el clip de“La Chispa” deLos Sudacas, una banda que con esta canción podría convencer a la mismacantidad de personas que hoy disfruta con los sonidos de la denominada nuevacumbia chilena. Aquí, una vez más, aparecen los mensajes que espontáneamentehan repletado las banderas, los lienzos y las pancartas en la capital. Noobstante, en esta selección gráfica también hay una propuesta que combinaimagen y sonido para aportar un pequeño documento sobre el ritmo entusiasta quela banda observa en las avenidas. Bailes, coreografías, la besatón y losdisfraces son reutilizados en un tema que por momentos habla del lucro y larepresión policial.

Este intento por registrar lo que estásucediendo también aparece en “Nuestro momento” de la banda Portugal. Sinembargo, en este video lo que se presenta es una ficción. El relato amoroso dedos jóvenes que se dirigen a una marchano es más que un melodrama que se cuela en un contexto mayor, que es Chile, que es el reclamo por la educación,que es el colectivo. La forma en que se presenta la historia es excelente, peroes eso, una trama, una simulación bien armada de un contacto con “la realidadnacional”, pero que perfectamente podría ser la secuencia de cualquier obracinematográfica. Pero lo cierto es que no lo es y ahí el límite es complejo.¿Qué hay en esta dramatización de Portugal?¿Una demostración de apoyo a los secundarios? ¿Un simple espectáculo amoroso?

Hay algo, además, que está presente en losejemplos anteriores, pero que es más notorio en Portugal y vale la pena destacarlo: larecreación de un tipo de juventud que es capaz de quebrar una corriente que conDënver y su video de “Los Adolescentes” aparecía como una de las estéticasmás atractivas para la música chilena actual; esa tendencia a apologizar unsegmento minúsculo de la población (blanco, bello, acomodado, imberbe, siempreindolente) y que con el tiempo se consagró en el video de “Qué sería” de Francisca Valenzuela. No es hilar fino mencionar este aspecto, porque cuandohablamos de música popular chilena y su relación con los últimos episodiossociales, estamos hablando de la forma en que se exhibe el grupo que másespacio ocupa en esta discusión: los jóvenes.

Otro que recurre a un formato mucho más simpley directo es SubVerso. El rapero que es conocido por su carrera en Conspirazionsubió al canal de esta banda un tema en nombre de Manuel Gutiérrez, joven de 16años que fue asesinado por Carabineros el jueves 25 de agosto, luego de la segunda jornada de paro nacionalencabezado por al CUT. Aparecida sólo cuatro días después, “Rap al despertar”propone lo que las otras canciones mencionadas no hacen: llamar a lacontinuidad del movimiento estudiantil en específico y recordar que lo que hoyvive Chile no es fruto de un problema pasajero. Mediante un dispositivoaustero, SubVerso es capaz de refrescar las motivaciones de quienes salen aprotestar y de paso devuelve al rap nacional la tarea de funcionar como undisparador de ideas y críticas duras.

Por otro lado, y ya desde el electropop, Sokioy Dadalú despliega en “Quiero ser” un cuestionamiento por el futuro. Usando unpulso acelerado, esta dupla intenta seguirle el paso a un problema que segúnellos no se solucionará recurriendo a laderecha o a la izquierda. Aparecen ideas sobre el acceso y la calidad de la educaciónpara situar el tema en lo que está sucediendo hoy, pero al igual que en el casode SubVerso, la canción trasluce una queja por el estado de las cosas y laangustia de intentar pertenecer a un sistema que premia las desigualdades.

Sokio feat. Dadalu-Quiero Ser (Ponk 2011) by dadalu

Todos estos ejemplos nacen de autores que noson tan conocidas entre el público, como Mowat o Lila, que es una debutante.Los Sudacas y Dadalú, pese a pertenecer a determinadas plataformas quemantienen un grupo fiel de seguidores, tampoco son ejemplos de popularidad.SubVerso, en tanto, es reconocido por su trayectoria underground y Portugalrecién comienza a ser parte del repertorio oficial. Es decir, en mayor o menormedida se trata de propuestas marginales, que tampoco consiguen tantos espaciosde visibilización. Sin embargo, estas producciones aisladas comienzan a tomarcuerpo cuando se informa que Anita Tijoux –una de las cantantes que másdifusión consigue en Chile- declara estar preparando un video “con estudiantes”para el lanzamiento de una nueva canción. ¿Qué estrategia va de la mano deestos anuncios? ¿Quién será el próximo en recurrir a esta jugada?

Ahora bien, después de todos estos ejemplos yante la llegada de los que están por venir, ¿es menos válido que una bandautilice las marchas en la Alameda para grabar un video de una canción que están promocionando?¿Sería mejor que se guardarán las ideas a favor de las demandas sociales ycontinuarán divagando sobre sus sentimientos? ¿Tan evidente es el pop chilenoque ante el menor impulso se transforma en populismo? Es natural que surjanestos cuestionamientos, pues si hay algo que durante los últimos años hacaracterizado a la música popular chilena es la carencia de un discursoreconocible sobre el rol del individuo en el lugar que le toca vivir. Sinembargo, ninguna de estas preguntas es demasiado útil.

Esta selección de videos y canciones apunta notanto a cuestionar cuáles son los objetivos de estos músicos que recortan,arman y pegan un extracto de la ciudad en sus obras, sino en pensar si es que esposible que la música chilena funcione como una expresión al servicio delentorno o si no es más que un eco posterior que se sube a un carro que es tirado por otros.

Revisar estos ejemplos, en consecuencia, apelaa tomar distancia ante la manipulación que puede sufrir un mismo hechonoticioso (llamémoslo movimiento social) a través de la música popular yentender que estas creaciones están destinadas a recuperar parceladamente loque sucede en otro lugar –en otro planomás allá de los sonidos, las letras, los cantantes, los videos- en un ejercicioimposible y tramposo.

No se trata de responsabilizar a los músicosnacionales de algún tipo de desfachatez por hacer referencias a lo que hoy seha vuelto noticia. Tampoco de exigir que productos de este tipo se expandan nique se transformen en la versión sonora del espíritu de una época. Bastaría conreconocer que estamos ante un punto de inflexión en donde la supuestaoportunidad utópica de fusionar la música con lo social puede concluir, una vezmás, en una moda pasajera.

"Entre la oportunidad y el oportunismo..." también fue publicado en Paniko.cl

El buen despegue de Fakuta

2011-08-30T09:36:00.003-03:00

Fakuta en acción junto a The Laura Palmers. Foto: Ariel Altamirano.

La presentación de Al vuelo, el primer trabajo oficial de Fakuta (alias de Pamela Sepúlveda), conjugó la euforia y la delicadeza de la cantante, quien no ocultó la alegría ni los brincos en el lanzamiento de su debut como solista. Respaldada por un público entusiasta que llenó las butacas de la Sala SCD de Bellavista y por un sonido que hizo explotar las mejores canciones de Fakuta, el show también brilló por una puesta en escena que vino como anillo al dedo a las composiciones pop de esta artista.

El inicio de la jornada estuvo a cargo de Voz de Hombre, proyecto encabezado por Cristóbal Gajardo (de Los Embajadores), que cuenta con la colaboración de Pablo Flores (namm) y que comparte filas con Fakuta en el sello nacional Michita Rex. En una breve intervención, Gajardo enseñó extractos de su disco Hombre solo, recibiendo los aplausos por su particular estilo vocal y por los arreglos electrónicos de Flores.

Posteriormente vino el turno de Fakuta. Gracias al aporte de los invitados Pablo Muñoz (De Janeiros) y Nicolás Arancibia (Astro) en programaciones, percusiones y efectos, además del trío estable de coristas conocidas como The Laura Palmers, la cantante reforzó los once cortes de Al vuelo en un espectáculo intenso. La presencia de Muñoz y Arancibia jugó un importante papel en este sentido, pues refrescaron canciones como "Estrella", "Las partes", "Segundando", "Aeropuerto" o "Mil veces vuelvo", piezas que sonaron poderosas y que, de paso, sirvieron para demostrar todo el potencial de una compositora que logró convencer con un pop electrónico y complejo, pese a no temer a las estructuras típicas de este estilo.

En tanto, los momentos más sobrios del concierto –en donde se escucharon las baladas "50 años", "Imprecisa" o "Virreinatos"– dieron cuenta de la versatilidad de la cantante, pues acercaron su voz a terrenos más oscuros y menos efectistas. Tanto en estos instantes como en todo el show, The Laura Palmers cumplieron una vez más con sus coros y coreografías, armando un cuadro de interpretación y teatralidad que selló la propuesta de Fakuta.

Por consecuencia, si algo aclaró la cantante con este lanzamiento fue la destreza con la que su incipiente repertorio puede manipular matices y contrastes, facturando un pop que se ve favorecido con su versión en directo –sobre todo si pensamos que la versión grabada de Al vuelo a veces se intuye un tanto fría y rígida. No es de extrañar, entonces, que gracias a una atinada combinación de riesgo y sobriedad, el primer gran paso de Fakuta se transformara en un muy buen despegue para su carrera en solitario.

Este comentario fue publicado en Mus.cl

Voz de Hombre – "Hombre Solo"

2011-08-22T22:18:00.005-03:00

Extraño ejercicio para un debut es el que realiza Voz de Hombre en “Hombre solo”(Michita Rex, 2011). Demostrando más debilidades que fortalezas en la producción de este disco, el primer trabajo de Cristóbal Gajardo –también vocalista de Los Embajadores– se caracteriza por la irregularidad de las ocho canciones que aquí se presentan, pero también por una atractiva propuesta que encara ese trasfondo que tiende a pasar colado entre los estrenos firmados por hombres en Chile: la propia masculinidad.

“Hombre solo” está construido en base a teclados y recursos electrónicos que arman un sonido pálido, que se podría considerar como una oscilación aún inmadura entre el post punk y un tétrico synth pop. El estilo de Gajardo, por otro lado, tampoco se escucha del todo seguro: ahí están las débiles “Como la lluvia” o “Son cosas de las cosas”, piezas que revelan que a veces el cantante y las programaciones parecen apuntar en direcciones opuestas.

Sin embargo, aunque la poca precisión en el desarrollo musical de este disco puede ser más o menos evidente, hay otros detalles en su construcción que valen la pena destacar: la descripción de un personaje (hombre) que se retuerce entre los límites de lo masculino, que a veces incluso parece travestido (como se escucha en “Allá no es él”), pero que ante todo se enfrenta a una clásica imposición social: el deber estar acompañado o contar con un mínimo de arraigo.

Las canciones retratan al fulano que está encajado en un aislamiento profundo y que no logra compartir sus deseos con nadie, cayendo una y otra vez en la angustia de la insatisfacción. No es de extrañar, entonces, que las narraciones de este disco se inclinen por la búsqueda de ese honor perdido, de ese fragmento que le falta al varón incompleto. Cortes como “El gran mall” o “Eres una extraño” hablan de este deseo en baladas fantasmagóricas, sombrías.

Otro interesante momento es la versión de “Para tenerte otra vez”, hit popularizado por Chayanne. Utilizando los efectos del vocoder, Voz de Hombre reescribe esta pieza desde la distorsión. Aquí la figura del latin lover (tan machito como sensible) suena desplazada por la otra cara de la moneda masculina o, lo que es igual, por la perturbación del imaginario varonil que abunda en la canción romántica.

A fin de cuentas, Voz de Hombre prefiere quebrar la extraña trayectoria de divagaciones que abunda entre los autores nacionales –que a ratos pueden sonar viriles, poderosos, pero también cursis y melodramáticos– para ubicarse definitivamente en un terreno crítico, en donde los sonidos y las historias retratan el absurdo de ese ideal que siempre vincula a los hombres con el triunfo y el heroísmo. Acá no hay nada de eso.

La particularidad de “Hombre solo”, entonces, está en la construcción de un pop desprolijo y al mismo tiempo prudente, que de tanto tambalearse en la definición de un sonido característico deja abierta una reflexión sobre los límites de ese hablar como hombre que, al menos en Chile, se exige casi por ley.

Evelyn Cornejo - "Evelyn Cornejo"

2011-08-04T23:39:00.004-04:00

Pensar en la dominación que ejerce el poder (económico, político, simbólico) sobre nuestras sociedades es uno de los tantos temas que atraviesan el repertorio de Evelyn Cornejo en este debut homónimo, o mejor dicho, reedición de su debut original de 2009 y ahora remozado bajo el logo del Sello Azul. Ésa y otras temáticas de índole amorosa, siempre descritas con un emotivo uso de la metáfora y la fábula, son los componentes de un trabajo que se inunda de sonidos latinoamericanos y del folclor nacional para sacarle punta al lenguaje y canalizar a través del pop un mensaje que supera con creces al del resto de su generación.

Desde la canción que abre este disco, "América", hasta la versión de Violeta Parra con la que se cierra, "Versos pa’ la niña muerta", Evelyn Cornejo sorprende con una voz serena, que traspasa con destreza la angustia y la paz por partes iguales. Asimismo, los matices con los que juega su entonación son respaldados por un acertado trabajo instrumental, en donde la guitarra –principalmente acústica, pero que no le teme a la electricidad- comanda una orquesta de percusiones y arreglos que evocan al imaginario mapuche y a los protagonistas de una historia urbana y particularmente chilena.

Este detalle es fundamental: el álbum de Evelyn Cornejo evidencia una intención por responder a la realidad nacional, pero no desde lo coyuntural –que sería demasiado obvio-, sino desde un ejercicio a menor escala que nace desde el lenguaje. Los pacos, el guanaco, ser pajarón, encalillarse o engrupir son modismos que Cornejo usa para anclar su disco en un terreno local y eso –en tiempos donde los nuevos creadores pop lo único que quieren es borrar cualquier huella de chilenismo, para así responder a la supuesta demanda internacional-, es un característica que define el temperamento de esta creadora.

Por eso, en pasajes como "Alerta", "País de cobre" o "La huelga", el canto de Evelyn Cornejo se transforma en una crítica a las tragedias que sacuden la vida cotidiana de este lado del mundo. De hecho, su "Carmela"recreada a partir de “La pérgola de las flores” demuestra el desprecio por las asimetrías del sistema que conocemos, ya que en donde antes se escuchaba la ensoñación por el progreso que trae la ciudad, ahora, gracias a la impronta de Cornejo, se transparenta la vigente miseria de ese mito de nuestra cultura popular.

En el caso de sus relatos amorosos pasa lo mismo. "Planta medicinal", "La gallina y el león" y "Los ratones" son muestras de la ingeniosa narración de Cornejo. En estos casos, las historias más o menos sentimentales juegan con la trama, los personajes y los espacios para elaborar un discurso lúdico y que se intuye bastante alejado del dramatismo de manual.

Por su apuesta sonora y por la diversidad de temáticas sociales que se atreve a proponer, el debut oficial de Evelyn Cornejo es la demostración de cómo la canción popular puede aunar diversos estilos –acústicos, folclóricos, sudamericanos- para responder a la historia que se vive a pulso, atenta a las cuestiones del día a día, pero también a los grandes asuntos que se esconden y que asumimos como naturales.

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Mowat - "Librando a la mañana"

2011-07-21T21:12:00.006-04:00

Tremenda sorpresa la de hoy: Mowat presentó a través de Facebook el clip de la canción "Librando a la mañana", adelanto de lo que debe ser su nuevo disco. Un tema realmente esperanzador, que le gana el gallito a la corriente de autores nacionales que están dispuestos a ser el brazo musical de la derecha chilena.

Recordamos que Mowat visitó El Mapa en octubre de 2008.
Acá otro video, la versión de "Tarde en el hospital" a partir del poema de Carlos Pezoa Véliz.

Colectivo Etéreo: “Nuestras canciones siguen siendo actuales y van a seguir siéndolo”

2011-06-22T01:33:00.017-04:00

Rostros 2011: Menda, Dj Vaskular, Prospegto Arkao y Dadalú. Foto: Carol Mackenzy Mcloud

No se pelearon a muerte y aseguran que nunca hubo problemas de egos. Para Colectivo Etéreo la explicación del receso voluntario que iniciaron hace dos años es mucho más simple: sólo se cansaron de tocar.

Después de recibir una serie de buenos comentarios por su debut discográfico titulado “Ijniaaa!!!” (Neurotyka, 2007), el cuarteto de rap nacional formado por Dadalú, Menda, Prospegto Arkano y Dj Vaskular inició una paulatina retirada de los escenarios, hasta que dejaron de ofrecer conciertos a fines de 2009 y cada uno continuó desarrollando sus propios proyectos.

- Llegó un momento en que Colectivo Etéreo no tocaba. Y cuando lo hacían tampoco se notaba mucho ensayo. ¿Qué les pasaba en esa época?

Prospegto Arkano: Es que no teníamos ganas de tocar, ni de ensayar.

Dadalú: Tampoco teníamos temas nuevos.

Prospegto Arkano: Sí, como que empezaba “Avanzando” y me daban ganas de vomitar.

Menda: Fue una cuestión de tiempo. Hubo una época en que empezamos a morir por eso. Estábamos súper apretados, aunque también sentí que me aburrí de tocar.

Vaskular: Me pasó lo mismo, llegó un minuto en que le dije a los chiquillos que si no hacíamos un tema nuevo no iba a tocar más, porque la banda se transformó en algo muy monótono. Ahora no, ahora tenemos ganas.

A causa de la inminente partida de Menda (quien permanecerá fuera de Chile al menos hasta fin de año), los miembros de Colectivo Etéreo comenzaron hace algunas semanas a ensayar y a componer con el ánimo de registrar la mayor cantidad de nuevas canciones antes del viaje del cantante.

Además, ya cuentan con dos shows programados para las próximas semanas (este sábado 25 de junio en Espacio Z y el sábado 2 de julio en Bar Loreto), en los que recordarán canciones conocidas y también incluirán temas nuevos. Porque aunque no tienen claros los detalles, “Ijniaaa!!!” sí tendrá continuación.

- ¿Cómo será el nuevo disco en el que están trabajando?

Prospegto Arkano: Los nuevos temas son menos dolidos, menos afectados que los otros. Si antes las canciones eran como “me siento solo, terrible triste y llorando”, ahora hablan de algo más asumido.

Dadalú: Algunas canciones han tenido un giro más social. Eso pasa porque “Ijniaaa!!!” era más personal y ahora se trata más de criticar lo que pasa alrededor. Muchos de los temas los hemos tocado en vivo, como “Te extraño” u otros.

Prospegto Arkano: Cuando empezamos a hacer el disco anterior pensábamos que éramos los únicos que nos sentíamos mal y tristes, pero en el proceso de las tocatas, conociendo gente y armando alianza con bandas de todo tipo, todo se volvió diferente. Aparte uno crece. Asumimos las cosas y hemos cambiado la postura. Asumir esa la palabra clave.

Menda: Hay una onda más motivada en las nuevas canciones, tanto en la sonoridad como en las letras…Pero por ejemplo, ese tema “Te extraño” tuvieron que convencerme para grabarlo de nuevo.

- ¿Por qué?

Menda: Es que estaba dedicado a una polola que tuve en la otra época de Colectivo, entonces no quería hacerlo. Al final, le cambié un pedazo a la canción, así la historia puede identificar a cualquiera.

Juntos, ensayando y preparando nuevo disco. Foto: Carol Mackenzy Mcloud

- ¿Trabajan como antes, cuando componían los temas por separado?

Menda: En comparación al “Ijniaaa!!!” las canciones nuevas las estamos trabajando en conjunto, más unidos y ya no tanto como creaciones individuales que se van uniendo.

Prospegto Arkano: Donde se nota eso es en que ahora hay temas donde el Vaskular pueda hacer scratch, que antes no se dio porque él se integró al grupo después.

Vaskular: Sí, ahora me llegan unos demos que dicen “esta parte es para ti”…

Dadalú: Hay que considerar que los temas del primer disco no nacieron pensando en un disco de una banda que se iba a llamar Colectivo Etéreo. Eran temas que hacíamos con el Arkano. Después conocimos al Menda y al Vaskular, entonces todo se fue dando como un colectivo que juntaba sus temas. Ahora es otro el modo de trabajar.

Vaskular: Claro, cuando conocí a los chiquillos ya tenían canciones que eran el caldo de cultivo de lo que fue “Ijniaaa!!!”. Eran canciones que se hicieron por la necesidad de hacer canciones y no por tener que sacar un disco. Si dejamos de tocar también fue porque en algún minuto nos agotamos de esa necesidad de tener un segundo disco. Nos habíamos olvidado de hacer canciones sólo por hacerlas.

Prospegto Arkano: Eso es lo más respetable para mí: hacer canciones por querer y no por la presión de tener un segundo disco. De haber sido así, tendríamos otro disco desde hace rato. Fue bueno esperar y sentir que teníamos la necesidad de hacer temas nuevos por nosotros y no porque le debíamos algo a alguien.

- Considerando que “Ijniaaa!!!” lo editaron hace cuatro años. ¿Cómo lo observan ahora que regresan?

Dadalú: Ahora que vamos a tocar de nuevo lo más obvio para aprenderme las letras fue escuchar el disco y me gusta mucho. Lo escucho como fan y pienso en mis canciones favoritas y todo. Creo que pasado todo este tiempo lo puedo escuchar desde afuera y es bacán. Es rica esa sensación.

Vaskular: Sí, porque llegó un momento en que lo odiábamos.

Prospegto Arkano: Estábamos chatos.

Vaskular: Sí, porque lo escuchamos mil veces en vivo. El Arkano lo tuvo que escuchar otras mil veces cuando lo grababa, entonces es natural que quedáramos agotados.

Menda: Uno se da cuenta de todo el tiempo que ha pasado y lo mucho que ha cambiado. No sé, pienso en las letras por ejemplo. Algunas son realmente exageradas, pero es que en esa época eran a concho.

Prospegto Arkano: Tiene que ver con una revaloración del trabajo propio, porque cuando lo hicimos como que no queríamos escucharlo. A mí me daba lata…Yo cacho que lo miré un poco en menos. Ahora lo escucho y pienso en cómo se nos ocurrieron rimas así hace siete años, porque muchas de las canciones son del año 2004 o de antes. Lo mismo con las bases o las ideas de fondo.

Vaskular: Me pasa algo similar, pero en todo sentido: desde agarrar el disco y ver que es bonito, que es un disco plateado y no verde…Esas cosas no dan lo mismo. Y después escucharlo es darse cuenta que es un disco súper bueno, tanto en lo sincero como en la calidad de la música. De hecho, el otro día estaba escuchando unas bases y pensaba “¡qué onda los hi-hat de este tema! ¡Qué onda el Arkano pasó dos meses haciendo este tema!”.

Prospegto Arkano: Ha pasado el tiempo y eso ayuda. Cuando lo hicimos no lo pensamos mucho, porque las canciones eran las que teníamos que hacer o nos moríamos. Me siento orgulloso de haber sido capaz de hacer canciones así. También le encuentro mil cosas malas al disco, pero prefiero fijarme en lo bueno.

Rap chileno en la época de oro del recordado sello Neurotyka. Foto: Hixaga

- Si bien el disco hablaba mucho de experiencias personales, también había otro tema muy característico: la opinión que tenían del rap chileno. ¿Siguen pensando lo mismo que en esa época? ¿Qué opinan del rap chileno actual?

Prospegto Arkano: Si antes me importaba un poco, ahora ya no me importa. Ni siquiera lo escucho. Lo que sí rescato son los productores, la gente que hace bases, pero lo malo es que se juntan con raperos que hablan puras hueas…Pueden haber raperos con técnicas bacanes y que rapean mucho mejor que yo, pero encuentro que sus letras no han avanzado nada. Está estancado.

Menda: Por mi parte he encontrado más grupos y hay un movimiento político social bien hardcore dentro del rap. Algunos locos tienen letras súper arduas, que tienen que ver con el contexto de ahora y del pasado. SubVerso, Portavoz o Nosecuenta, por ejemplo. Pero son agarrados con pinzas.

Dadalú: Por ejemplo, el otro día escuché una banda y era todo igual que en 2004, creyéndose de España, hablando de copete y de las minas. Cuando escucho eso pienso que todo está igual. Me falta encontrar un equilibrio en esas bandas, pensando en las bases y las letras.

Prospegto Arkano: Yo igual he escuchado cosas y todos son como “el rap es matemático, mi estilo es muy cuático, deah, te chupo una teta”.

Vaskular: El rap chileno todavía sigue estereotipado. Las cosas que nos hicieron marginarnos en esa escena siguen ahí, aunque siento que no tenemos ninguna propiedad de decir que las cosas son malas. Filo, que la gente haga lo suyo. Si tengo que hablar de calidad, el rap chileno obviamente está mejor. Ahora, el contenido siempre es algo personal.

Dadalú: Claro, quizá no dicen nada para uno, pero para otros sí.

- Es bien interesante eso que dicen de la marginalidad. Colectivo Etéreo estuvo siempre al margen, tanto del rap como del pop. ¿Creen que siempre van a ocupar ese lugar intermedio?

Vaskular: A mí eso siempre me ha dado lo mismo. Los grupos bacanes de rap en algún minuto fueron marginados. Outkast, De La Soul, Beastie Boys, grupos de los que en su momento decían que eran raperos hippies, otros que eran raperos gays en cocaína o que eran raperos blancos. Tarde o temprano las cosas se sustentan por la música.

Prospegto Arkano: Eso de estar como en un limbo me gusta. Prefiero eso a tener diez Colectivos Etéreos más. Esa es una gracia de la escena independiente chilena, que todos somos diferentes. Mientras más diversidad mejor.

Dadalú: No se sí es bueno o malo no pertenecer a un tipo de estilo. Ser así es más arriesgado. Por ejemplo, ahora me sorprende que todo el mundo quiera ver a Colectivo Etéreo, cuando al comienzo a mucha gente no le gustaba porque éramos un grupo difícil de digerir. Creo que es una inversión a largo plazo, tocando y tocando y de apoco la gente va entendiendo.

- Me parece que el “Ijniaaa!!!” tiene un gran sentido del humor, pero también una gran cuota de descontento. ¿Creen que ese descontento personal y colectivo sigue igual de vigente?

Vaskular: Son perspectivas distintas. Lo que ahora se puede ver es un descontento más social, el disco de nosotros es algo súper personal.

Dadalú: Siempre existirán personas que puedan llegar a sentir lo mismo que nosotros sentíamos cuando hicimos el disco, eso de sentirse solo, que nadie te quiere, que eres el hueon más feo. Son cosas muy universales, siempre estarán vigentes. Además vivimos en un sistema que quiere que estés descontento, porque te propone modelos que nunca vas a poder ser.

Prospegto Arkano: El proyecto político que vivimos es la modernidad y siempre la modernidad ha condenado lo que se sale del modelo. Todo nuestro sistema está construido para que cuando alguien es diferente se sienta mal. En base a eso, nuestras canciones y sus temáticas siguen siendo actuales, y van a seguir siéndolo. Es cierto, el “Ijniaaa!!!” es muy personal y en el disco nuevo hay temáticas más sociales, pero tampoco es que seamos los raperos políticos. No pretendemos ser los Panteras Negras y nunca lo vamos a ser.

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Adrianigual - "Éxito Mundial"

2011-06-14T14:18:00.004-04:00

Pese a que se podría pensar lo contrario, el repudio al sistema social que conocemos no es un tema recurrente en la historia del pop nacional. Mucho menos en el que se edita actualmente en Chile, casi siempre ligado a anécdotas amorosas o a divagaciones personales. En ese sentido, “Éxito mundial” (Cazador, 2011) de Adrianigual es un interesante intento por componer un discurso respecto a los vicios de una vida totalmente neoliberalizada. Sin embargo, el segundo disco oficial de este dúo es un trabajo que cojea, se pisa la cola y terminar por caer, desmoronado por la débil reflexión que propone.

Las diez canciones de “Éxito Mundial” son protagonizadas por un personaje agotado del contexto que le toca vivir y que una y otra vez, casi con majadería, intenta subrayar su marginalidad. Títulos como ‘Me Cargan Los Ochentas’ o ‘La Pelea’ retratan la agónica caminata de este sujeto empecinado por reducir la violencia económica a las deudas y a no tener los recursos para comprar. “Mi manera es condenada, pero no quiero vivir en tu mundo, ni trabajar en tu mundo (…) Prefiero que me corte los dedos un cocinero”, se puede escuchar en “Bang Bang Bang", uno de los cortes más burdos del disco y que sintetiza un pensamiento que opta por entender las injusticias sociales como un dilema que se solucionaría con la acumulación de objetos. En ese momento, Adrianigual termina por avalar el sistema que tanto (y que supuestamente) detesta, ya que su batalla se concentra en contra del mercado y no del poder de las instituciones que resguardan las desigualdades.

Mientras caricaturiza el problema económico, Adrianigual también plantea que lo que le resta a la sociedad es la destrucción, un cataclismo que ponga punto final al desastre de nuestra especie. La canción “Arde Santiago” es el más claro ejemplo de este deseo, y en ella la banda una vez más se inclina por la salida fácil, ésa que alegoriza el baile y la fiesta como la expiación a la que debemos dirigirnos. “Trato de esquivar lo que está escrito debo hacer, listos mis zapatos, el reloj marca las tres…” se propone en ‘Me Gusta La Noche’ y lo mismo aparece en ‘La Agente’, cuando el cantante invita a perderse en el ritmo de la noche.

Otro débil aporte de la banda es la visión reduccionista de la ciudad, cuando en ‘Traga Monedas, Trágame Tierra’ se revisita el cliché de la selva de cemento, tal como lo hiciera Odisea en su debut homónimo de 2010. Este detalle no es casual – Alex Anwandter figura como productor del disco-, pues enlaza a ambas publicaciones en una corriente que de seguro se mantendrá y que da cuenta de un pensamiento ultraconservador y autorepresivo que sataniza las calles y la convivencia entre los individuos. Dicho de otro modo, “Éxito Mundial” y “Odisea” se podrían ubicar fácilmente en una clara corriente hinzpeteriana, estilo que podría madurar en la música popular chilena de los próximos años.

En tanto, la escasa consistencia en la narración de Adrianigual se consolida en el sonido que eligieron para “Éxito Mundial”. Aunque cada canción funciona como potencial hit, lo que se expone en el álbum no es más que un resumidero de tendencias, todas reinterpretadas sin pudor por el dúo. ‘La Agente’ es una lectura demasiado obvia de la onda africanista que ya viene de vuelta, mientras ‘Haití’ se parece demasiado a Sleigh Bells. Por ende, incluso en la producción del disco se intuye una desafortunada búsqueda por la vanguardia, por alcanzar un nivel superior que, a todas luces, les resulta esquivo. Paradójicos resultan, entonces, los versos que Adrianigual dedica en ‘Siglo XXI’ a esos jóvenes que quieren ser el jefe, que sueñan “con un auto grande, jefe”, cuando ellos mismos son la muestra más trasparente de la búsqueda por arrimarse al sonido del primer mundo, ese estatus que siempre les será lejano y cuyo anhelo demuestra la adicción de los autores nacionales por mirar hacia fuera, asomando la cabeza por encima de la cordillera a ver si consiguen romper con el provincianismo nacional.

Por todo lo anterior, y considerando que atravesamos tiempos en donde el malestar social recorre las calles de Chile y del resto del planeta, “Éxito Mundial” intenta colarse en la fila de la indignación, pero lo que consigue demuestra más oportunismo que coraje. Incluso una canción como ‘Sudamérica’ se intuye como el infaltable guiño ecologista del momento. Este álbum, en consecuencia, es la representación más evidente de la precaria construcción de un discurso social en la música chilena contemporánea, pues lo que se exhibe como postura radical sobre el estado de la cosas no es más que una sobria pataleta hedonista.

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Natalia Molina - "Cuna de Piedras"

2011-06-08T20:41:00.003-04:00

En tiempos en que el pop chileno no logra bajarse de la nube de la propaganda internacional –esa que lo encumbra como el terreno ideal para la creación, esa que encandila con la mentira del paraíso pop que es comprada como pan caliente por cualquiera-, un teclado y una guitarra componen un manifiesto que podría barrer con toda la seguridad de una pequeñita generación acostumbrada a escudarse en canciones románticas, todas idiotizadas por los modelos tradicionales de escritura sobre el amor. Se trata de “Cuna de Piedras” (Independiente, 2011), trabajo en el que la debutante Natalia Molina lustra el formato popular con versos rabiosos, incómodos, a ratos marginales, pero siempre presentados en calidas canciones.

Retrocediendo décadas, Natalia Molina recoge en su primer disco lo mejor del sonido beat que en Chile conquistó las radios durante los años noventa, firmando una contundente mezcla de música popular, pequeña psicodelia y balada en diez canciones. Esa atmósfera amable se contrapone con una narración de motivos semiocultos que se van descubriendo poco a poco, seduciendo lentamente hasta que se transparentan con brillantez. Por eso, si el pop tradicional lo entendemos como una marca de fábrica que se reproduce en su bondad y pacifismo, en “Cuna de Piedra” las alegres melodías se envenenan con el inverso, la imperfección y la rudeza.

“Quien duerme de noche, con escombros en el comedor, el miedo te enfoque, es el odio el que saca mi voz”, canta Molina en “Ay de mí”, canción que se completa con “Ay de mí, sin casco ni fusil, frente a un mar de falsa humanidad”. En este mismo corte las referencias a la noche y armas negras presentan una escena cruda y sofocante. Lo mismo se repite en “Revancha”, una balada de emotiva melodía que marca la cumbre de este trabajo cuando su autora sentencia “Y puede ser que hoy día sea el día aquel que has esperando tanto, conseguirás hundir al que te pisoteó y aún seguirás quejándote”, agregando “No hay rencor que no tenga un motivo” y la más intensa de sus conclusiones: “No hay revolución que no cuente un poco de sangre”.

Así se construye el atrevimiento de este álbum, valor que se expresa cuando la cantante encara una y otra vez las complejidades mundanas, aunque siempre recurriendo a arreglos luminosos. En ese contraste surgen otros cortes como “Tan Temprano”, en donde Molina reflexiona sobre el control del tiempo y el peligro de la prisa; “Por si cambias”, una alegre composición que es interpretada desde el cansancio de quien recorre la ciudad; “Llévame lejos”, otra anécdota amorosa que refiere al limbo de las inseguridades. Todo completa una obra de pop perfecto, pero que ya desde su título no le hace asco a la dificultad, a la cuna de piedras, a la falta de prosperidad y de seguridad de la buena crianza.

Finalmente, “Cuna de Piedras” funciona como un entramado de fácil aceptación, una historia sencilla, pero que da pistas de un profundo sinsabor respecto a las relaciones, las instituciones y los conceptos de bien y mal. Tal como se escucha en uno de las canciones, este debut es una fractura, un remezón que sirve para no perder las esperanzas en un pop chileno capaz de mostrar los dientes y dispuesto a esquivar la frondosa enredadera de trepadores nacionales.

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Rodrigo Santis: “El esqueleto siempre ha sido Congelador, pero Caravana puede marcar un quiebre”

2011-04-26T00:10:00.017-03:00

Rodrigo Santis ahora es Caravana. Foto: Nino Aguilera

Hace un par de semanas, el sello nacional Quemasucabeza sorprendió con la publicación de Caravana, debut homónimo del último trabajo musical de Rodrigo Santis. El álbum marca el regreso a formato banda del cantante y guitarrista de Congelador, luego de los antiguos proyectos solistas Paranormal o Barco y de tomarse un tiempo en sus quehaceres como director de la discográfica. “Siempre tuve la idea de armar una grupo nuevo” admite Santis en esta entrevista, en donde además explica los detalles detrás de Caravana y los motivos que lo impulsaron a tomar el control de sus canciones.

¿Cómo llegaste a la idea de hacer un disco sin Congelador?

Tiene que ver con que Barco, que era mi proyecto solista hasta ahora, estaba muerto. Decidí cambiar, olvidarme de Barco. También coincidió con que los otros miembros de Congelador querían parar y yo esta vez quería seguir tocando. Además pensé que Quemasucabeza ya estaba funcionando bien por su lado. Lo que más me gusta es tocar, prefiero ser un artista del sello, antes que sólo el director. Así que decidí aprovechar esa buena estructura, me topé con el nombre Caravana, que me simpatizó de la nada, y empecé a armar este disco.

El estilo de Caravana se aleja un poco del sonido de Congelador. Tal vez recuerda más a la época del “4”, que se puede considerar más pop.

Sería difícil que los temas de Caravana los tocara con Congelador. Por ejemplo, “Luz subliminal” la alcanzamos a ensayar, pero no nos resultó. Otra que se llama “Recobrado” la retomé con Caravana, pero finalmente la dejé afuera de este disco porque sentía que sonaba a Congelador y yo buscaba otra cosa.

Y sobre el sonido más delicado de Caravana, ¿siempre pensaste que querías un disco así o se dio por las cosas que venía escuchando el último tiempo?

Siempre supe que quería un formato más acústico. Me acuerdo que la última etapa de Congelador, que era con las dos baterías, me tenía saturado. Los ensayos eran agotadores, con tanta batería, tanto platillo, tanto power. Me gusta el otro lado, los temas más tranquilos. Quería hacer esos temas, pero tampoco pensando en algo muy folk, desnudo o a pura guitarra. Siempre quise algo con más gente.

Me parece que Caravana presenta un estado de alegría, de buena onda, que quizás con otras bandas no se te había visto tan explícitamente. De hecho pienso en la letra de “Garantía” y su lenguaje es muy directo. ¿Cómo fue llegar a escribir así y componer de esa manera?

Walter (Roblero, bajista de Congelador) me dice que Caravana es un disco de paternidad responsable y creo que tiene razón. Esas cosas se reflejan; uno a veces es mucho menos profundo de lo que los otros creen. Cuando hago música pienso en las letras que deberían llevar esas canciones y las ideas que se me vienen a la mente son las que veo diariamente, en mi vida real. Por ejemplo, “Cada vez” es el tema más claro de padre e hijo en el disco, pero ni siquiera pensé en hacerlo de esa manera. A veces me da pudor decir “amor” en medio de una letra o decir cosas muy claras, pero en este disco me importó menos. Quizás es porque uno está más viejo y esas cosas ya dan lo mismo. Tenía ganas de ocupar letras sencillas, no tenía problemas con los clichés. Y eso es porque las cosas que me están pasando son así, bien clichés: soy padre, estoy enamorado y esas son cuestiones que le pasan a todo el mundo.

Pensando en tu primer disco como Rodrigo Santis, después en los discos con Congelador, de las cosas como Paranormal y Barco, ¿cómo piensas que se va construyendo una carrera? ¿Siempre se trata de un debut? ¿Hay alguna continuidad?

El esqueleto siempre ha sido Congelador, pero creo que Caravana puede marcar un quiebre. Ahora tengo el ánimo de que no sea el único disco de Caravana, me gustaría empezar una carrera con esto. Además, puedo aprovechar que algunas personas me conocen gracias a Congelador. De hecho, creo que toda la gente que se ha bajado el disco es porque me conoce de antes. No me siento un debutante. A la gente le puede sonar como algo nuevo, pero para mí es algo que he hecho siempre. Lo que pasa es que ahora he tratado de mostrarlo seriamente.

Caravana - La Entrega by quemasucabeza

¿Al estar más fortalecido como sello Quemasucabeza, tuviste más tiempo para dedicarte a trabajar en el disco de Caravana?

Claro, además a mí la pega del sello me quitaba tiempo. Por ejemplo, las últimas veces que tocamos con Congelador, cuando organizábamos el Festival Neutral, terminaba agotado por tocar y además estar metido en la organización. Al final hacía las dos cosas mal. En ese momento pensé que era mejor dedicarle más tiempo a la producción, a estar bien metido en Quemasucabeza. Después, cuando eso ya estuvo bien organizado, decidí ponerme a tocar, que es lo que realmente quiero hacer. No sé si pueda desligarme de las labores administrativas, pero mi intención es ser un músico más del sello.

Eso marca el año en que hiciste el disco, que fue 2010. Dejaste de lado tu pega más “tradicional” o de oficina, te encerraste a grabar y terminaste Caravana.

Enfoqué las energías en una cuestión particular, porque hacer música y participar de Quemasucabeza es una de las cosas más importantes en mi vida. Sentía que era necesario aplicarse mucho. El año pasado traté de hacerlo así, con horarios muy claros: iba al estudio, después a mi casa y tenía labores de padre y veía cosas del sello. Fue un año de mucho trabajo. De hecho, por estos días me di cuenta que he vuelto a dormir un poco más. Al principio de la grabación de Caravana dormía cuatro o cinco horas.

¿Cómo fue trabajar con gente que no era la que colaboras generalmente en Congelador, salvo Gepe?

Fue bien repartido. Nos juntábamos en el estudio y grabábamos por partes. Un día iba el Fernando (Milagros) o el Gepe y grababan sus partes por separado. Siempre fue así, era lo más sencillo y además yo no tenía muy claras las ideas de las canciones. Las tenía en guitarra, pero no sabían cómo iban a quedar. Empecé a probar ahí mismo. Eso ayuda porque en el futuro va a ser más fácil pasarle el disco a alguien y pedirle que se aprenda su parte de las canciones. El proceso de ensayar es más complejo y en el caso de Caravana quiero tener el control sobre la música.

En ese sentido, Gepe, Fernando Milagros, Pedropiedra, son músicos con los que trabajas en Quemasucabeza y con los que has viajado fuera de Chile. ¿Cómo te han influenciado ellos en la música de Caravana?

Los últimos discos que he escuchado cómo se producen son los de ellos, no discos míos. Aprendí de la forma en que graban, del trabajo que ellos han tenido con (Cristián) Heyne, por ejemplo. Me he nutrido más que nada en eso, en la producción musical. Respecto a estilos también, sin duda. Escucho a Gepe mil veces en un mes, porque lo escucho cuando lo acompaño a las pruebas de sonido, después en los conciertos, después en mi casa porque a mi hijo le encanta. Creo que marca una influencia, además a Gepe lo admiro como músico. Quizás también se nota en que esté Felicia (Morales) tocando cello en mis canciones y que incluso pensara en el corno francés de Danae Morales… No lo he razonado, pero en una de esas es por lo mucho que escuché el “Audiovisión” (de Gepe). En la parte musical, como trabajo con ellos ya sabía sus virtudes y traté de aprovecharlas para mi disco. En el caso de Fernando (Milagros), él canta muy bien y siempre pensé en pedirle ayuda; después necesitaba unas percusiones medias raras y pensé en el Gepe y cuando necesitaba unos bajos buena onda, con el espíritu del Pedro (Piedra), se lo pedí. El disco no sería el mismo sin ellos como invitados.

Es un grupo de gente que se emparienta mucho con los festivales Solistas en Solitario. ¿Te diste cuenta en algún minuto que toda esa onda de los cantautores podía influenciar Caravana?

No, no mucho. No me siento parte de esa onda. De hecho, si volviera ese festival yo no me veo tocando ahí. Lo mío tiene más que ver con mantener los arreglos del disco, mantener esa música de grupo. Eso es clave. No me veo en la cumbre del folk…quizás Barco tenía más que ver con eso. Y tampoco creo que yo me defienda bien a pura guitarra, pese a que me gustaría poder hacerlo.

En Facebook publicaste: “En menos de 24 horas ya van casi 500 descargas de Caravana (…) Me acuerdo que cuando empezamos Quemasucabeza, a fines de los 90, nos demorábamos años en repartir 500 discos”. ¿Todavía te sigue sorprendiendo esto de distribuir la música gratis?

No, no tanto. Eso de Facebook fue un esfuerzo de poner algún pensamiento mío, que es algo que nunca hago. Pero sí, en los últimos veinte años he visto todo el cambio del CD a la descarga. Cuando empecé a tocar tenía 13 años y ahí no había lo que hay ahora en términos de distribución. Recién con Congelador era sorprendente salir en alguna entrevista en Chile Rock. Ahora son otras las herramientas que necesitamos ocupar, porque es lo que sirve para llegar a otros lados. Por ejemplo, leía sobre la gira de Dënver en España y que les iba súper bien, que llenaban los lugares, y todo eso es gracias a Internet. De otro modo habrían tenido que gastar mucha más plata en promoción. Ahora pasan cosas que antes eran impensadas. Claramente hay una pega detrás, porque mantener Facebook o Twitter igual es un trabajo, pero poner tu disco para descargar es un cambio impresionante. Y eso es lo que más me parece bien.

Pensando en la plata, cómo ha sido cambiar el pensamiento de esperar vender discos a publicar gratis en Internet.

Aunque suene difícil de creer, con Caravana sabía que no iba a ganar plata. Me encantaría, está claro, pero al momento de grabar el disco lo hice pensando en mostrar mi música, que la gente lo escuche…

¿Pero has ganado plata con la música en todos estos años?

Vivo gracias a Quemasucabeza, pero esa es una pega administrativa. Nunca he ganado por un disco mío. En la época de Congelador, toda la plata que entraba la ocupábamos en el sello. Nunca he ganado un peso por eso, pero está todo bien. Pienso que es súper necesario tener pegas apartes. La prioridad es hacer cosas interesantes, no hay que perder el norte en ese sentido. Los artistas que me gustan, cuando cambian esa prioridad, generalmente hacen discos malos o tienen baches en sus carreras. Es algo que se puede comprobar empíricamente: todo se traduce en la obra. Es cierto, los grupos o los sellos tienen que generar plata, pero eso se tiene que hacer gracias a la buena música. En mi caso y para Quemascuabeza, el mejor negocio es hacer discos buenos. Esa es la apuesta.

Esta entrevista fue publicada en Paniko.cl

Viajes, música y experiencia según Javier Barría & Marcelo Ezquiaga

2011-03-30T00:13:00.016-03:00

Foto: Marcelo Ezquiaga y Javier Barría

La grabadora registra, se proponen algunos temas, pero la entrevista la hacen ellos. Son el chileno Javier Barría y el argentino Marcelo Ezquiaga, voces que durante la semana pasada volvieron a girar por Chile, compartiendo fechas en Santiago, Talca y Chillán. El primero aporta la guitarra y el repertorio de “El diminutivo del frío”, su quinceavo disco, mientras que el segundo se hace cargo del piano y las nuevas composiciones de “Hombre Golpe”, su último trabajo. Juntos se potencian en sus presentaciones en vivo, comparten las canciones y colaboran para mantener la música en la ruta.

“La primera fecha juntos la hicimos en Buenos Aires a fines de 2009. Ya ha pasado un año y medio”, recuerda Javier Barría. “Después siguió en Chile, pero con el tema del terremoto tuvimos que esperar, pero vine igual. Luego, continuamos en Argentina, cuando le pusimos el nombre de Gira Trasandina. ¡Hicimos 13 fechas en 20 días!” agrega Marcelo Ezquiaga.

- ¿Cómo recuerdan este tiempo de colaboración y de comunicación sobre todo?

Marcelo: Cuando escucho un tema de Javier me recuerdo de toda la gira anterior y es bastante inspirador. Se trata de aprender cómo trabaja él la composición, porque cuando conoces las canciones te vas metiendo adentro.

Javier: Sí, ambos nos mostramos mutuamente los demos y los avances de nuestros discos nuevos, incluso sin letra.

- ¿Cómo fue ese traspaso, ese compartir opiniones?

Javier: Es que Marcelo me dio muy buenas recomendaciones en cuanto a sonido, porque estaba haciendo solo la mezcla de “El diminutivo del frío”. Después yo le sugerí unas guitarras para su disco y le dije un tema que me gustaba mucho, pero que no quedó en el disco. Ese nivel de confianza, compartiendo los demos, que es algo que no hago con muchos amigos músicos. Soy súper receloso con las canciones antes de terminarlas.

Marcelo: En mi caso también, pero aparte de eso, lo que está bueno de todo esto es meter un poco de bulla en el país de al lado, porque es una posibilidad de tocar más. Que sea Javier con quien comparta las fechas me sirve para darme cuenta de que él es un músico muy respetado acá, que no es cualquiera. Trato de cumplir ese papel también cuando Javier viaja a Argentina.

- Eso de estar siempre viajando, el estar constantemente en gira, qué significa para ustedes en el proceso de creación.

Javier: Para mí es muy importante porque es mi trabajo, sin eso no puedo sostener mi vida. Y también es un modo de mantener vivas las canciones. Así estoy todo el rato ensayando y las canciones van mutando. Me pasa con los temas nuevos, que siempre tienen un proceso de maduración antes de ser grabados. Eso depende de la cantidad de veces que fueron tocados en vivo.

Marcelo: Sí, pienso que cuando uno está muy quieto la historia se escribe un poco sola, pero cuando se está en movimiento la historia la escribe uno. Tocar implica mucho movimiento: comer a deshoras o cuando hay hambre básicamente, ir conociendo mucha gente todos los días. Por ahí haces una relación muy intensa con alguien en solo un día y después ya te despedís y fue increíble.

Javier: Claro, se arman redes súper potentes, algo medio comunitario. Además viajar, en mi caso, sirve para dejar de pensar que todo pasa en Santiago, en la capital. Mi idea es estar recorriendo lo más posible, para aportar a que pasen más cosas en las otras ciudades.

Marcelo: Además, tengo la sensación de que durante estos días que estuve viajando escribí más historia propia de todo lo que va del año. Tengo la sensación de que es activa la escritura, no sé…Es una parte de la forma de vida que me parece muy importante, estimula la parte nómade y eso me parece re lindo.

Javier: Sí, eso del nomadismo es cierto. Mucha de las cosas que escribo tienen que ver con la nostalgia y la nostalgia nace de estar cambiándose constantemente de lugar, de moverse de sitio y extrañar. El estar viajando estimula escribir.

Marcelo: Yo de hecho el último disco lo escribí casi la mitad inspirado en los viajes. Por ejemplo, el arte de tapa es de un chico tucumano que lo conocí en la gira. En general, fue bastante inspirador el tema de estar de allá para acá. En fin, es importante, porque la vida cotidiana es linda, pero también es un poco acogedora, en cambio el viaje es a la que venga. Es una prueba personal.

Javier: Pero a diferencia de Marcelo, no me resulta mucho hacer música en los viajes. Siempre estoy conociendo gente, leyendo, escuchando música en el bus, entonces, como que no hay espacios para agarrar la guitarra. No es muy real ese mito de estar girando y llegar al hotel para escribir. De hecho, en mi caso no sé si me he quedado en un hotel alguna vez... Más que nada aparecen frasecitas y apunto ideas.

Marcelo: Claro, pero me pasa que cuando vienen las ideas necesito registrarlas, no quiero esperar. Si espero, se enfría. Por ahí me pasa que estimular la lírica y la musicalidad me resulta muy importante, entonces, a veces, la primera canción es como un panquete, que no sale bien del todo, pero haces dos y el tercero ya tiene linda forma.

Javier: En mi último disco hay un tema que hice así, en viaje. Se llama “Paisito”, que la hice en Uruguay. Tenía un poco la letra desde antes y ‘paisito’ es como le dicen los uruguayos al país, entonces era muy del lugar. Es como una postal del viaje.

Paisito by Javier Barria

- Me imagino que mucho de estos viajes son armados por su cuenta. Ustedes que viven en eso, cómo lo ven, cuáles son los pros y los contras de estar en la autogestión constante.

Marcelo: Digamos que cada vez le encuentro menos contras. Lo que sí cuando tengo una fecha grande trato de hacerla con una producción. La autogestión tiene una cuestión de relación más cercana con todo, con la gente del lugar, el vender los discos yo mismos, como acá en Chile en una plaza, que fue como estar en un pueblo donde la gente se acercaba a escuchar al forastero. Sin embargo, cuando trabajo con otra gente que participa también lo disfruto mucho, porque potenciamos las fuerzas.

Javier: El primer contra que le veo es que me quita tiempo para hacer música. Lo he notado en una baja en la producción musical, sobre todo desde el 2009 hasta ahora. Eso si lo comparo cuando era más chico y me pasaba todo el día grabando en mi casa, cuando era súper obsesivo. Pero cuando esto empezó a convertirse en un trabajo, todo se transformó un poco en una oficina: en la mañana hago de manager y en la tarde de músico, grabando y ensayando.

- Otra cosa que los enlaza es que además de girar y sacar discos, es que sus trabajos los dejan en Internet. Cómo ven ustedes todas estas distintas experiencias musicales y cómo creen que se van enlazando.

Javier: Desde que supe cómo subir mp3 a Intenet, siempre tuve la idea o la intuición de que el día de mañana la música iba a perder ese valor del objeto físico. Hay gente que lo entendió más lento. Incluso me molestó cuando renunció Denisse Malebrán a la SCD, porque al hacerlo validó todo lo que hacíamos nosotros hace años, cuando antes fuimos súper discriminados por compartir la música gratis. Ha sido bien chocante que después de tantos años ahora sea cool y choro subir tu disco, que la cuestión se transforme en el estándar. Mi política es bájalo, regálalo, compártelo, pero si te nace retribuir eso creo que basta con ir a los conciertos, que nunca van a ser gratis. Con eso soy súper tajante, porque mi trabajo es tocar en vivo. Algunos lo han entendido así otros no tanto. A veces me topo con comentarios “oye, pero por qué tan caro”, y es como hueon, estoy trabajando…

Marcelo: Por mi parte, nunca hago mucho hincapié en que se bajen o no los discos. Confío más en la libertad de Internet. Es como lo que decía Javier, que es si te gusta algo, subsídialo. Ahora acabo de sacar “Hombre Golpe” por Club del Disco, que es algo medio fetiche. El disco físico tiene eso de la relación táctil, entre uno y el público. Eso está bueno, me gusta.

Javier: Es verdad eso de lo táctil, cuesta pensar que se pueda acabar.

Marcelo: Sí, es lindo que llegue alguien y te diga que quiere tu disco.

Javier: Además la manera más sencilla siempre es ir a ver el trabajo en vivo, porque yo podría pasarme toda la vida grabando y no tocar nunca, pero hay toda una idea de tocar, de hacer vivir la música.

Marcelo: Al final se fortaleció el vivo, ¿no?

Javier: Sí, el otro día leía una entrevista a Ryüichi Sakamoto, que es un pianista japonés que decía que la música antes de ser grababa solo era en vivo. En el fondo esto es un regreso a eso.

Marcelo: Claro, también me acuerdo que leí una nota que hablaba que antes del siglo XX, la música era experiencia y que después pasó a ser objeto. Eso es un contraste muy grande.

LA VIDA DESDE LEJOS (Hombre Golpe 2011) by Marcelo-Ezquiaga

- Y en ese sentido, para qué hacer un disco nuevo. Marcelo tiene experiencia previa con Mi tortuga Montreux y ahora dos discos como solista. Javier ya va por su disco número quince. ¿Qué los motiva a hacer un disco de nuevo, teniendo en cuenta que este es su trabajo y que el mercado de la música es complejo?

Javier: Nunca es por plata, porque nunca he recibido plata por los discos. Quizás un poco con el “Introducción a la Geometría” que está registrado en la SCD. En realidad, yo lo veo por documentar un período en un objeto, tanto tangible como intangible. Además soy un amante de los discos. Me gusta que cada disco tenga una identidad, una cosa propia y que los diferencie de todos los anteriores. Eso me motiva y creo que la época es súper propicia, porque si la gente te sigue por Internet se puede anunciar la fecha en que algo se va a publicar o liberar, entonces se genera una espera y eso es bacán. Espero a fines de este año tener otro disco y hacer el mismo ritual: mostrar las canciones, mostrar la carátula, anunciar cuándo se sube…

Marcelo: En mi caso creo que nací con la idea de obra y con esa especie de mandato de clase, que no es ni de baja ni de alta, sino que es un pobre mandato de clase media, que es trascender. Ambas cosas me llevan a hacer un disco. En realidad, si lo pienso un poco, el resto no va a percibir lo que yo estoy pensando, pero yo lo transmito desde ese modo, dejando un pequeño legado. Es una visión temporal del mundo o mejor dicho, una invención temporal del mundo. Después puede pasar lo que sea, pero ya lo dije, ya lo tiré. Tiene que ver con algo de salubridad mental también.

Javier: Complementando eso, yo empecé a hacer discos sin esperar nada, onda en 1998, grabando casettes, onda Daniel Johnston, con pésimo sonido, pero con carátula, orden de los temas y todo eso. Era algo natural, pero de repente me vi con que estaban bajando mis discos, escuchándolos, haciendo un lanzamiento en Sala Master. Es seguir creando la historia que está hecha de discos.

- Las dos ideas tienen en común eso de trascender con el tiempo. ¿Cómo entra el pop en eso, que es justamente un estilo que los dos están explotando mucho en sus últimos discos?

Marcelo: Lo dije acá en una de las fechas: está la corriente, la contracorriente y la propia corriente. Lo que genera el pop es eso, el no plegarse a algo. Está cada vez más vapuleando, pero no es solo un género.

Javier: Tengo reparos al hablar de eso. El pop es algo súper amplio, que engloba la literatura, el cine. Es muy difuso hablar de música pop. He leído cosas tan absurdas como que antes en Chile era peyorativo el pop y que ahora es lo más bacán del mundo… Creo que el pop engloba más que la base electrónica o si hay o no guitarra eléctrica.

Marcelo: Claro, además antes lo que no era pop era underground, pero cuando se vuelve muy famoso en qué lugar se sitúa.

Javier: La frontera es muy difusa, sobre todo en esta época que es muy de mezclar, de híbridos y de revisitar. Pero claro, uno se da cuenta que gracias al paso del tiempo hay una obra, algo que habla de uno. Me interesa dejar una coherencia, una identidad y una estética clara. La inquietud de experimentar siempre va a estar, sobre todo con las letras. Es lo que espero de gente como Bowie, que ha creado una obra ultra bacán o como Caetano Veloso que sigue sorprendiendo. Toda esa gente me inspira a pensar en un futuro que nunca pierde la inquietud y que sigue llamando la atención. Espero nunca caer en la flojera.

Marcelo: Sí, también lo pienso como algo iconoclasta. Con el pop se puede alumbrar donde a la masa le cuesta, siempre con la búsqueda. Es algo re lindo. Es como pensar en Andy Warhol, que cuando lo pienso, pienso en una atmosfera, que te traga, te chupa, y esa atmosfera la desarrolla un artista con años. A menos que seas Nick Drake…

- En ese sentido, cómo se observan mutuamente. Qué opina Javier Barría de Marcelo Ezquiaga y viceversa.

Marcelo: Justamente tiene que ver con lo de antes. Creo que hay una atmosfera en lo que hace Javier. Hay canciones que tocamos juntos, que son de él, y que ya me hacen recordar mi visita a Chile del año pasado. Él ofició de banda de sonido. Además, como toco en los temas, puedo entrar y ver la composición y eso en su momento pudo hacer que se rompiera la burbuja, pero pasó lo contrario.

Javier: Me acuerdo que en las primeras escuchas de las canciones de Marcelo pensaba en qué mierda está haciendo, qué armonías eran estas, porque él es bien complejo en sus ritmos. Eso tiene que ver con su formación pianística. Después nos conocimos y fue más sencillo. Lo otro que admiro es su parte letrística, que me parece que Marcelo tiene una facilidad enorme para escribir. ¿O no?

Marcelo: No, no…

Javier: Lo pienso porque a mí me cuesta mucho escribir, soy muy de pulir las letras. Entonces, al escuchar sus letras siento que logra una fusión con la música súper particular, una amalgama particular que da la sensación de que es muy fluido. Ahora él dice que no, pero esa es la impresión que me da. Lo otro, claro, es que encontré una hermandad en la forma de trabajar, en las historias, una cosa muy similar, pese a que estamos en lugares lejanos y distintos. Eso influyó en la buena onda para tocar, que es como lo que dicen en Argentina: venir del mismo palo.

Marcelo: Me pasó algo con este último disco de Javier que tiene que ver con que yo soy medio megalómano: escucho una canción y le encuentro sentido, y pienso que es universal, no pienso que es un sentido solo para mí. Es doblemente fuerte porque lo ajeno es lo lejano al ego, y encontrarle sentido a una canción es potente. Eso te hace aprender mucho, porque por ejemplo lo que dice Javier de las letras yo lo pienso de él, que las letras son súper fluidas y que las mías no…Pero bueno, creo que no se da con cualquier persona, los dos somos de escuchar música, somos obsesivos en el trabajo, en la grabación, en las masterizaciones…

Javier: ¿Tú cuántas masterizaciones hiciste del último disco?

Marcelo: Tengo la versión oficial y una versión post…

Javier: ¿Te gustó más la post?

Marcelo: ¡Sí!

Javier: ¡En serio! ¡Yo hice trece versiones del mío!

- Después de todo, ¿Se ven haciendo un disco juntos?

Javier: Se tiene que dar espontáneamente. Si un día grabo una canción y pienso que tiene que tocar piano Marcelo, es probable que la podamos complementar.

Marcelo: En mi último disco no quedaron guitarras, pero pensaba que si Javier hubiese estado en Argentina me gustaría haber tenido su opinión, pero no solo como guitarrista, que es casi rebajarlo. No lo veo simplemente como eso. Ahora, por una cuestión de cariño me gustaría tener grabado lo que hacemos hoy, para que de aquí a diez años podamos decir ché, mirá cómo sonaba “La conexión” o “La misma madera” ¡que las hicimos como 25 veces en vivo!

Javier: Siempre está la idea.

Marcelo: Tiene que ser muy particular algo para grabar a distancia. En ese sentido, me gusta algo que tiene Chile que es como una especie de porcentaje de la Argentina…

Javier: ¡Pero cómo!

Marcelo: Me refiero a que es como un país muy parecido. Compartimos cosas buenas y malas. Por ejemplo, el tema que los chilenos sean ordenados es algo bueno y malo y que en Argentina sean tan desordenados es algo bueno y malo también.

Javier: A Chile le falta rock…

Marcelo: Y por ahí a Argentina le sobra demagogia, ¿entendes?, por eso te digo, es un lindo complemento. No veo lejano a Chile, lo veo cerca.

Esta entrevista fue publicada en Paniko.cl

Dadalú - "Período"

2011-01-28T00:59:00.007-03:00

Después de un 2010 saturadísimo de discos “bien producidos”, el año que recién comienza sorprende con un estreno alentador, pero poco atento a los estándares de sofisticación que se vieron durante la temporada pasada. “Período” de Dadalú es un disco que a lo lejos suena mal, en donde parece que algo falta para condensar la voz de Daniela Saldías y la variedad de instrumentos que intervienen en esta media hora. Desde las trompetas hasta los teclados, pasando por los scratches y las cuerdas, se distingue algo que no está. Ese vacío recorre el debut oficial de Dadalú, un disco pop de ensayo-error. Pero asumir esa característica como un simple problema técnico no tiene sentido; ya desde la factura, las diez canciones proponen acercarnos a un ejercicio pseudo artesanal, que se asemeja al formato de música en vivo, pues los instrumentos y la voz casi no parecen intervenidos. En ese sentido, la captura de lo musical en “Período” se vuelve un testimonio y no un registro lo-fi cualquiera.

Este detalle, el del sonido, distingue a “Período” como una obra alejada, adrede o no, del limpiecito panorama discográfico chileno. El disco entero es un crudo que además cuenta con otro distintivo: la narración íntima de la cantante. Es cierto, el ejercicio de publicar canciones como reflejo de un mundo interior marca la historia de la música popular, en la medida que siempre se trata de alguien que se dedica a exponer un libre pensamiento; sin embargo, aunque el estilo de Dadalú a simple vista aturde por ser hiperindividualista (ya que es la voz de Saldías la que interactúa consigo misma todo el tiempo), cada canción de “Período” sirve para componer un interesante cuadro de disgusto y malestar general.

Basta escuchar “Conmigo”, para entender que gran parte de las letras de este disco están al servicio del autocuestionamiento: “Aortas enrolladas no conocen su destino / necesito hablar con alguien / y al final siempre es conmigo”. Lo mismo se deduce en versos como “es mi cabeza que cree que yo soy la ilusa / a pesar de siempre salir ilesa/ no encuentro la balanza / oye Daniela escúchame que lo bueno va en alza” de “Pasa”, cuando el mensaje parece una conversación frente al espejo. La confesión, entonces, pasa a ser la herramienta principal con la que juega Dadalú para exponer sus vivencias en distintos planos. Está lo amoroso en canciones como “Gracias” o “Te quiero tanto” y también está el optimismo de “Brilla” o “Esperar”, cortes que se oponen a sentimientos más oscuros como los de “No sé empezar” o “Tengo”, único momento en donde la relación período-menstruación se transparenta, porque no está de más subrayar que si la portada de este disco fuese otra, nadie hablaría casi por obligación de la regla como un supuesto eje del álbum.

Lo interesante es que hasta aquí sería sencillo calificar a “Período” como una manifestación más del egocentrismo que abunda entre las voces locales. No obstante, la pregunta se abre, pues con Dadalú se demuestra cómo se puede tensionar el discurso íntimo y el arrebato individualista, compararlos y ver hasta qué punto la creación artística puede evidenciar el malestar por un contexto como el nuestro. En un país en donde todos quieren ser jefes, en donde la mentalidad de gerente se obedece hasta en la vida privada, la reflexión por los tropiezos y por las pérdidas es un bicho raro, una mancha en el orden prolijo que todos seguimos. Por eso “Período” es un disco incómodo y nada fácil de encasillar.

Ejemplos de lo anterior son canciones como “Se necesita vendedora” o “Por favor”. La primera dibuja la angustia de aquel que no encaja en la mecánica del día a día, en los roles excluyentes que se deben adoptar para cumplir metas y lograr el éxito: “mi duda es gigante para algunas cosas me siento fantástica / pero esas cosas no cuentan dentro de estadísticas / de números y maneras /no se nada de unas platas /no soy contadora / tengo miedo tengo miedo /¿qué viene ahora?”. Mientras, en la segunda se mofa sin tapujos del divismo primitivo de la música nacional, que generalmente llora la poca difusión mediática, pero que es tratada como reina en las páginas de nuestros diarios y revistas (y para qué decir en los medios virtuales): “Se nota tanto que negociaste /no puedo creer que lleguen a inflarte/ Tu single es copiado al igual que tu ropa/Todo lo que te importa se coloca /No se si crees que somos estúpidos y creemos que tu arte es autentico” y sigue…

En consecuencia, “Período” es un álbum especialmente cuerdo, pues compone un discurso íntimo en tiempos de twitter, en donde toda la sobreexposición espontánea se deja ver absurda, innecesaria y vacía. La utilización de la primera persona en este disco es, a la inversa de lo que estamos acostumbrados, un modo de traspasar lo personal a un terreno movilizador, capaz de cuestionar lo natural, ya no desde la perspectiva ombliguista de un autor, sino que desde el carácter subjetivo de quien puede transformar su propia narración en el síntoma claro de un disgusto mayor y colectivo.

Dënver – Música, Gramática, Gimnasia

2010-11-17T23:02:00.007-03:00

Suele afirmarse que la gracia de la música pop estaría en traspasar una amplia gama de temáticas a través del angosto cuello de la botella y que la canción sería el resultado de ese ejercicio. La música popular, entonces, podría jugar un doble rol: ayudar a mantener modelos sociales en torno a cuestiones tan recurrentes como el amor, la muerte o el sexo, o repensar los modos de acercarnos a estos asuntos mediante cuatro minutos de efectismo radial. “Música, gramática, gimnasia”, el nuevo disco del dúo nacional Dënver, es un ejemplo de esta última posibilidad. En el disco hay varias señales de cómo apostar por la estructura pop para contar historias convencionales sin caer el lugar común, desarrollando un lenguaje coherente, que asume sutiles riesgos y que se atreve a dar un giro al tratamiento que hasta ahora se le viene dando a la infinita lista de cuestiones sobre el amor y el mundito interior de los adolescentes.

Sin ir más lejos, al escuchar los segundos iniciales de “Mi primer oro” –la canción que abre el álbum-, la sorpresa ayuda a intuir el resto del nuevo trabajo de Mariana Montenegro y Milton Mahan. En vez de recurrir a un hit inmediato, la dupla presenta otra carnada: un tema de poderosa conjugación electrónica-instrumental, en donde ecos deportivos se mezclan con referencias a un mundo juvenil y dubitativo. Estos son rasgos que aparecen una y otras en el álbum, vertebrando “Música, gramática, gimnasia”. Al mismo tiempo, la apuesta sonora queda definida por la fuerte presencia de arreglos de cuerdas, vientos, programaciones, además de guitarras eléctricas, bajos y baterías, instrumentos que demuestran el evidente crecimiento de Dënver en comparación a su primer disco, “Totoral” (2008).

No obstante, la producción megalómana detrás del regreso de Dënver –que aún no encuentra un correlato en sus presentaciones en vivo- no sería nada sin las buenas ideas que aparecen en canciones como “Olas gigantes”, "Lo que quieras", “Cartagena”, “Los adolescentes” o “Feedback”. Con ellas, la pareja traza una línea en donde aparece la playa como el escenario de la mayoría de sus nuevas ficciones y cuyas anécdotas entrelazadas permiten lecturas paralelas de cada canción.

Hay que agregar que la atinada estructuración de “Música, gramática, gimnasia” se completa cuando el melodrama de Dënver (recuérdese las antiguas “Miedo a toparme contigo”, “Insistes en volver” o “Paraíso de menta” de su debut) es casi borrado con el codo en escenas de inédita lucidez como “Los Bikers”, cuando la metáfora de la sumisión despega como nunca en una canción de Mahan con su idea de “la vida completa en un backflip”. También en “Litoral central”, en donde Mariana Montenegro brilla perversa en su apuesta electrónica sobre el asesinato y la insolencia, entonando con lo bello y lo macabro de su narración. Y ya en el cierre, “En medio de una fiesta” resume todos los talentos del disco en una melodía enorme, que se casa de igual manera con la liberación y el escapismo.

Con “Música, gramática, gimnasia” un nuevo disco pop se edita en Chile y la etiqueta ya comienza a sonar como un patrón que se repite en la mayoría de las llamadas “nuevas voces de la música chilena”. En su justa medida, Dënver aporta a fortalecer la rearticulación del pop nacional, pero en la jugada no hay sólo síntomas de este proceso, sino un intento bien logrado de ampliar las temáticas, introducir nuevas historias y construir un camino propio al interior la monótona canción popular que se edita actualmente en el país.

Esta crítica fue publicada en Paniko.cl

Javiera Mena - Mena

2010-10-05T20:51:00.013-04:00

El pop y el amor. No existe un tópico más manoseado a la hora de escribir tres minutos de efectismo radial que el amor y Javiera Mena no rompe ni intenta quebrar esa regla. Al contrario, en “Mena” la cantante prefiere escribir un disco corto, de tan sólo nueve canciones, para parasitar del amor durante un poco más de media hora. En ese ejercicio, la intérprete de “Hasta la verdad” despliega un aparente arsenal de producción electrónica, acompañado de un relato que la confirma como una adicta al lugar común del corazón roto y el placer adolescente.

Basta decir que “Mena” es un disco cebolla para resumir lo anterior. Sería interesante graficar el número de veces que las palabras amor, estrella, luz, sufrir y verdad se repiten, para asimilar el álbum en su naturaleza melodramática, llorona y digna de un arrebato de quinceañera. Al mismo tiempo, al estar dirigidas a un tú imaginario, las canciones parecen cartas de una heroína que se inventó un escenario galáctico-cursi para temas como “Primera estrella” o “Luz de piedra de luna”. La utilización de ese lenguaje funciona en dos dimensiones: por un lado, ubica a Javiera Mena al límite del cliché; pero por otro, define su estilo sin medias tintas. Por eso, si en “Esquemas Juveniles” (2006) parecía en apariencia alejada de otras solistas, con esta nueva producción la cantante opta por jugar sin remordimientos a ser una superestrella pop.

Algunos ejemplos aparecen en “No te cuesta nada” y “Sufrir”, dos de las canciones más lacrimosas del álbum. En la primera, el tono balada sirve para rogar al ser amado que defina sus emociones. “Palabras / que nos cambian la vida/ un sólo verso / y me cambia el sentimiento /de lo que significan” declara la cantante, acompañada de arreglos dramáticos que recuerdan a los clásicos de la radiofonía AM. En este mismo corte, Javiera Mena recurre a unos “así, así”, muletillas que vuelve a ocupar en “Sufrir”, esta vez con una intención aún más audaz con ese “así, así, así, let’s do it”. De hecho, es en el dúo con Jens Lekman cuando la chilena toca la cumbre del sentimentalismo de teleserie al inventarse figuras tipo “yo detecto que eres de platino”, para seguir con “Porque ahora que lo pienso la verdad es así/ es difícil aceptar que hay que pasar por sufrir”.

Hasta aquí, la actual Javiera Mena queda reducida a una copia extendida de su versión de Daniela Romo, “Yo no te pido la luna”. Es cierto que su pop electrónico carece de matices a lo largo de este nuevo disco, pero lo peligroso sería considerar que Mena sucumbió ante los modelos de escritura sobre las anécdotas amorosas. Y ahí sí que cuesta obviar que la cantante se compró la lógica exitista del amor, si pensamos que gran parte del álbum funciona según la idea de la conquista o la pérdida de un otro. Se tiene o se carece del ser querido y las canciones lo aplican a rajatabla. Sin embargo, cortes como “Ahondar en ti”, “Acá entera” o “Un audífono tú, un audífono yo” apuestan por narrar el amor desde sutiles divergencias, como aceptar la imposibilidad de retener al acompañante o el término de una relación. Esos son los únicos minutos en los que la placa se desvía (en una curva minúscula) del camino fácil elegido por su autora.

Mientras, todas las ficciones amorosas de “Mena” son expuestas en un formato de canción pop tradicional, que no olvida la importancia de los estribillos bien ubicados y en donde los arreglos de percusiones, sintetizadores y cuerdas confirman una y otra vez que cada canción fue diseñada para funcionar como un hit. Javiera Mena se fue a la segura y no le movió un pelo al estilo, considerando que todos los temas son inmediatos y destinados a dominar (según corresponda) las fiestas o el romance de sus seguidores. Ante eso, sólo queda agregar que la fórmula se repite con gracia y evidente solidez.

Por otro lado, no deja de ser hilarante que la producción del álbum siempre se subraye en las reseñas periodísticas aparecidas hasta ahora, como si se tratara de un trabajo mayor o por sobre la media de lo que en pleno 2010 y después de cuatro años de elaboración se pudiera alcanzar en Chile. Al margen de la discusión sobre “Mena”, la calificación del sonido de este álbum como de nivel internacional, o superior al oído de los chilenos, resulta asquerosamente arribista y pretencioso.

Después de meses de estrenos discográficos de músicos chilenos que prefieren la etiqueta “pop”, Javiera Mena se atrevió a ser la primera en escribir un álbum que cumple con todos los requisitos del género: estructuras sonoras directas, imposibles de no digerir, acompañadas de letras que exprimen la idea del amor y que deben funcionar en todos los segmentos de audiencia. Es el disco superventas anhelado, el negocio redondo, pero también el estreno que más censura el contrapunto musical y la oportunidad de ampliar el lenguaje sobre la temática, cuestión que aquí se aborda con total pasividad, pese a que la factura del resultado final insinúe lo contrario.

El cuestionario para Fakuta

2010-08-13T13:58:00.008-04:00

Sin muchas presentaciones, Fakuta (la de la foto) cuenta la firme:

¿De dónde sale ese nick: Fakuta?

Sale de una broma fome de cuarto medio. Unas palabras que inventamos con unas amigas y esta la usé para siempre de nick. Sabía que debía significar algo en algún idioma, pero nunca caché, hasta que este año me hice amiga de un nigeriano de apellido Fakuta por facebook que me contó que era una tribu y que el significado de la palabra en su idioma era “Un año en el vientre materno”. Bacán.

¿Siempre te interesó hacer canciones como las que estás haciendo ahora? Te pregunto porque pudiste haber comenzado tocando hace rato, pero se te vio primero en el Banco Mundial o junto a la Dadalú, no sola al tiro...

Me interesa abarcar la música en todas las formas posibles, siempre he ido probando, pero la canción es el formato que más me acomoda. Cuando era chica las hacía, pero no me atrevía a mostrarlas, luego estuve en varios grupos donde la composición era más grupal. Tuve que darme una larga vuelta hasta que al final necesité encontrar mi propio sonido y las canciones empezaron a salir solas otra vez.
Han sido súper importantes para mí los procesos que he vivido y la gente con que he tocado. Pasé por la música clásica, el rock, la experimentación y la improvisación antes de decidir hacer pop, lo que para algunos puede sonar muy simple. Incluso creo que la música que hago ahora la podría haber disfrutado demasiado a los 11 años, pero no la podría haber hecho a esa edad.

Tienes un rollo ultra rastreable con la música, y no en un sentido melómano. Siempre hablas de la música como fuente de inspiración para tu propia obra, como una especie de espiritualidad musical que te lleva a hacer canciones. ¿Cómo es ese proceso? ¿Sólo te inspiras en creaciones musicales para componer?

Creo que sí, más que cualquier otro arte o vivencia, la música ha sido la prioridad desde que tengo memoria, como una compañera. Me siento segura haciéndola, pero le tengo respeto. Por ejemplo, no hago una canción diaria para nada. Empiezo melodías y busco el lugar perfecto donde acomodarlas y eso puede tomar años, como otras salen en tiempo real, casi. Puede que tenga una visión demasiado purista, en el sentido que no busco referencias para hacer las canciones. O sea, claro que se deben parecer a todas las cosas que he escuchado en la vida, pero no me gusta obedecer a estilos. Siempre es una idea musical la que persigo. No soy muy cantautoril, en el sentido de que contar la historia viene casi al final; después de que encontré la emoción que quiero expresar con las notas perfectas, se me ocurre qué decir.

En general, el músico chileno asume la música como una especie de don divino que le baja y existe. Parece que nadie se lo toma como un trabajo, ni menos como una producción que indiscutiblemente tiene un discurso detrás. ¿Cómo te ubicas en el terreno de cantante pop: simplemente haces canciones o te interesa asumir la obra como forma y fondo?

Creo que el músico chileno que hace pop de manera independiente hace tiempo que está asumiendo más responsabilidad con su producción. Yo de partida me lo tuve que plantear así para que resultara, como por una experiencia de que si no piensas en cada detalle todo puede salir mal. Perdí la fe hace rato, no creo en dones divinos así que el trabajo es la única opción restante. Pero no podría asegurar que domino el fondo de mi obra de manera conceptual, la forma sí. Lo del fondo debe ser un proceso de descubrimiento y de muchos años, al menos así lo veo.

En ese sentido, sacar un disco podría ser: a) un paso necesario para completar el camino lógico de novata, b) un modo de presentarte ante el panorama de la música chilena desde un lugar específico. ¿Cómo crees que se complementan a) y b) en tu caso?

Junto a Michita Rex, creo que ha tomado más esa intención de presentarse ante el mundo desde un lugar específico, en este caso creo que sería desde la independencia musical del pop en Chile. Frente a la escena no me siento novata, pero sí como con mi propio trabajo. Lo de sacar un disco es como archivar una etapa y poder así comenzar la siguiente. Bueno y el complemento, no sé, creo que la clave para esta pregunta es Michita Rex.

¿Cuáles son las partes fundamentales que debe tener un disco debut?

No creo que deba tener partes establecidas. En general sí encuentro que los discos debuts de las bandas son como compilaciones de los primeros temas que sin tanto nexo conceptual entre sí. Y creo que mi disco cumplirá con eso, jaja.

¿Te ves en el Festival del Huaso de Olmué gritando que Piñera es el demonio y sacando un disco con un sello tan oficialista como la SCD? (Ojo, no sé si se entiende el sarcasmo)
JAJAJA, pucha yo tengo máxima depresión por estas temáticas. Hablar de Piñera hace que me duela automáticamente la guata, cosa que no quiere decir que vaya a hacer actos de protesta populistas. Soy tímida. Pero si mi depresión aumenta, en el futuro me podrían ver cometer actos terroristas, eso sí.

Este 2010 es el año del pop en Chile. El año pasado fue el de la guitarra y la fogata. ¿Te parece que el giro fue natural o piensas que es parte de algún proceso que está “rearticulando” el pop en nacional?

Puede ser y ojalá! Los pop han sido los menos históricamente. Y desde hace años que veo como cada vez la gente pierde el miedo a hacer pop o a escucharlo. Y lo importante es eso, poder estar abierto de mente para no gustar sólo de un estilo de música, superar el trauma de ser del Colo-Colo o de la U, lo que pasa en esta sociedad en todo orden de cosas.

Sacaste “Amar y desarmar” del myspace porque no querías que la gente pensara que tu disco estará enfocado 100% en el amor. ¿Cómo logras que en tus canciones pop no aparezcan los lugares comunes de los relatos amorosos?

Me he enamorado y me he sentido demasiado mal, como en “Armar y Desarmar”. Pero también me pasan otras cosas, le pasan otras cosas a mis amigos. Igual en el disco hay harto amor, jaja, pero aparece en distintas modalidades. En verdad lo que me gusta es hablar sobre los seres vivos.

Sobre lo del amor y el pop, “Virreinatos” es una metralleta de metáforas sobre los sentimientos o las relaciones interpersonales sin una gota de cursilería. Cuéntanos cómo llegaste a esa idea.

Esa se trata sobre Morir. Es como terrible, porque justo la hice a comienzos de año y la toqué en vivo por primera vez en Concepción una semana justa antes del terremoto. Bueno, se trata sobre esa gente que se muere y que pueden ser personas de tu edad, que vivieron cosas parecidas a ti, que siempre las tuviste cerca y quizás siempre pensaste en porqué no eran amigos, y quizás confiaste en que lo serían algún día.

¿Qué es la vida animal?

La vida animal es a lo que deberíamos volver para no tener estos problemas bobos que nos hacen ahogarnos en vasos de agua, los problemas que provoca vanidad humana.

BONUS: ¡Ping Pong para reforzar el pensamiento binario!
-Elige una de las opciones de cada pregunta.
-Si optas por más de una (o por ninguna), debes justificar

¿Lady Gaga o Beyoncé?
Beyoncé, Lady Gaga me cae bien, pero Beyoncé no es de esta tierra.

¿Super45.net o Taringa.net?
Taringa es mucho más útil.

¿Descarga gratuita o CD de plástico?
Descarga gratuita

¿Off the wall o Thriller?
Thriller es Obra Maestra.

¿Pitillo o pantalón nevado?
Falda mini de mezclilla nevada y botas rojas con flequitos + cinturón.

¿Manuel García o Chinoy?
Chinoy, me hace recordar lo mejor del grunge.

¿Bar Uno o Cellar?
No es por menospreciar a Cellar, pero el Bar Uno marcó una época.

Creció Dënver

2010-07-16T00:48:00.001-04:00

1995 y el pop chileno de otro tiempo

2010-07-09T01:26:00.004-04:00

La Ley - El duelo (Invisible, 1995)

Christianes - Mírame sólo una vez (Ultrasol, 1995)

Nicole - Esperando Nada (single de 1995)

El sueño de la casa propia - Historial de caídas

2010-06-30T22:24:00.004-04:00

La música popular chilena, dominada por la incansable guitarra tradicional y la cómoda figura del solista, parece estar cruzando la avenida de la recuperación folclórica para coquetear con el pop. El sueño de la casa propia –alias de José Manuel Cerda– edita Historial de caídas para debutar como proyecto electrónico en este nuevo panorama, desafiando la idea mal parida sobre los músicos electrónicos en Chile y proponiendo un nuevo modo de acercamiento a la música popular contemporánea. Si es recurrente encontrarnos con descripciones técnicas, frías y ridículamente embobadas con el mito de la electrónica como sinónimo de máquinas y cables, El Sueño de la Casa Propia se luce por reflejar todo lo contrario en su primer disco oficial.

Formado por diez cortes que en total no sobrepasan los cuarenta minutos, Historial de caídas saca provecho de la programación y el sampleo para armar un mapa sonoro diverso, cuyas direcciones se pueden apreciar en distintos niveles. Desde el inicio tribal de “En mangas de camisa” hasta el oasis postrock de “Cortina de humo”, el álbum se nutre de recortes y fragmentos que ayudan a completar canciones de estribillos inexistentes. Este modelo aparece con éxito en “A la velocidad del amor”, “Voluntad de oro” y “Sosiégate”, temas herederos del pop actual y cumbres del sonido que El sueño de Casa Propia eligió para presentarse en sociedad. Al margen de uno que otro paso en falso –“Amarillo crepúsculo” o “Puertas adentro”, por ejemplo–, Historial de caídas también resalta por un logrado equilibrio en el ánimo del disco; siempre en alza, las diez canciones invitan disfrutar de una electrónica chispeante, que simula con gracia la carencia de lo orgánico y que traspasa emotividad.

En este sentido, lo que se observa que está creciendo en el proyecto de José Manuel Cerda es la base para un futuro lenguaje personal, que recoge, desarma y tritura otros modos de expresión en la búsqueda del pop. En el proceso, el músico electrónico juega con las estructuras y las manipula, dejando ver en ese gesto la necesidad de un cambio en la idea típica de solista pop que conocemos. Corriendo el riesgo, El Sueño de la Casa Propia se distancia de los nuevos compositores que están comenzando a florecer, instalándose con un álbum entrañable y corajudo.

Los méritos de Historial de caídas están en comprender que el formato de la canción popular no siempre depende del alcance de un coro bien ubicado o de una superproducción efectista con ínfulas de hit. El acierto del primer disco de El Sueño de la Casa Propia está en proponer una lectura personal al estilo, despeinando con ese movimiento al nuevo escenario pop que se está rearticulando en el país.

(También publicado acá)

Tv Gamma: otro intento más de chilenos por parecer vanguardistas

2010-06-17T18:25:00.006-04:00

Para que después digamos que el colonialismo es cosa del pasado:

Odisea - Odisea

2010-06-07T11:57:00.006-04:00

Alex Anwandter rompió el cascarón. Eso es lo único atractivo detrás de Odisea, su debut sin Teleradio Donoso. El disco representa el interesante cambio de un autor que parecía muy cómodo en la fórmula del pop romántico y la guitarra tradicional y que ahora dice moverse como pez en al agua con la electrónica y el uso de las máquinas. Es el despertar del niño raro que siente el pico del demonio en la oreja, como se escucha al final del álbum. Por eso, si algo tiene de sorprendente “Odisea” es que aleja a Anwandter del andar cansino de su generación (casi siempre entrampada por años en la creación de un primer disco), y de paso no siembra dudas sobre su talento para elaborar canciones, porque en poco menos de un año fue capaz de desvestirse de su banda anterior para armarse un caricatura nueva. Eso es indiscutible. Lo interesante es pensar cuál es el sujeto que ha emergido durante este tiempo, cuáles son los temas en que se ha obsesionado y cómo los traspasó a letra y música.

En ese sentido hay mucho paño que cortar. Por ejemplo, el sonido que se sintetiza en “Cabros” es la señal clara y bien pensada del primer single de todo buen popero: electrónica que invita al baile más manipulación de sonidos y estribillos bien colocados. Muchos dirán que en Teleradio Donoso también habían de esos ingredientes, pero es ahora cuando Anwandter los ha llevado a un límite que depende de su creación individual: “Odisea” es un trabajo autista, armado de diez canciones híper producidas, todas escritas y operadas por el cantante. De hecho, en la información que está llegando a prensa ese es el factor que más se destaca: el don de Anwandter para sostener por sí mismo extensos cincuenta minutos. Al margen de ese detalle –no menor-, “Odisea” está marcado por la electrónica bailable, el funk, el soul y en general el sonido del pop contemporáneo revestido de vintage. En paralelo, si pensamos otra vez en “Cabros”, las letras del cantante han saltado de la voz que describía las relaciones hombre-mujer (Teleradio Donoso siempre se vendió como una banda heterosexual) al autor que se ubica en un espacio determinado y que nos quiere contar algo que sobrepasa la anécdota dramática.

Alex Anwandter se atrevió con “Cabros” a publicar una canción que en apariencia llora la soledad y que llamaría a la creación artística, pero en la que además hay magníficos detalles que transparentan la personalidad del resto del álbum y el temperamento de su autor. “Cabros, amigos, ¿adónde están?” se pregunta Anwandter en los primeros segundos, para después contestar y autodefinirse como un personaje clave de una nueva historia -¿la de la música chilena actual?- cuando se jacta de “quedamos dos y éramos veinte”. La melancolía por las amistades perdidas, entonces, es falsa y más se acerca a la burla de aquel que superó al grupito de origen para preguntar con petulancia dónde quedó el resto que supuestamente era tan parecido a él. La doble intencionalidad de “Cabros” se esconde en una estructura musical perfecta, un hit deliberado y efectista. Al mismo tiempo, el single también saca a relucir el eje temático de “Odisea”: la ciudad. La referencia alcanza un clímax desconcertante cuando el autor grita a todo pulmón: “Amigo, adónde estás/ aquí ya no doy más/Mientras vuelves hacemos temas ¡prendamos fuego a La Moneda!”. Hasta la fecha, Anwandter es uno de los pocos solistas chilenos –quizás el único en las arenas del pop- que se atreve a manosear una imagen transcendental en la historia política del país, acercándose a la idea de la destrucción como paso necesario para la creación musical. A fin de cuentas, destruir para crear, abolir para emerger. Pero bajo qué lógica. ¿Cuál es la militancia de Anwandter que cree que hay prenderle fuego a La Moneda para traer el progreso?

Como es lógico, en el resto del álbum abundan metáforas sobre la ciudad y sus habitantes. Y el tono es tan contemplativo como quejón; hay lugar para un supuesto análisis sobre el escenario urbano (“Casa latina”), pero también para el grito hacia esa caja de resonancia y de caos que sería el exterior (“Batalla de Santiago”). Esto se escucha clarito en “Nuestra casa de violencia”, con su título evidente y el lamento de Anwandter que casi llora porque cada día se vuelve más violento al despertar. También aparece en “Juventud”, canción en donde el delirio persecutorio crece al nivel de los periodistas de programas como Contacto o En la Mira con los gritos de “¡Mañana! ¡Usted será asesinado!”. Lo mismo ocurre en una balada que podría pasar colada, como “Los gatitos hermanos ¿se reconocen después de años?”, pero que esconde la pregunta clave: “¿Podrás avanzar si Chile te prohíbe / siempre ser el ser sufriente que te gusta ser hoy?”. Otra vez, Anwandter no se anda con niñerías cuando intenta meter el gol del autor con visión de mundo. La referencia a Chile no es soterrada, es frontal, pero también es hipócrita, pues intenta armar a toda costa la personalidad de ese protagonista maldito que hoy está más cerca del llanto que del baile. ¿No era ésa la dicotomía favorita de Anwandter?

Todas esas señales arman un hilo conductor que define la estructura de “Odisea”: un disco alienado en su mismo reproche, obsoleto en la fingida novedad de empecinarse en criticar la ciudad desde un punto de vista individualista y además pasivo, en tanto siempre se trata del lloriqueo de un sujeto que se siente atacado por la otredad (la gente, la ciudad, los autos, la vida maquinal que describe en “Una nueva vida”). La pregunta cae de cajón, entonces: ¿De verdad un autor arriesgado puede acercarse a la idea de cuidad de este modo tan reduccionista? Como pocos, Anwandter y este alías Odisea es la representación de un cinismo atractivo y convincente en su formato pop, pero enraizado en una discursividad decadente, conservadora, plana y totalmente hipnotizada por ese relato añejo que habla de la ciudad como la selva de cemento en donde sólo sobrevive el más fuerte.

Finalmente, el pop que se está editando en Chile encuentra en Odisea un ejemplo paradigmático. Por una parte, el sonido es la acumulación de recursos sonoros oídos y recontraoídos, un vintage remasterizado que en sí mismo no representa una revolución ni un ejercicio de producción que supere la pirotecnia. Por otro, el discurso juguetea con temas “distintos” o “poco convencionales” si pensamos que la tradición pop está dominada por los mitos del amor y los versos terminados en tú y yo. Sin embargo, en el caso de Alex Andwanter y su manía por hablar de la ciudad y las calles, lo que se cuenta en “Odisea” no es más que la visión particularmente centralizada de un sujeto que no conoce más allá de las Essos y que reduce la ciudad a los bocinazos, los gritos, la bulla, el gentío, la barbarie. Como una y otra vez se escucha en el disco, Santiago – porque no existe otro lugar geográfico en la mente del autor- es ese basurero maldito en donde ocurren los peores acontecimientos de la humanidad. Ese es el nivel, es esa la mirada que se vende en apariencia asociada con el contexto, idealmente comprometida con una realidad específica, pero que no rompe la frontera del arrebato de un urbanita vago que se queja una y otra vez de lo macabro del sistema, pero que se baña feliz en sus piscinas de metadona y que para no parecer desencantado se declara un amante de la ciudad como escenario y circuito: “Nuestra casa de violencia, cosa más hermosa”, finaliza. En resumen: la vuelta de chaqueta en estado puro y duro.

Esa ambivalencia de Alex Andwanter es la demostración del discurso absurdo y barato tras “Odisea”. Lo que resta es observar como el disco podrá definir a una nueva generación de autores que sin importar el lugar de producción –apoyado o no por Oveja Negra, que si regala o no el disco por Internet- está trabajando por agregar uno que otro ladrillo a la fachada pobre y sin fundamentos que es el pop chileno. El punto es, ¿es este el discurso que estamos buscando cuando hablamos de pop nacional? ¿Son estas las temáticas y los creadores que estamos fomentando cuando exigimos que la guitarra y la fogata cedan espacio a otro tipo de manifestaciones? El panorama no se ve para nada esperanzador, a menos que aceptemos que lo que se viene es fiesta, es multicolor, es el cambio de apariencia –el mismo que sufre Andwanter al pasar del nerd que tenía que fingir en Teleradio Donoso, al andrógino con pantalones nevados de Odisea-, es el éxtasis que dura un par de minutos, pero que sigue siendo un terreno sin discursos potentes ni creadores que logren sostener obras musicales coherentes con lo que supuestamente desean comunicar.

Al principio el video lo tiene todo para ser odiable, pero después no. HIT HIT HIT HIT HIT

2010-05-10T20:16:00.004-04:00

El Sueño de la Casa Propia "Voluntad de oro" from simpletv.cl on Vimeo.

Crítica de discos

2010-05-03T20:33:00.006-04:00

Las siguientes críticas se escribieron pensando en el número de abril de una columna sobre discos chilenos para Zona de Contacto. Como cerraron la página, yo las publico aquí.

Niña con Frenillos – Pijama Party Style

Como su nombre lo indica, “Pijama Party Style” es una especie de presentación juvenil de un grupo interesado en carretear, gritar y simular hacer rock. Las integrantes de Niña con Frenillos lo han declarado varias veces: su intensión no es demostrar “calidad” musical, sino que pasarla bien. Eso en el disco queda clarísimo, debido a que en esta media hora no se escucha a una banda capacitada para la creación de estructuras sobresalientes, ni menos canciones medianamente bien concretadas.

“Pijama Party Style” se ha vendido como desinteresado por los estilos, pero gracias al ON FIRE! que gritan en los primeros minutos nos enteramos que en el disco sólo se van a escuchar guitarras distorsionadas y gritos, gritos, gritos. Es importante insistir en eso de los gritos, pues Niña con Frenillos piensa que de ese modo se actúa el rock hecho por mujeres. Sin embargo, más allá de esos tics ultra forzados, “Pijama Party Style” deja ver al cuarteto como un grupito de voces con algo de desfachatez (como se podría pensar si se escucha “La Gruv”), pero que se inclina una y otra vez por el sentimentalismo de diario de vida. En “Kudai”, “Tú y yo”, “Señorita”, “Worse” o “Cancelme”, la banda se rinde ante los grandes clichés de la música popular: el amor, y las relaciones interpersonales…Y se acabo, hasta ahí llega su creatividad poética.

Pese a todo eso, en el disco hay otra canción que define muy bien a Niña con Frenillos. Se trata de “Mall”, en donde cantan: “Yo quiero una guitarra que no sea de fogata/ que se amarre con corbata/ y sea cara, cara, cara (…) Y yo quiero una polera de multitienda/ y yo quiero una chaqueta de cuero dorada/ y yo quiero un collar fluor (…) Y yo quiero que un Dj destacado organice mi fiesta/ y yo quiero ser cool”. Obviamente, la letra funciona como un chiste sobre “la escena rock” chilena, pero también como una señal de la personalidad caprichosa de las integrantes de Niña con Frenillos. Sus seguidores, sus productores, ellas mismas, podrán llamar a eso honestidad. Otros, podrían clasificarlas de primaras, básicas, incluso irrelevantes, pero bien sabemos que nada en esta banda –ni en ninguna otra- es inocente.

Empecinadas por parecer alocadas y súper desinteresadas de todo, Niña con Frenillos optó por disfrazar su pop gritón con distorciones y un huracán de chillidos insoportables. El resultado sólo las confirma como un cuarteto a la deriva, sin rumbo, totalmente perdidas en un mundito pequeñito de guitarras y copete.

Deplasticoverde – Ep
Otra voz femenina que editó hace unas semanas su primer ep descargable es Deplasticoverde o Carolina Espinoza, según convenga. Con su guitarra como eje principal, la cantante ha liberado un álbum de poca gracia sonora, más bien precario en cuanto al desarrollo de cada una de sus ocho canciones, pero que brilla por su poesía pop. En los veinte minutos que dura el disco, los versos presentan sin medias tintas a una personalidad juvenil y perdedora, en el que las baladas derrochan creatividad y en donde no existe un interés por demostrar lo acomplejado de un mundo interior lleno de recovecos sentimentales, manía recurrente en la tradición local.

Por el contrario, Deplasticoverde utiliza versos simples para iniciar a los oyentes en su mundo sencillo, como bien se escucha en “Todo el tiempo”, canción cuyo único pecado es sonar demasiado cercana a la época “5x5” de Gepe (cantando sin pronunciar las últimas sílabas y todo). El gusto por las historias mínimas recorre el resto de la producción, alcanzando una cumbre sobresaliente en “Tarea de inglés”, cuando recurre a ese idioma para describir lo monótono y lo cotidiano; “Graduación”, momento en que se queja con maestría de lo patético de ciertas costumbres sociales y “Falta”, hit lésbico cuya letra y música arman un pequeño himno pop.

Aprovechando el formato de la canción popular para hablar del reverso de “lo normal” y “lo correcto”, Deplasticoverde debuta en el cada vez más amplio grupo de voces editadas a través de Internet, logrando sobresalir no por una gran producción, sino por una rebeldía explícita, casi natural. Sus letras está marcadas por la subversión y ese es un rasgo que pocas de sus compañeras pueden presumir.

QuieroStar – “Amistades pasajeras”

Contando la historia de personajes frívolos –una prostituta de capa caída han declarado-, QuieroStar publica “Amistades pasajeras” para confundirnos con un disco de electropop que juega con conceptos en apariencia opuestos: la búsqueda por la liberación de una sociedad repugnante y el compromiso con la superficialidad de la fiesta top. ¿Cómo puede un grupo jugársela por imaginar el mundo sin ideales ni pasado, pero al mismo tiempo desear una sociedad más libre? Sofía Oportot, Raúl Durán (o DJ Exxtralarge) y Arturo Saray (conocido como Mr. Monster) construyen su propia respuesta con un álbum que no conoce de pausas, en donde no hay lugar para las baladas, proponiendo un viaje a las miserias del día a día. En ese proyecto, catalogan la superficialidad como paraíso, pero también reconocen que allí se esconde la peor de las dictaduras.

En la canción que abre el disco, “Luces de neón”, advierten que todo placer es una transacción. En “Control Sexual” y “Programada” se declaran manejados por la televisión y la propaganda; en “Rayos X” alucinan con la posibilidad de manipular el cuerpo y el sexo de los otros. Estos fragmentos sirven para construir ese escenario urbano y asquerosamente elegante del que QuieroStar se nutre. Por otro lado, “Joyas”, “Panamérica” –en donde suman la voz española de La Prohibida-, su particular versión de “Vamos a la playa” y “Dictador disco” son un quiebre: con ellas buscan escapar de aquellos personajes que simulan vivir fuera del sistema, pero que en realidad están atrapados por la dependencia a la pista de baile, la moda y el goce precoz (véase Niña con Frenillos).

El logro de “Amistades Pasajeras” está en reclamar sobre este modelo de vida sin recurrir a quejas OBVIAS en contra de productos como Yingo, SQP, Informe Especial, las discotecas, los bares, etc. Al contrario, la banda juega con la posibilidad de encontrar placer en esos objetos de deseo, como si se trataran de dosis necesarias para alcanzar un grado de lucidez. En ese sentido, QuieroStar escarba entre la basura, no le teme a ensuciarse ni muchos menos a contagiarse con esas “chatarras” que muchos dicen no consumir.

Interesante es que “Amistades Pasajeras” llegue hasta esta columna un mes después de “Tire y Empuje” de Miss Garrison. A diferencia de ese otro “power trío”, QuieroStar se ubican en un terreno más oscuro y menos evidente en su utilización del lenguaje –en sus once canciones no se escucha hablar de penetraciones, ni drogas, ni tanto escándalo con jadeos maqueteados-, despachando una visión crítica de la ciudad y el consumo mucho más poderosa. Es cierto que como producción el debut de QuieroStar no alcanza altos niveles de sofisticación; sin embargo, bajo las capas de estuco y maquillaje –tan exagerados como la portada del álbum- se esconde una reflexión sobre el orden social pocas veces escuchada en nuestro pop para discotecas.

La Reina Morsa – Fiesta Pequeña

En nuestro panorama musical “independiente”, tan chiquitito y tan pobre, La Reina Morsa ha ganado poco a poco algunos espacios de difusión, básicamente por estar apoyados por Cazador, el sello detrás de Fother Muckers y Los Mil Jinetes. Es más, la banda se ha hecho de un pequeño nombre entre algunas páginas, pero sin contar con un disco oficial editado. Por ejemplo, aquí estamos hablando de ellos sin tener mucho en que fijarnos ni sorprendernos.

Lo único que se conoce de La Reina Morsa (trío formado por Victoria Cordero, Juan Fernando Rubilar y Leo Saavedra, miembro también de Primavera de Praga) es este ep de tres canciones, titulado “Fiesta Pequeña”, que no supera los once minutos y que se supone que es un aperitivo para un futuro gran estreno. Sobre su sonido se sabe del gusto de la banda por la mandolina y que están muy interesados en jugar con el pop, pero con guitarras y uno que otro arreglo en percusiones. Nada más.

Los temas que arman el disco -“Fiesta Pequeña”, “Navegar” y “La estufa”-, son canciones minúsculas, estructuradas a partir de voces que no conocen más allá de la primera persona y cuyas metáforas sobre los animales y las verduras están muy vistas y muy oídas (desde Mazapán hasta Dënver). Salvo en “Navegar” donde se asoma una leve –muy leve- melancolía sobre lo rancio de la ciudad, el resto del ep no sobrepasa la anécdota infantil.

Liberado hace un buen tiempo en la web de Cazador, “Fiesta Pequeña” funciona para presentar el espíritu imberbe de La Reina Morsa, banda qye alucina con los ejemplos más bucólicos del “folk” gringo de la última década, pero que no cuenta con recursos para armarse un imaginario propio, fortaleza que sí han sabido pulir sus otros compañeros de sello. En ese sentido, la publicación de este ep no tiene pinta de gran estrategia para que conozcamos a unos novatos, sino que más bien parece un lanzamiento al voleo de un archivo cualquiera.

No vamos a dejar que Pedropiedra nos haga perder el tiempo

2010-04-06T16:13:00.001-04:00

Pedropiedra + Sebastián Silva from Zona de Contacto on Vimeo.

El Mapa 119: Especial Marcelo Ezquiaga en Chile

2010-03-31T19:25:00.004-03:00

El Mapa lleva muerto un buen tiempo, pero Marcelo Ezquiaga vino a Chile y esto ameritaba un capítulo especial. Lo que sigue es una pequeña entrevista + canciones en vivo, todo registrado gracias a Javier Barría.

Se puede escuchar acá directo:

Y también lo pueden descargar acá // Gracias unaRadio!

Descarga "El Mapa, registro 2006 - 2008"

2009-03-09T21:13:00.004-03:00

Cuando El Mapa cumplió 100 capítulos lo celebró lanzando este compilado. Recuerden que lo pueden descargar entero AQUI. El detalle de cada canción acá.

DESCARGA / "EL MAPA, REGISTRO 2006 - 2008"

"Traigo las lluvias del trópico", todas las tardes por unaRadio

2009-02-02T22:59:00.002-03:00

Nace el primer spin-off de El Mapa: "Traigo las lluvias del trópico" o los 45 minutos que estaré programando canciones en unaRadio, cada tarde de febrero a eso de las 16:00 horas chilenas / 15:00 horas argentina. Así que si después de almuerzo no saben qué más hacer en este caluroso verano, pues tienen que sintonizar unaRadio y listo!

"Traigo las lluvias del trópico"
Todas las tardes desde las 16:00 horas (Chile)
Transmite unaRadio

118: Andesground presenta "Andes on the moon"

2009-01-27T18:51:00.005-03:00

Vino Rodrigo Castro (Marciano) a conversar sobre su nuevo camino bajo el alias de Andesground y su debut "Andes on the moon", trabajo que recupera sonidos del folclor a través de interesantes versiones electrónicas. Sus motivos y la interrogante sobre el valor de un disco como este, además de una selección de canciones, en el capítulo que cierra la temporada de verano.

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Hasta la próxima!

117: David Ponce habla sobre "Prueba de Sonido"

2009-01-20T18:46:00.005-03:00

Conversamos con David Ponce sobre su libro "Prueba de sonido", publicación que repasa la historia de los primeros años del rock chileno a través de los relatos de sus protagonistas. Desde sus inicios a mitad del siglo XX, pasando por la Nueva Ola, hasta el rock que se vuelve a las canchas durante la dictadura militar. Todo eso musicalizado con hermosos registros de la época.

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* Por problemas técnicos, "El Rock del Mono" de la Orquesta Huambaly no pudo sonar en este capítulo.

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Francisco Pinto – Boo Boo

2009-01-18T01:02:00.006-03:00

Aparecido hace algunas semanas, “Boo Boo” (Pueblo Nuevo, 2008) es el segundo trabajo de Francisco Pinto, ex Hombre Nuclear, banda que recordaremos por ser una de las primeras en permitir las descargas de sus canciones, además de su particular estética. “Boo Boo” debería ser la consolidación de su camino en solitario y en cierta medida lo es, teniendo en cuenta un disperso primer disco conocido como “Warm Milk”, también alojado en Pueblo Nuevo. Pese a que su reciente trabajo no presenta un gran cambio en su forma de producir canciones, sí resalta dentro de los estrenos veraniegos, debido a su gracia pop y a un par de colaboraciones muy bien logradas.

“Boo Boo” esta dividido en dos partes, vaya a saber uno por qué, lo que da la idea de una producción doble, más que de un álbum de lado A y B (que es como lo presentan). Más allá de su idea original, el disco alegra por las armonías y programaciones de Pinto, todas enraizadas en la música pop y que servirían en cualquier pista de baile. Títulos como “Triangle”, “Your Way” o “URL” poseen más fuerza que muchos de los últimos intentos discotequeros nacidos en Chile, principalmente por la capacidad del autor de armar buenas secuencias en tiempos no tan extensos. Esto no borra cierta monotonía en otros cortes y en la totalidad de un álbum demasiado largo (18 canciones).

Por otro lado, todo anda mejor cuando Pinto suma voces a sus ideas y más si lo hace con Javier Barría. Acompañante de Pinto en varias de sus últimas apariciones en vivo, Barría firma en “El arco de las cosas” y “Metropolis”, ejercicios que lo trasladan al baile, abriendo oportunidades a su faceta de cantautor. El sonido recuerda momentos del pop chileno de los noventa, incluso a pasajes de la obra de Daniel Melero, opacando la presencia de Evelyn Fuentes (ex Christianes) en “Lluvia de Truenos” y de Diego Herrera en “Topos”, duetos que no están mal, pero que mantienen la citada e incómoda monotonía.

Sin ser un disco de ideas brillantes, “Boo Boo” puede ser el mejor legado de Pinto hasta el momento. Un claro avance, además de un buen ejemplo de naciente creatividad pop y estilo fijo, casi tozudo para los tiempos que corren. El cielo pacífico de la portada habla mucho del buen rato que se vive al escuchar este trabajo, incluso pensando que a veces su mensaje es melancólico, desencantado y solitario. Es ahí cuando se entiende que las ideas de su autor no están para nada tranquilas, sus títulos lo demuestran, siendo cada canción una pequeña batalla chillona y cadenciosa; algunas sobrantes, la mayoría bastante sorpresivas.

116: conversación + Astor en vivo!

2009-01-13T22:32:00.005-03:00

Conocimos a Astor (ex vocalista de Fruto Prohibido) que esta vez vino a presentar su disco en solitario como "Astor y los brujos del mar". Hay conversación sobre sus nuevas canciones y su actual vida en México, además de una presentación en directo en que no olvida algunos de los temas que más recordamos de su antigua banda.

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115: sobre Vinagreberry Fields y unas músicas

2009-01-07T01:02:00.004-03:00

En el capítulo 115 recibimos a Víctor Reyna, mexicano que durante el año pasado estuvo a cargo de Vinagreberry Fields, plataforma bonaerense que difundió los trabajos de Pablo Dacal, Julieta Rimoldi y Alvy Signer. Durante la charla combinamos la experiencia del sello, su visión de la industria y las razones que lo llevaron a parar el trabajo. Escuchamos también a Franny Glass, Juan Stewart y otras interesantes músicas de esas tierras.

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PD: durante todo la edición se me escucha decir "este mapa 114" y como ven, es un error.

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Hasta la próxima semana!

inverness - nubes

2009-01-03T15:18:00.003-03:00

Para el primer post del 2009: un registro de "Nubes", canción que los Inverness tocaron en el capítulo 114

inverness - nubes from El Mapa on Vimeo.

El Mapa 114: especial fin de año con Inverness en vivo!

2008-12-30T20:06:00.003-03:00

El Mapa termina su ciclo 2008 con la visita de Inverness, grupo en que conocimos a Rodrigo Jarque y el resto de la banda que forman Rodrigo Soto, Angelo Agurto, Pablo Yovane y Sebastián González. Escuchen algo de conversación y una larga presentación acústica para despedir este año tan visitado.

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Todos atentos con los capítulos de verano. Feliz 2009!

Transmite: JGM
Apoya: unaRadio y Ego99

El Mapa 113: especial navidad junto a Groove Niño!

2008-12-23T20:38:00.003-03:00

Vino Groove Niño y hablamos de su disco "Leche Derramada"; a horas de abrir todos los regalos y ver nacer al niño Dios, escuchamos al invitado en una mini presentación para este feliz mapa 113. jo jo jo jo!

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Transmite: JGM
Apoya: unaRadio y Ego99

¡Hasta la próxima semana, OJO CON LOS INVITADOS!

El Gran Recuento del Año 2008

2008-12-18T15:13:00.010-03:00

Nunca hice una lista de lo mejor del año hasta ahora, pero por estos días han surgido buenas motivaciones: Yingo, mi página favorita y mi amigo Gabriel. Además es entretenido, aunque me cueste reconocerlo. Por eso quiero hacer memoria de las cosas que más me gustaron y de las que encontré muy mal. Hay discos, hay sorpresas, hay cosas que llamaron mi atención y por sobre todo son cosas que se relacionan con este programa de radio.

Los nominados a mejor disco del año:

1. Como asesinar a Felipes - "Como asesinar a Felipes": El disco del año, está claro. En su momento lo escuché mucho y creo que esta joyita ganará mucho más con el paso del tiempo porque de su mezcla va a surgir un estilo que de seguro traerá varios discos, además de la apertura sonora para el jazz y el hip hop más popular. Se supone que están trabajando en material nuevo, de pronta publicación. No me lo pierdo.

2. Congelador - "Abrigo": lástima que apareció a fin de año, fechas complicadas para lanzar algo "nuevo". Creo que la gente espera más este tipo de gestos en marzo, pero vamos: "Abrigo" es un disco de más o menos media hora, de seis canciones, pero que obliga la re escucha. Rock, pop, electrónica, todo en un álbum que a ratos me parece muy furioso. Un lujo descargable.

3. Mowat - "Ep#1": este disco se tiene que tomar con pinzas. Lamentablemente no sé si existen copias materiales, así por lo menos los mp3s se tienen que escuchar con cuidado. La mezcla de lo acústico y de varios instrumentos con arreglos de todo tipo hacen de "Ep#1" un mini disco que no entiendo cómo no ha llamado la atención de nuestros queridos blogs y prensa del corazón musical.

4. Tiei - "Andeo": de rimas que no son cualquier cosa, con la producción más brillante de Puente Alto, Tiei se presentó a lo grande con este disco. A Tiei lo conocen muy poco y el disco logró aparecer en varias partes, sacando aplausos siempre. Después de muchos años de trabajo, este ep (que no tiene nada de ep) demostró a Tiei las ganas que había en mucha gente de escuchar sus canciones y demostró, al mismo tiempo, que es cosa de buscar un poco para encontrarnos con quizás el mayor talento para hacer canciones pop en base rap.

5. Elefante Mecánico - "Memorias de un elefante": desde la portada hasta la última de las canciones, este primer álbum de Elefante Mecánico es pura luz. Brillan los versos, el sonido y el mensaje final que rompe con las tradicionales quejas de un estilo que se lleva todos los premios este 2008.

6. Compilado Jacobino Discos: la organización en Jacobino subió un paso más este año. Mejoraron la gestión y regalaron esta pieza descargable, pero de hermoso arte en su versión material. Acá lo ecléctivo sigue siendo la gracia de la movida, pero también la presentación de Montaña Extendida y de otras cimas como la reformulación de Namm y El Banco Mundial. El mejor compilado del año.

7. Sensorama 1981 - "Retrato de un desconocido": sin tanta ayuda como otros proyectos de la misma raíz, Sensorama 1981 hizo lo que nadie este año: un disco gigante, una muralla de sonidos capaz de derrotar a cualquiera. Pese a carecer de un sustento real, una materialidad que demuestre esta fuerza, este disco con nombre perfecto para lo que significa el proyecto de Rafael Casanova nos dejó con la boca abierta. Lástima que no lo podamos gozar en vivo.

8. Dënver - "Totoral": aunque son el dúo favorito de la casa y pasando por alto que sus presentaciones en vivo nunca se escuchen del todo firmes, "Totoral" de Dënver se defiende solo. Hay errores, hay canciones que podrían ser mil veces mejores, pero hay un espíritu y una capacidad pop que nadie igualó este año. Ni Gepe que hizo un "Las Piedras" modesto, pero años luz mejor que "Hungría".

9. Tonossepia - "Anaís Vergara Mérida": en su momento me compliqué demasiado con una descripción para este disco, pero me quedo con lo fundamental: la música que conocíamos de Tonossepia siempre fue muy barroca, llena de muchos detalles, muy urgente en su mensaje; en "Anaís Vergara Mérida" pasa todo lo contrario. Lo bueno es que el proyecto de Diego Vergara sigue ganando al jugar con menos. Sí, menos es más (chan!)

* Thementes - "Desnuda Palidez": disco editado al menos un año y medio atrás, pero masificado en presentaciones en la capital recién este 2008. A mí gusto, el mejor rock pop de todos estos meses, incluso sumando parte de 2007.

Los nominados por mejor trabajo en conjunto y/o gestión del año:

1. Modismo.net: un netlabel hecho por amigos, difundido entre amigos, pero que cada vez atrapa más. Con 8 proyectos electrónicos tan diversos entre sí, demostraron que la descarga puede es una nueva forma de organización y di scu rso.

2. Neurotyka: casa de algunas de las bandas que más gustan por este lado, Neurotyka saltó de un sello diverso a una nueva manera de afrontar la relación entre público y músicos. No solo por las descargas, sino también por la disposición de la mayoría de las bandas que apoya. Un año irregular, pero positivo si se sacan cuentas.

3. Tue Tue: Desde el sur hasta todo el territorio, Tue Tue está demostrando que con poquísimos recursos se puede hacer mucho. La reedición de Santos Dumont es el ejemplo más notorio para nosotros y para la prensa, pero también el trabajo que están haciendo con bandas como Philipina Bitch, Trapezoide y Javier Guerrero, entre otros.

En la foto: Félix + Javier Barría

Los nominados a sorpresa del año:

1. Nicole: esta es personal. Nicole cantando con por lo menos siete meses de embarazo ante un metro Quinta Normal repleto, con guitarra en mano y con los coros de la gente respaldándola es una de las imágenes que me llevo de los shows en directo de este 2008. Nada de REM, Madonna u Animal Collective (que no fui). Por mucho que le gritaran Power!!!!, que Sergio Lagos la monitoreara, que su propuesta se olvide entre tanto comercial de tintura para el pelo y que sus discos nunca logren masividad en las radios, Nicole tiene mucho que demostrar todavía. Quedan años para ella.

2. Tío Lucho: posiblemente la banda de la que más me he reído en toda mi vida. Eso demuestra que cero respeto hacia ellos. Pero con la buenísima selección de singles para la radio y videos rodando por ahí, el combo de electro punk rock post punk pop hizo lo que quiso este año con el disco "Lo que ahora brilla putrefacto quedará..". Todo con una puesta en escena que muchos envidian para callado, pero que ellos, sorpresa!, fueron los únicos en reconocer.

3. Todos a través de Myspace: Chinoy, Camila Moreno, Javier Barría, Diego Peralta, Matías Cena, Natalia Molina, Resostenido, Jovenabuelo, Caroklina y otros más de varios lugares de Chile, demostraron que moviéndose entre myspace o con mails se puede dar la pelea y llenar muchos shows. Sorpresa!

Javiera Parra viaja feliz en el Metro

Y los nominados a lo peor del año:

1. Efectos Espaciales - "Efectos Espaciales": el peor disco del año, lejos. Mala producción, canciones soporíferas, prensa detestable. Eso y más el sabroso altercado mailistico, vuelven a "Efectos Espaciales" el disco vomitivo del 2008!

2. Teleradio Donoso - "Bailar y Llorar": Alex Nosécuánto y compañía se consagran para los medios y para la juventud chilena: hacen el disco con el discurso más chanta de la temporada, eso de mitad baile y mitad llanto, que para un disco de "Protagonistas de la música" no estaría mal, pero para una banda que la vende de seria y creativa deja mucho que desear. Peor que el resultado de sus canciones amargas, es el comportamiento de la prensa: un ejemplo y otro ejemplo ya ordinario. FATAL.

3. Valentina Fel: Valentina Fel tiene una bomba bajo el brazo. Su disco de publicación desconocida es una metralleta de sonidos, principalmente bien producidos. Lo malo está en su discurso que si empezamos a escarbar un poco se cae a pedazos: ¿Crítica social? ¿Conciencia de clase? ¿En ella? No y por ninguna parte. Si quiere vender pop, tiene todo para lograrlo, aunque sus aires de diva no aparezcan en su adelanto a modo de videoclip.

4. This.Co - "This.Co": Posiblemente uno de los pocos discos locales producidos con lupa. Nada suena mal, errores no se notan, las canciones están como recién lustradas. Lo malo llega cuando escuchamos la voz de Jorge Christie, el vocalista, que de tanto copiarle el timbre de voz a Anthony Roman de Radio 4 nos termina dando pena, rabia, odiosidad. Un desperdicio.

5. Duobit - "Mis amigos": acá en El Mapa gustan muchos los discos desprolijos, pero todo tiene un límite. "Mis amigos" parece un puñado de temas que comenzaron a ser realizados y se quedaron en el camino, sorprendiendo que se atrevan a publicarlos. Lo peor es que conocemos a los integrantes y ahí hay talento, es decir, este disco no se entiende.

6. Javiera Parra - "Te llevo bajo la piel": un himno a la inmundicia del servicio del Metro en una canción con la gracia justa para recordarnos que está detrás Javiera Parra. Mal unirse a estas campañas, mal prestar la cara.

7. Victoria Mil en vivo: Pese a que en El Mapa Victoria Mil tiene las puertas abiertas, su show en Kubix fue lo peor: no querían tocar y los equipos contratados eran pésimos. Lo primero se notaba en el semblante de los músicos, lo segundo en amplificadores que se apagaban a mitad de las canciones. Y ojo que era la presentación oficial de "Están despedidos" en Chile. Repito, pese al fanatismo que generan al conductor, el show más vergonzoso del lindo 2008.

Eso fue todo, no hay más categorías...

A modo de cierre: ¿Qué fue lo mejor y lo peor del año dentro del programa? Se me ocurren ideas, pero eso ya es tarea de los visitantes a este humilde blog.

112: algunas descargas

2008-12-16T19:39:00.005-03:00

En este capítulo 112 se comenta: lo nuevo de Christina Rosenvinge y los descargables de Congelador, Colectivo Etéreo (foto) y Dj Raff. Nada nuevo, pero que no se podía dejar pasar. A todos los amigos del programa recuerden que el viernes pueden venir a esto

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¡Hasta la próxima semana!

caroklina - mantenme fiel

2008-12-11T13:46:00.001-03:00

Acá un registro del capítulo del martes: Caroklina cantando "Mantenme fiel". Salud!

caroklina - mantenme fiel from El Mapa on Vimeo.

111: Caroklina en vivo

2008-12-09T20:18:00.003-03:00

Vino Caroklina a mostrar su futuro disco: "Círculo". Acá el registro de la charla y de una larga presentación acústica que se inscribe (!) en lo mejor del año. En serio.

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¡Hasta la próxima semana!

El Mapa 110: Montaña Extendida en vivo

2008-12-02T20:30:00.003-03:00

Foto: de aquí, porque perdimos todos los videos de esta entrevista, incluida una que otra imagen.

Para celebrar el programa 110 vino Montaña Extendida, o el proyecto sonoro de Rodrigo Araya. Después de una inigualable presentación, conversamos sobre sus intenciones musicales y otros detalles que se escuchan a continuación

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¡Hasta la próxima semana!

Christina Rosenvinge - Tu labio superior

2008-12-01T02:13:00.006-03:00

Tuvo que pasar mucho tiempo para volver a escuchar a Christina Rosenvinge en español. El año pasado adelantó un poco su regreso, con el magnífico disco junto a Nacho Vegas, el hombre que hoy alimenta los comentarios más sabrosos sobre ella y sus letras, su relación, las adicciones e incluso sus posturas sexuales. A mí me gusta el chisme sobre ellos, pero en varios cortes de este disco pesan (para algunos) más que las propias capacidades de la Rosenvinge por hacer buenas canciones. Pasa que entre tanto comentario, la cantante -una vez más- tiene que superar la figura masculina dentro de su propia discografía: antes fue Alex de la Nuez, después Ray Loriga en la etapa de Los Subterráneos y en los años anglos, la supuesta mano que le dieron los Sonic Youth. Será que ella lo busca o nosotros lo acentuamos, pero por alguna razón Christina Rosenvinge no es alabada como interprete y compositora. Siempre se dice que está bien, que hay algo, que sus discos funcionan, pero para terminar con la indiferencia está “Tu labio superior”. En el disco hay varias razones para engancharse a ella y revisitar sus antiguos trabajos, sobre todo “Que me parta un rayo” de 1992.

La simple escucha del nuevo disco sorprende por una detallada producción. Hay guitarras delicadas, pero también rock de ese que la volvió popular; presencias justas de pianos y susurros, incluso coros masculinos en donde vuelve a aparecer Nacho Vegas. Fuera de aquellos detalles técnicos, en este disco Rosenvinge define una nueva manera de responderle al mundo. Si antiguamente se pasaba las canciones llorando por el abandono, tratando de vengarse incluso con versos infantiles, ahora es ella quien provoca y altera su entorno. No se podría esperar menos de una mujer ya crecida, aunque en su poesía la experiencia no es sinónimo de rígida madurez. A su alrededor siguen las farsas, las relaciones de poder entre dos, la soledad y el engaño, pero ella ya no es la que sufre todo eso. En “Tu labio superior” Christina Rosenvinge toma las riendas de todo, de lo cursi y lo crudo (Tu boca), enseñando que el amor es mejor vivirlo (Negro cinturón) que juzgarlo (Anoche). No se hace atados al decir que es la rompe hogares (Nadie como tú), la que está sobrando o criticar la patética figura del hombre tradicional (Animales vertebrados). Todo eso en un disco lleno de rimas fáciles, pero encantadoras, donde los sonidos siempre encajan y en el que una vez más Christina Rosenvinge une su figura pulcra y deslavada al servicio de canciones pop que rondan las zonas menos exploradas del amor.

Evelyn Fuentes rompe El Mapa 109

2008-11-28T00:32:00.003-03:00

A mí El Mapa ya me tiene bien contento. Ha venido gente que nunca me imaginé que iba a venir a tocar en vivo, a conversar o contar sus historias musicales. Lo declaro porque con este capítulo 109 pasa eso: llega Evelyn Fuentes, la vocalista de los Christianes, la banda que probablemente más escuchamos en nuestra infancia-juventud, a recordarnos la historia de “Ultrasol”(1995!), pero también para cantarnos sus canciones de hoy, de 2008.

Lo que sigue es esa charla breve, coronada con la extensa presentación de Evelyn Fuentes, sin muchos cortes, bien al natural:

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javiera parra - te llevo bajo la piel

2008-11-26T23:59:00.003-03:00

Yo que ocupo todos los días la línea 4 me sorprendí cuando vi a mi estimada Javiera Cereceda, o sea a Javiera Parra, cantándole una canción al Metro por sus 40 años. No porque sea una cosa extraña en sí misma, sino porque el video me parecía costoso, muy largo y con mucha gente pasando por la calle. Claramente, con el ruido que hace el tren no escuchaba nada, pero gracias a la televisión me volví un adicto a “Te llevo bajo la piel”. Acá les dejo la letra. La copié verso por verso viendo el horrendo video en youtube:

“Fluyes por las venas
de mi buen Santiago.
Mi destino y mi jornada
sólo dependen de ti.
Vas llenando corazones,
ansiosos de llegar.
En tu vida ya no hay paz,
pero me haces feliz

Tú abres mi camino
cuando tengo oscuridad
Sin embargo nunca faltas
Nunca paras de alumbrar
Vas llevando corazones
ansiosos de llegar
En tu vida ya no hay paz,
pero me haces feliz

¡Te llevo bajo la piel todos los días!
bajo tierra corre mi amor como mis venas
Baquedano y Salvador
Fuerte late el corazón
Por nombrar algunas que te vieron nacer

¡Te llevo bajo la piel todos los días!
bajo tierra corre mi amor como mis venas
En Cal y Canto y Manuel Montt
ya latía mi corazón
Cuántas vidas corren ahora por tus líneas”.

Recomiendo ver el video, porque ahí nos enteramos del Santiago de hoy gracias a Javiera: gente oscura que sufre en viajes de mierda, una institución que gana cantidades astronómicas de dinero al día, pero que según la canción de Parra “ya no vive en paz”; ese Santiago que busca la luz en los andenes del sistema de transporte público más repleto que conocemos. Por estas cosas Chile me cae mal, mostrando una masa de gente con la mirada perdida, pero sonrientes, caminando por la ciudad para llegar a la Plaza Italia, el supuesto punto que nos une como chilenos. Esta nueva estrategia publicitaria y el préstamo (pagado) de cara y composición de Javiera Parra es una apología a la masa dirigida por los cientos de carteles de no tocar nada, de no caminar por esta u otra línea, de salir por acá, de los gritos de los guardias y de los malos tratos a los estudiantes. Una canción-festejo que nace del Metro para el Metro. Una mierda de canción que invito a disfrutar.

Cada uno de tu raza que convenza es mi victoria

2008-11-24T22:20:00.003-03:00

Babasónicos en la capital. Programa 109 recién para el jueves.

Santos Dumont - Ayer

2008-11-21T11:42:00.001-03:00

De la visita de Santos Dumont al programa, acá un registro del clásico Ayer.
Cámara y realización de Eduardo Chávez:

Santos Dumont - Ayer from El Mapa on Vimeo.