tag:blogger.com,1999:blog-259268592024-03-07T01:34:26.616-03:00El MapaFelipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.comBlogger243125tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-63377741349803892592016-04-08T09:42:00.003-03:002016-04-08T10:18:35.678-03:00Hora de volver: el regreso de Suárez a Chile<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipKXVESSsEVOfSbSoGLqC5dnOmeM39pEPBs4egH5bG21ZYS0PZR1fbqsbhpagzYnI08pxzFEI1dpk63SgVWQ_ok3G7YtWvo1EOaXO3NstlkrS7hmNhF4VkdzpOl4buZ7JpF19F/s1600/suarez3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEipKXVESSsEVOfSbSoGLqC5dnOmeM39pEPBs4egH5bG21ZYS0PZR1fbqsbhpagzYnI08pxzFEI1dpk63SgVWQ_ok3G7YtWvo1EOaXO3NstlkrS7hmNhF4VkdzpOl4buZ7JpF19F/s400/suarez3.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Suárez.</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal tr_bq" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>El jueves 14 de abril la recordada agrupación
argentina Suárez se presentará en Discoteque Blondie luego de casi dos décadas
sin pisar tierras locales. Show de culto para fanáticos y una oportunidad para
jugar a correr el tiempo hacia atrás y revivir un sonido que marcó los 90 en
ambos lados de la cordillera. Aquí, la banda –los cinco amigos, los cinco
músicos, los cinco protagonistas- nos cuentan cómo intentan recuperar el pasado
sin alimentar nostalgias ni espejismos de un nuevo futuro juntos. <o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i><br /></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
No hubo tiempo
para conversar, saldar eventuales cuentas pendientes o sentarse a mirar
antiguas fotos. Nada de eso. El reencuentro fue sin preámbulos; se juntaron en
una sala de ensayo y se dedicaron a lo que más querían hacer: tocar, cantar y
desempolvar el repertorio que habían dejado en pausa hace más de quince años.
Así fue cómo Suárez, el combo bonaerense integrado por <b>Rosario Bléfari</b> (voz) <b>Fabio
Suárez</b> (bajo), <b>Marcelo Zanelli</b>
(guitarra), <b>Gonzalo Córdoba</b>
(guitarra) y <b>Diego Fosser</b> (batería)
se rearmó como si nada. La “excusa” fue el estreno de la primera parte del
documental sobre la banda, “Entre dos luces” de Fernando Blanco, en noviembre pasado
en Mar del Plata. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“Cuando presentaron
la película me preguntaron si existía la posibilidad de reunir al grupo, a lo
que dije que no, porque estábamos muy alejados”, cuenta <b>Rosario Bléfari</b> desde Argentina. “Además había poquísimo tiempo
para hacerlo y no estaba en nuestros planes. Pero al comentarle la propuesta a
los demás, todos querían o no les parecía imposible”, explica la cantante. <b>Gonzalo Córdoba</b> añade que pese a llevar
tiempo sin verse, todos querían volver (al menos) a presentarse en vivo. “El
documental trata sobre nuestra primera época, y eso despertó el recuerdo de
cómo nos divertíamos. Y nos juntamos de manera impensada, sólo por el placer de
lo imprevisto”, comenta el guitarrista.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El primer
resultado del regreso de Suárez fue una energética presentación en Mar del
Plata junto a los seguidores de siempre y nuevos fanáticos. Para nadie fue una
sorpresa, entonces, que se programara un segundo concierto en Buenos Aires, en
marzo de este año en el conocido Centro Cultural Konex. “Ese show me sorprendió, fue mucho más de lo que esperaba”, comenta <b>Diego Fosser</b>. El baterista concuerda
con el resto de sus compañeros en que este nuevo contacto con el público les
permitió reconocer los cambios entre sus seguidores. Y no sólo por la
diversidad de edad y generaciones. “El público se multiplicó y se “cancherizó”,
como los fans de futbol. En los noventa esa experiencia la vivimos justamente
en Santiago, fue algo muy lindo, con la gente cantando las canciones y todo
eso. ¡Ahora espero que Santiago le gane al Konex!”, añade entre risas. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
¿Por qué Suárez aún mantiene ese estado de alerta en sus fanáticos?
¿Simple efecto de <i>memorabilia</i> local o
por la búsqueda de un sonido que no se ha vuelto a repetir en el contexto
latinoamericano? Para los Suárez se trata de lo uno y delo otro. “Creo
que está relacionado con esos estados emocionales atesorados, igual que nos
pasa a nosotros; sensaciones, viajes intensos, dulces y ácidos que han quedado
alojados en la memoria del que nos escuchó hace quince años o hace un año. Son
canciones y timbres muy particulares también”, se explica<b> Rosario Bléfari. <o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Su compañero en la guitarra, <b>Marcelo Zanelli</b> va un poco más allá: “Suárez
tiene canciones sin tiempo y una forma de hacerlas sonar que es…no sé qué
palabra usar…muy s<i>uárez</i>. Hay algo de
misterio ahí. Además, la banda forma parte de un inicio, que junto con otros
grupos, puso algo en marcha. Había una saludable urgencia en todas nuestras
acciones”.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Otro galope<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
Pese a que los cinco músicos insisten en que la
reunión de Suárez surgió casi de manera
espontánea, todos comparten en mayor o menor medida una misma sensación: nunca
lograron olvidarse de la banda que como amigos mantuvieron y con la que
editaron discos tan memorables como “Horrible” (1995) o “Excursiones” (1999). “La
verdad es que estaba justo empezando a no extrañar a Suárez”, ironiza <b>Fabio Suárez</b> desde la capital
trasandina a la hora de pensar en los últimos conciertos. Lo mismo detalla Bléfari,
quien resta importancia a la nostalgia: “¡No sabía que los extrañaba hasta que
nos juntamos de nuevo! Trato de vivir el presente y estoy siempre con nuevos
planes, pero ahora Suárez se transformó en parte del presente y me gusta
mucho”. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
Más melancólico, el guitarrista <b>Marcelo Zanelli </b>agrega: “Redescubrir a
Suárez y volver a escuchar los discos con otra perspectiva me gustó tanto que
ahí sí digo… esas canciones, esa forma de armarlas y buscar el sonido. Me digo
qué lindo volver a tocar estas canciones que me gustan. En fin, me parece que
es una forma un poco elíptica de reconocer que sí, que extrañaba a Suárez”. En
tanto, <b>Diego Fosser </b> no oculta que siempre añoró volver a la
formación original. “La banda es el proyecto más importante en el que
participé, el que hizo realidad todo lo que había soñado cuando empecé a tocar
la batería a los catorce años”, admite. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
¿Pero ese
recuerdo es suficiente para que Suárez siga con vida de manera indefinida? Ni
ellos lo saben. Cada uno de los integrantes ha seguido caminos muy diversos
como psicólogos, abogados, actores, cantantes (Bléfari siguió publicando en
solitario o con Sué Mon Mont), trabajando en radio o docencia, como para retomar las riendas de una banda.
Además, el contexto discográfico y de difusión –entre la maraña de internet,
productoras, marketing, redes sociales- es otro para un grupo icónico en lo que
se pudo denominar como el under y el rock alternativo o independiente de hace
dos décadas en Argentina. Corren otros tiempos y ellos lo saben. “Me parece que
el oído cambió y también la tecnología. La difusión es otra y ahora no dependes
de unas radios o de un suplemento o si advierte tu presencia una compañía
discográfica”, dice <b>Zanelli</b>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Así, los
aparentes cambios en la industria, reconocen los Suárez, podrían ser tan
provechosos como improductivos. <b>Rosario
Bléfari</b> advierte que este nuevo contexto permite una relación más directa
entre músicos y público, pero es escéptica a la hora de seguir esa ruta. “Hoy las
grandes marcas o productoras no se juegan por nada, invierten poco y a veces
frenan el camino de una banda. No lo conozco desde adentro, pero he visto casos
de quienes por entrar en una cosa así perdieron lo que habían conseguido siendo
independientes. De todas maneras siempre son arduos caminos, y todos son
diferentes; aquellos que pueden hacer un camino con la presión y el apoyo de
una discográfica, y les resulta, muy bien, pero es bien difícil porque debes
responder a una expectativa. Tal vez podés hacer algo, conseguir que te paguen
algo, un video por ejemplo, y salirte. Nunca fue mi opción ni mi camino, pero
no soy quien para decir qué le conviene a cada uno. Personalmente me gusta
cuando hay un camino hecho por la relación con el público que va creciendo o se
va afianzando o va cambiando. Eso es muy valioso”, sostiene la cantante.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Los veo aparecer <o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
El show de
Suárez en Chile el 14 abril en la
Blondie será el tercer concierto de la banda luego de esta reunión fugaz. No
tienen idea si se vienen más fechas. O al menos eso prefieren adelantar.
Vendrán y puede que desaparezcan como ya lo hicieron una vez. Sin embargo, el
regreso a Chile parecía una cita obligada, después de años de compartir escenario
y colaboraciones con bandas como Pánico o Congelador. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“En Chile
siempre fuimos muy bien tratados por la gente, que era muy cariñosa y amable.
Además hicimos nuestro primer documental allí”, recuerda <b>Fabio Suárez</b> sobre su vínculo con tierras nacionales. “Cuando estuvimos en Santiago y Concepción
siempre nos trataron muy bien, y me sorprendió en ese momento el nivel de
información que manejaban sobre la música independiente de todo el mundo en una
era pre-internet. Recuerdo haberme vuelto con varios cassettes grabados que nos
pasaron con novedades del momento”, añade <b>Gonzalo
Córdoba</b>. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Para <b>Rosario Bléfari</b> este
nuevo recital en Chile será como una primera vez, ya que algunos integrantes de
la banda nunca habían cruzado la cordillera junto a Suárez. “Todo va a ser nuevo y será como una presentación,
vamos a “conocer” al público nuevo y al de antes”, dice entusiasmada. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
¿Qué podemos esperar para
después? ¿Se viene nuevo disco de Suárez? Son preguntas que es imposible no
lanzar. “Estoy abierto a lo que venga y a lo pueda llegar y la verdad es que no
lo sé. Si lo supiera no lo ocultaría; si
surgiera esa posibilidad, diría que sí”, afirma <b>Marcelo Zanelli</b>. <br />
<br />
Por su lado, Bléfari no cierra la puerta: “No sabemos si se viene nuevo disco.
Juro que no. Pero así como no sabíamos que íbamos a volver a tocar alguna vez,
ahora ya tampoco me animo a decir como antes: no creo. Porque los hechos me
desmintieron”.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<blockquote class="tr_bq">
Publicado en <a href="http://www.paniko.cl/2016/04/porvenir-el-regreso-de-suarez/">Paniko.cl</a> </blockquote>
</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<b>TESTIGOS </b><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
A la hora de escribir sobre el regreso de Suárez a Chile, pensé en la oportunidad
de sumar más voces de testigos o seguidores que pudieran aportar
una imagen de lo que fue/es la banda en Argentina, específicamente en Buenos
Aires. Siempre tuve en mente a dos personas: el crítico Pablo Schanton y el cantante y
compositor <a href="https://ignacioherbojo.bandcamp.com/">Ignacio Herbojo</a>. Después, cuando terminé de rearmar las preguntas y
respuestas a los cinco Suárez, me di cuenta que la breve historia de su show en
Santiago no soportaba más actores que los propios músicos. Sin embargo,
Schanton y Herbojo contestaron a mis preguntas de manera tan directa y
relevante que no valía la pena guardar sus testimonios. Acá van.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;">
<b>Dice Pablo
Schanton:</b><br />
<b><br /></b>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Por empezar,
definamos: Suárez es al indie lo que los Redondos al rock independiente del ala
La Renga en adelante. Sin mucha militancia explícita (recordemos que la
estética "slacker" de los 90 no lo hubiera permitido), Suárez fue
independiente a pesar de cómo evolucionó el mercado del rock
"alternativo" de la época. Sin Suárez no existirían ni Rosal ni El
mató a un policía motorizado, y sus actuales consecuencias. Es decir, es un
grupo-bandera de una ética frente al mercado musical y una estética frente al
conservador rock nacional hegemónico que ya quedó en la historia. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
La Argentina
es afecta a los homenajes, especialmente si son post mortem, al museo, al
folclore. Por eso, no es casual que una documental haya sido el motor de la
reunión de los Suárez, que han sido canonizados como leyenda indie nacional &
pop forever. Su discreción a la hora de reunirse tras 15 años demuestra que a
ellos tampoco les cabe mucho esto de la nostalgia y las leyendas vivas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Conozco a
Suárez desde el comienzo. Los vi en sótanos muy sótanos al borde del amanecer y
hasta en terrazas muy altas de madrugada, y sigo a Rosario en todo lo que
emprende. Yo estoy contento con los proyectos de ella, y con haber visto y
vivido a Suárez mientras duró. No me gustan las reuniones ni el retro nostálgico
en general. Pero no puedo negar que volver a escuchar "Falso ladrido"
a pulso de Fosser y llevado por la guitarra de Gonzalo no dejó de emocionarme
muy profundamente. Así de simple: hay cientos de bandas "indie" hoy,
post-Suárez en todo sentido (hasta en la formación), pero ninguna canción pega
con la carga poética (en sentido lírico y musical) como una de Suárez. Y dicho,
lejos de lustrar la leyenda y el bal bla blá...<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Ver en vivo
a esa banda -cuatro hombres detrás de/junto a una mujer que canta, baila, toca
instrumentos inverosímiles y actúa y tanto más- es una experiencia única por su
carga rockera y dramática. Y como en Sudamérica siempre se necesitan las
"versiones locales de", Suárez (el nombre remite un poco a Smiths,
¿no?) funcionó como un Sonic Youth con olor a ruta de provincia, a madrugada
metropolitana. Justamente, las referencias líricas de una de las mejores
letristas de este país, que es Rosario, connotan un tipo de vida urbana y de
salida de la ciudad que tienen antecedentes en la lírica del primer Gieco o Los
Pillos. Eso hace que no sea una banda homenaje a Sonic Youth, o Pavement, o Velvet
Underground. Suárez es la banda que mejor entendió y asimiló a Velvet Underground
en estos lares, lejos. Basta escuchar "Una tarde de cansancio". <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Suárez es
una banda argentina, no podría ser de otra manera.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Otro punto a
tener en cuenta: Rosario Bléfari se convirtió en "role model" de
muchas chicas que están en el rock, como público, artistas, o cantautoras. ¿Qué
otra banda under con chica al frente (al frente eh) tuvo la misma trascendencia
en esos años además de Suárez? <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
No sigan
contando, <a href="http://www.clarin.com/extrashow/fama/Erica_Garcia-Fabian_Doman-embarazo-tuits_0_1553244790.html">vean a Erica García en la tele</a> por estos días y la respuesta ya está
dada. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<b>Dice Ignacio
Herbojo:</b><o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Escucho Suárez
desde que tengo 16 o 17 años. En esa época todavía estudiaba piano clásico, y
al tener esa formación, los sentí como una ola de aire fresco y renovador que
se salía de la norma, tanto lírica como compositiva. Su imaginario
cercano y cotidiano siempre me fascinó, y creo que influyó mucho a la hora de sentarme
a escribir mis canciones. También me pasó que cuando los empecé a escuchar, la
banda ya estaba disuelta, entonces los veía rodeados de cierta mística y mi
único registro eran sus discos, las palabras de algún amigo que había tenido la
suerte de verlos en vivo en los 90s y algún que otro video de Youtube.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br />
El año pasado, Rosario Bléfari me escribió un mail, preguntándome si quería
tocar el piano para ella en <a href="http://www.indiehoy.com/agenda/rosario-blefari-avant-press-en-el-centro-cultural-kirchner/">una fecha que se venía pronto</a> y yo acepté
sin dudarlo. En dos o tres semanas me tuve que aprender doce canciones que me
iba pasando en cuentagotas por mail. Para los que me conocen, saben que mi
memoria es pésima, entonces esto era todo un desafío para mí. De a poco, fuimos
probando cuál funcionaba y cual necesitaba más instancias de ensayo. Finalmente,
la lista se redujo a la mitad más o menos. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br />
Nos juntamos día por medio con Rosario y Federico Orio para trabajar los temas
entre los tres. Entre canción y canción charlábamos mucho de cualquier cosa, y
todo era muy distendido y relajado, aunque por otro lado el tiempo nos
apremiaba. Pero creo que todos confiábamos en que iba a salir perfecto. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br />
Para mí tocar con Rosario fue una de las cosas más increíbles que me pasaron
desde que empecé en esto, hace tan poquito. Ella fue primordial en mi formación
como músico, y para mí es un orgullo y un honor que se haya fijado en mí
existiendo tantos otros pianistas.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 12pt;">
<br />
Cuando supe que Suárez se reunía pensé que no podía perdérmelo. Entonces, con
un par de amigos organizamos una escapada a Mar del Plata sólo por el fin de
semana del recital, para ver el
documental de Fernando blanco y para verlos a ellos en vivo. Lo más gracioso fue
que nos encontramos con los Suárez en el bus rumbo a Mar del Plata, y viajamos
juntos sin haberlo planificado. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Estaba muy
ansioso por verlos en vivo, sobre todo después de ver el documental de Fernando
Blanco. Al llegar, la carpa del show estaba repleta. Me ubiqué adelante de todos.
Es difícil describir lo que sentí cuando entraron. Para mí Suárez nunca había
existido, ¡y ahí estaban! El show fue muy movilizante para todos los
asistentes. Parecía una banda que no se había separado jamás. Todas esas canciones que había escuchado
durante tanto tiempo en mi cuarto, en el trabajo, en la calle, en el colectivo,
cobraban vida en ese momento. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Tiempo más
tarde fue la fecha en el Konex. Otra vez: lleno de gente. Me costó más llegar
adelante de todos. En este recital había más ansias que la otra vez, y la
energía era increíble.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Con el sonar
de las primeras canciones la gente empezó a saltar y a hacer pogo. Creo que no
hacía pogo desde que tenía 15 años. Pero ahí apretado, siendo empujado,
acalorado, me sentí feliz y me uní a la masa en movimiento y fuimos uno solo.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br />
No había otro lugar en el que quisiera estar. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Rosario sonriente
y hermosa como siempre. Los chicos, impecables.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Las
emociones fueron muy fuertes y unánimes, creo. Por momentos estábamos todos
casi por llorar, por otros con una sonrisa gigante.<o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Cuando salí
del Konex me di cuenta que había tenido la suerte de presenciar algo muy importante
para mi generación. <o:p></o:p></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt;">
Los volvería
a ver una y mil veces, y cada vez que saldría del recital sé que pensaría
"fue uno de los mejores recitales de mi vida".<o:p></o:p></div>
</div>
</div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-64664140468221246882015-04-27T16:09:00.000-03:002015-04-27T16:09:23.662-03:00Hidrogenesse: sacados de otra era<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-JLInKsVHvfC2GP3W1kc7bprPHaMy4HlVlcTS1-z8fG0v6EaLs9OstnTEhJz8SfqvPww3q4T5tShg_lCxF-NDfFzcjgFZSRTxSyTKlrymoYnuwuhiRVJUet8-cLfUfWI32H-6/s1600/Hidrogenesse.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-JLInKsVHvfC2GP3W1kc7bprPHaMy4HlVlcTS1-z8fG0v6EaLs9OstnTEhJz8SfqvPww3q4T5tShg_lCxF-NDfFzcjgFZSRTxSyTKlrymoYnuwuhiRVJUet8-cLfUfWI32H-6/s1600/Hidrogenesse.jpg" height="291" width="400" /></a></div>
<em><br /></em>
<em><br /></em>
<em>Por primera vez en Chile, el dúo barcelonés Hidrogenesse será el
encargado de cerrar este sábado el Santiago Pop Fest y de encantar este
domingo al puerto de Valparaíso con un concierto especial. Dos fechas
imperdibles de un fin de semana histórico para los seguidores del pop en
español. ¿Las razones de tan exagerada presentación? Aquí repasamos
algunas</em>.<span id="more-38602"></span><br />
<br />
Cuando en 2014 Los Planetas anunciaron una visita a Chile, sus
fanáticos no ocultaron la excitación: por fin, después de más de dos
décadas, los españoles cruzaban el Atlántico para llegar a Santiago, una
capital en el medio de un país que aún se visualiza lejano para los
creadores ibéricos. <br />
Gracias a aquella fecha, una parte de los seguidores de la tradición
de pop español quedó satisfecha, soñando que las distancias que todavía
nos separan con España comenzaban a estrecharse. Otro sector del
público, en tanto, debió seguir esperando la llegada de proyectos más o
menos independientes como La Casa Azul, Single o Francisco Nixon, por
mencionar a algunos, a quienes conocieron (conocimos) a través de <em>Rockdelux</em>
y que luego pudieron (pudimos) consumir hasta el cansancio mediante
descargas y videos. Pero la espera continuará hasta que las condiciones
que asumimos como superadas —fronteras, geografía, costos, difusión,
etc.—, sean menos ingratas de sobrellevar. <br />
<br />
Sin embargo, en 2015, los encargados de ilusionarnos con un cambio en
este panorama serán Carlos Ballesteros y Genís Segarra, las dos caras
detrás de <a href="http://www.austrohungaro.com/hidrogenesse/">Hidrogenesse</a>.
Con sus conciertos en Chile, la dupla marcará un hito particular en
este país, mezclando pop, electrónica, lucidez y taco gastado sobre el
escenario. <br />
<br />
Lo del taco es literal, pues Genís Segarra viene calzando tacones
aguja (como Prince) hace varios años en sus espectáculos. Pero las
suelas también se gastan caminando y ese es el gran legado de
Hidrogenesse; años de trabajo y recorridos para dar cuerpo al sello
Austrohúngaro, casa que desde el año 2000 ha visto pasar a Chico y
Chica, <a href="http://www.astrud.com/">Astrud</a> (el otro dúo pilar
del sello, que también cuenta con Genís como mitad creativa), Feria,
Hello Cuca, Alfacrepus, entre otros. Una plataforma, que según han
explicado nació para publicar bandas amigas, pero que tras quince años
de acción es un referente de historia y pop en español, como lo son <a href="http://elefant.com/">Elefant</a> o <a href="http://www.siesta.es/pags/index02.asp">Siesta</a>.
Claro está, todos los discos de Hidrogenesse se han publicado en
Austrohúngaro, y aunque la variedad de oferta/demanda hoy permitiría
(quizá) que alguna editorial los publicara, a fines de los 90s no
existía otra posibilidad para ellos; la autogestión era el camino, y con
el tiempo, las condiciones y el contexto de una época se transformaron
en el imperio particular de Segarra y Ballesteros. <br />
<em><br /></em>
<em>Gimnastica Passiva</em> (2002) fue el debut para la pareja, pero
también fue el primer indicio para que hoy podamos ocupar etiquetas como
«pop desprejuiciado» en estas latitudes. Representantes de un
sincretismo basado en el electropop, la performance, la poesía y un
discurso lúdico, Hidrogenesse despuntaron con aquella producción como
una pareja capaz de igualar o superar los antecedentes que dejaron (y
aún dispersan) Kraftwerk, The Magnetic Fields o Pet Shop Boys. Pero en
español, en los himnos “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=fZkbl4zHvo8">No hay nada más triste que lo tuyo</a>”, “1987” o “Vamos a salir del Siglo”.<br />
<br />
Javiera Mena, compositora mil veces descrita por su actitud
«desprejuiciada», los ha citado como referentes y hasta les entregó “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=78zo3zXlbbc">Luz de piedra de luna</a>”
para ser remezclada. Sin espacio para la exageración, es posible que la
historia de la chilena fuese muy distinta sin la influencia de los
catalanes, pues con Hidrogenesse como ejemplo de un tipo de creación,
más el soporte de Austrohúngaro como oficina discográfica, la cronología
del pop en nuestro idioma comenzó a poblarse de otras letras, otras
bases y ritmos, y sobre todo, otras historias y protagonistas. Desde un
comienzo, las narraciones del Ballesteros y Segarra fueron entramando
humor y perspicacia, crítica a las convenciones sociales, las modas y
tendencias, mientras aportaban crónicas románticas como toda buena
agrupación pop. Ahí están “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=2cBVhETq5CU">Eres PC / Eres Mac</a>”, “Hidrogenesse Asociados” o “Vuelve conmigo a Italia” para probarlo. <br />
<br />
Con el paso de los años, <em>Animalitos</em> (2007), y su continuación <em>Bestiola</em>
(2008), consolidaron un sonido a ratos denso y heredero del krautrock, y
otra veces luminoso y adictivo, que decantó en una obra clave: la
celebración de los cien años del nacimiento del matemático inglés Alan
Turing, <em>Un dígito binario dudoso</em> (2012). El álbum, que en un
principio no estaba dentro de los planes del dúo, pasó a transformarse
en el referente que la banda nunca buscó, pero que prensa y público
siguen calificando como su mejor disco. Las razones están en canciones
como “El beso”, “Enigma”, “CAPTCHA Cha-Cha” o “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=DkJH743gGBc">Historia del mundo contada por las computadoras</a>”,
cortes que abordan la dramática biografía de Turing y también las
propias manías del grupo: la fascinación por las máquinas, su
manipulación y el efecto que éstas generan en nuestra vida cotidiana.
Una entrega fundamental, que en media hora nos cuenta la historia y
muerte del padre de la informática —condenado a la castración química
por ser homosexual, pero héroe tras vestidores por sus aportes técnicos
durante la Segunda Guerra Mundial—, y de paso conecta pasado, futurismo y
el presente que conocemos, la realidad que incluso permite que estas
líneas se visualicen en un dispositivo electrónico. <em>Rockdelux</em>,
rendida ante el trabajo de Hidrogenesse, calificó el disco como la mejor
obra española de 2012, lo que multiplicó las miradas sobre la dupla.<br />
<br />
Pero, como ellos mismos se han encargado de aclarar, el éxito de <em>Un dígito…</em>
no los perturbó. Ballesteros y Segarra continuaron trabajando al mismo
ritmo que los caracterizaba, recuperando el repertorio inconcluso. Así
comenzaron a afinar canciones antiguas. Del pasado. Y no es casualidad
que esa arqueología íntima se titulara <em>Roma</em> (2015), obra
dedicada a una capital que siempre los sedujo y que reúne nuevos
personajes fetiche: Elizabeth Taylor, Gustave Flaubert, Terenci Moix,
entre otros. <br />
<br />
Como vuelta de tuerca de su propio discurso, Hidrogenesse abordan con
humor el paso del tiempo, la vejez y los problemas de aferrarse al
presente en “Aquí y ahora”, “Siglo XIX”, “Dos tontos muy tontos” o “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=koqxHvQwSsM">A los viejos</a>”. Aparecido en enero de este año, los caminos de <em>Roma</em>
llevaron a Hidrogenesse a planear su primera gira por Sudamérica —tan
lejos, tan cerca—, con fechas en Argentina, Uruguay, Chile y Perú,
aceptando invitaciones de productores que crecieron escuchando sus
canciones y que apostaron por la dupla en los escenarios locales.<br />
<br />
<br />
Banda de honor del Santiago PopFest (sábado 25 de abril) e invitados
de Letal en Valparaíso (domingo 26 de abril), Hidrogenesse conocerán la
cara del público chileno en esos dos conciertos. Nosotros, en tanto,
podremos disfrutar de su repertorio por primera vez en vivo y también
conoceremos a una dupla central dentro de la creación española. Dos
conciertos que serán una clase de historia popular: un repaso de pasado,
presente y futuro del pop en nuestro idioma.<br />
<br />
<blockquote class="tr_bq">
<a href="http://www.paniko.cl/2015/04/hidrogenesse-sacados-de-otra-era/" target="_blank">Aparecido en Paniko.cl en abril de 2015.</a></blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-84650996899450283272015-04-19T14:33:00.000-03:002015-04-19T14:34:09.499-03:00Hidrogenesse: “La música pop no está pensada para que la hiciera gente mayor”<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6fWoN-YQwbn9Vhx-pZUhtlzCwk2CcpAMrFWCTUnmgl_DLPLsda5dGBs_zEF64KtmlMZ0Y0YWmS31vbWvDIg_70v4KL8n0QEgUfKmzbcnRpW4tX3s_a659FUtd6Pc-SA3kIN67/s1600/hidrogenesse_carlos_derecha_genis_izquierda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6fWoN-YQwbn9Vhx-pZUhtlzCwk2CcpAMrFWCTUnmgl_DLPLsda5dGBs_zEF64KtmlMZ0Y0YWmS31vbWvDIg_70v4KL8n0QEgUfKmzbcnRpW4tX3s_a659FUtd6Pc-SA3kIN67/s1600/hidrogenesse_carlos_derecha_genis_izquierda.jpg" height="231" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Carlos Ballesteros / Genís Segarra: Hidrogenesse.</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Carlos Ballesteros: voz. Genís Segarra: máquinas. Juntos son <b>Hidrogenesse</b>, dúo barcelonés que por primera vez visitará Sudamérica durante abril y mayo para promocionar su último y quinto largaduración: <b>“Roma”</b>. Gracias a este disco, Hidrogensse ha logrado madurar una estética única, marcada por un discurso lúdico y sonido de electrónica pop, ya desarrollado en piezas imprescindibles como “Un dígito binario dudoso” (2012) –el aplaudido homenaje a Alan Turing años antes del biopic “El Código Enigma”-, “Bestiola” (2008), “Animalitos” (2007) y “Gimnàstica Passiva” (2002). Como dupla, además, son responsables de mantener en pie una de las leyendas discográficas de la música en español: el sello Austrohúngaro, editorial detrás de bandas como Chico y Chica, Espanto o los primeros Astrud.<br />
<br />
Según Carlos y Genís, fue la invitación que recibieron de Chile –a participar de la primera versión del Santiago Pop Fest- la que desencadenó una serie de fechas en Perú, Argentina y Uruguay, la mayoría autogestionadas. “<i>Hemos aprendido que si queremos ir a América no hay que esperar. Tampoco basta con aceptar propuestas más realistas. Tienes que buscarte tú las oportunidades, provocarlas. O sea que nuestra gira es en parte por una invitación, y en parte por iniciativa propia, para provocar nuevas invitaciones y propuestas. Ahora estamos ya planeando una segunda parte de esta gira latinoamericana para otoño e invierno</i>”, anuncian a horas de cruzar el Atlántico.<br />
<br />
Sobre los shows en Chile y los países vecinos, la pareja adelanta que serán conciertos muy eclécticos. “<i>Siempre incluimos canciones de todos nuestros discos en el repertorio. De las más viejas a las más nuevas, aunque estarán más centradas en “Roma”, porque nos hacen más ilusión estas canciones ahora. Hemos estado ensayando alguna que últimamente no estamos tocando en España, pero no sabemos si acertaremos. Ya hemos visto en redes sociales que algunos quieren “<a href="https://www.blogger.com/null" target="_blank">Hidroboy</a>”, y esa no. Esa canción no está metida en el secuenciador, y el secuenciador está ya metido en la maleta, y la maleta cerrada</i>” aclaran a los fanáticos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<b>¿Cómo ha sido la trastienda de esta gira en términos de financiamiento y desarrollo? Organizar un viaje de este tipo nunca debe ser muy sencillo…</b><br />
<br />
Nuestra política ahora mismo, desde hace unos años, es decir que sí a todo. Hay que confiar en los promotores, ya que ellos se encargarán de financiar los transportes. Luego ya se organiza todo lo demás: alguien tiene que acoger a nuestro gato y procurarle los cuidados que su avanzada edad requiere; hay que comprar nuevos instrumentos, más pequeños, que nos permitan viajar a tantos lugares siendo solamente dos personas arrastrando maletas; también hay que dejar todo listo en Barcelona para no encontrarnos con un caos al volver.<br />
<br />
<b>Durante el viaje les tocará compartir escenario con bandas como Diosque, Dani Umpi o Fakuta, que toca el mismo día que ustedes en Santiago. ¿Conocían los solistas con los que compartirán fechas o han sido descubrimientos para ustedes?</b><br />
<br />
Conocemos a Diosque desde el disco anterior a “Constante”, curiosamente por su edición peruana, y a Dani Umpi y a Fakuta también les hemos oído, y a los 107 Faunos, que tocarán en Buenos Aires con nosotros, los conocimos en persona en Barcelona hace un par de años. O sea que sí, les conocíamos a todos los que mencionas. De Chile conocemos a Gepe, Javiera Mena o a Alex Anwandter. “Hambre”, “La Joya” o “¿Cómo puedes vivir contigo mismo?” son canciones chilenas que nos encantan. Ah, y Dënver también tienen público y canciones conocidas en España, al menos a un nivel underground. En general, nos parece que los artistas chilenos tienen muy poca vergüenza. Eso es algo que nos da envidia a nosotros, artistas europeos llenos de manías.<br />
<br />
<b>Vienen a presentar “Roma”, un disco que han explicado como la obra en la que estaban trabajando antes del disco en homenaje a Alan Turing. Han dicho que es un disco que estaba casi terminado y que luego retomaron para finalizarlo. ¿Se les pasó por la cabeza la posibilidad de no publicar “Roma”?</b><br />
<br />
Somos muy poco prolíficos. No nos podemos permitir tirar a la basura cosas que ya tenemos medio hechas. Además, todo lo que hacemos es muy importante para nosotros. Cada canción. No se nos pasaría por la cabeza nunca algo así. Ahora estamos “a cero” y te aseguramos que es mucho mejor tener cosas ya empezadas, ¡tener pasado es tener futuro!<br />
<br />
<b>Han descrito que el disco homenaje a Alan Turing contó con una “exagerada acogida”. ¿Tanto les sorprendió la ola de buenos comentarios? ¿Cómo vivieron esa etapa en la que al parecer mucha gente descubría “el potencial” de ustedes como banda y creadores?</b><br />
<br />
Pues sin problemas psicológicos, porque nos pilló ya creciditos. Ya sabemos lo relativo que es todo esto, que ahora eres guay, pero ahora ya no, y luego te redescubren, o dicen que “has vuelto”…<br />
<br />
<b>No sólo en “Roma”, sino que de todos sus discos y los discos que edita Austrohúngaro, se desprende un tono muy distintivo, particular, que se puede interpretar muy lúdico. ¿Son conscientes de ese “sello austrohúngaro” (que a esta altura ya es un estilo y casi una escuela)?</b><br />
<br />
Cuando grabamos en 1997 las canciones del recopilatorio “<a href="http://www.austrohungaro.com/lujoymiseria/" target="_blank">Lujo y Miseria</a>” ya había una intención de crear una familia, un algo común de varios grupos, varias personas. Hay quien piensa que el nexo común de lo austrohúngaro es un estilo, o un sonido, pero se equivocan. No nos importa lo más mínimo el estilo. Lo que tenemos en común es algo más de base, ideológico si quieres. Tomarse muy en serio lo lúdico, y todo lo demás muy a broma. No tomarle el pelo a la gente. No apuntarse a las modas, aunque te sienten bien o incluso aunque te gusten. Cosas así, básicas.<br />
<br />
<b>¿Qué tan importante es para ustedes el humor, el juego, o la ironía a la hora de continuar creando o haciendo canciones?</b><br />
<br />
No entendemos lo que hacemos sin humor. Preferimos que haya humor en todo lo que nos gusta: cine, música, libros. Puede ser un humor muy fino o muy grueso, ser lo principal en la obra, o estar ahí de fondo. Da igual. Lo que no entendemos son las cosas 100% serias, de gente que se toma a sí mismo tan en serio, porque todos nos reímos en algún momento, siempre hay risa en algún lugar de nuestras vidas, y la gente que no deja que eso se vea en sus obras nos parece, como mínimo, sospechosa.<br />
<br />
<b>El tiempo, y en especial el futuro son temas centrales en “Roma” ¿Cómo se toman ustedes el paso del tiempo, el envejecer y al mismo ver que el mundo está cada vez más obsesionado con “lo último”?</b><br />
Nos encanta el paso del tiempo, nos encanta que el tiempo pase, y el efecto que causa en las cosas. Es curioso que un objeto se torna más y más hermoso y valioso con el tiempo, siendo igual de feo e insignificante que el primer día, ¿verdad? La actualidad, la moda, a veces pueden divertirte, jajaja, pero la verdad, siempre hemos tenido una fuerte pasión por alejarnos de la actualidad, por estar fuera de la moda, por “<a href="https://www.youtube.com/watch?v=1Ibhf_4oHCc" target="_blank">salir del siglo</a>”. Lo moderno es excitante e inspirador, pero la tendencia es algo que hay que evitar siempre.<br />
<b><br />Madonna, Björk, Morrissey, Pet Shop Boys son artistas que por su edad pareciera que siempre tienen que justificar su derecho a publicar discos. ¿Cómo observan ese fenómeno?</b><br />
<br />
Es cruel, pero suponemos que siempre lo ha sido. La música pop no estaba pensada para que la hiciera gente mayor. Parece un contrasentido. Pero la gente que hace música pop se hace mayor, como todo el mundo, así que no debería preocuparle a la gente. Es más triste que artistas como Madonna crean que, para hacer pop, tienen que ser o parecer eternamente jóvenes, ágiles y sexy. Nosotros no creemos que para hacer pop se necesite ser ni parecer ninguna de estas tres cosas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<b>En muchas entrevistas se refieren a trabajos por encargo que están preparando, producciones en las que están trabajando, nuevos instrumentos que van probando, o nuevos personajes que los tienen obsesionados. Se les nota muy inquietos. Por eso, además de las fechas en España y la gira por Sudamérica, ¿en qué proyecto están trabajando o en qué están investigando actualmente?</b><br />
Ahora mismo estamos a cero, sin canciones nuevas comenzadas, ni un título para un nuevo disco. Solamente tenemos algunas ideas que se nos ocurrieron en México el año pasado. Quizás en esta gira sudamericana ampliemos y perfeccionemos esas ideas, y algún día tengamos unas cuantas canciones inspiradas por la América latina. Si no es así, si nada se nos ocurre, siempre podemos trabajar en unas canciones muy antiguas, el repertorio de nuestros primeros conciertos a finales de los 90, que nunca hemos grabado. Eran casi todo baladas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: justify;">
<a href="http://cincuentamas.com/entrevista-hidrogenesse/" target="_blank">Entrevista publicada en Cincuenta +</a></div>
</blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-63950318928587625272014-10-22T10:23:00.001-03:002014-10-22T10:24:11.824-03:00Juan Pablo Abalo - Como un animal<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieAT880FmyQ_ElVr2x06InndOyJUcz31oJk_ZgbUiKctuXfL9eCpAGz-kaqTlcMrQPI5RFbmGZlPB-ufR-vRXDuSHnI0NzRBeKumzKErQ_caqfoIZetmr8e9iLZKo5mCxgIUcS/s1600/juanpablo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieAT880FmyQ_ElVr2x06InndOyJUcz31oJk_ZgbUiKctuXfL9eCpAGz-kaqTlcMrQPI5RFbmGZlPB-ufR-vRXDuSHnI0NzRBeKumzKErQ_caqfoIZetmr8e9iLZKo5mCxgIUcS/s1600/juanpablo.jpg" height="400" width="400" /></a></div>
<br />
En tiempos en los que la lista de publicaciones discográficas en el país no deja de crecer, y mientras una nueva generación de autores termina de instalarse como respuesta lógica al recambio del mercado, cuesta distinguir propuestas que avancen, desarrollen y mantengan cierta cordura estética. Uno de los pocos ejemplos a considerar sería el de Juan Pablo Abalo, crítico, músico y académico que desde su anterior trabajo –el imprescindible “Canciones de Misa” (2012)- viene coqueteando con el formato de canción popular uniendo personalidad, madurez y discurso. El reciente “Como un animal” así lo confirma.</div>
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<br /></div>
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Las nueve canciones del disco instalan a Abalo como un intérprete de pop solemne, aunque cada vez más liberado de la rigidez clásica de su formación. El cantante se escucha cómodo y bien producido al ritmo del sintetizador o del piano, sensual junto al pulso de la batería y protegido por violines o por las cuerdas de una guitarra eléctrica. Las atmósferas en las que se mueve, en tanto, son de una versatilidad convincente: a ratos simples y hasta pegadizas, en otros momentos tristes y opacas. Así, estas piezas bautizadas como “baladas de amor y misterio” convencen porque logran presentar a un autor que –al menos en esta etapa- se percibe claro y directo en su tarea por ahondar en las piedras angulares del pop: el amor y la muerte.</div>
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Sin embargo, en Abalo hay una evidente inclinación por ocupar la anécdota melodramática para hablar de otros asuntos, casi siempre ligados a la pérdida y las desesperanza. La canción que da nombre al disco, por ejemplo, es el canto de una voz oprimida que busca emerger; “Fracasos” y “Un lugar de paso” hablan de asilamientos y desilusiones, mientras “A cinco cuadras” o “Viuda negra”, con esos aires de crónica roja, refieren a personajes malditos y marginados. Entre esas reflexiones, el autor condensa en “Un lindo jardín” su evidente crítica a las falsas apariencias y el revés macabro de lo cotidiano: “Te casase por inercia, tuviste hijos por inercia, te enamoraste por inercia. Compraste casa por inercia, un auto también por inercia y un lindo jardín”, entona y sentencia al mismo tiempo. </div>
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Al aportar esas visiones al discurso amoroso local, “Como un animal” se distingue como una obra sólida y emotiva, capaz de cautivar sin recurrir a efectismos ni niñerías. Un disco inquietante que ayuda a remecer las somnolientas y edulcoradas aguas del pop local. </div>
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<blockquote class="tr_bq">
Publicado en El Ciudadano - Octubre 2014 (impreso)</blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-3884184600159806652014-07-28T10:42:00.001-04:002014-07-28T10:44:28.958-04:00Rey Choclo – La dimensión desconocida del lenguaje<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghDsNAcBHIyYhKbIqSlKWzPGjXGpYA4gZrJgw4yfGYZJSl2KWVympNeQNV3F-ESJEQAfsnfWgF8d9mZDWlq0BSK62RxUwEPl7fSW8RyFsxoG7XiX4zv8nbnGjMqoLmKV3o4qRX/s1600/Rey+Choclo+portada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghDsNAcBHIyYhKbIqSlKWzPGjXGpYA4gZrJgw4yfGYZJSl2KWVympNeQNV3F-ESJEQAfsnfWgF8d9mZDWlq0BSK62RxUwEPl7fSW8RyFsxoG7XiX4zv8nbnGjMqoLmKV3o4qRX/s1600/Rey+Choclo+portada.jpg" height="288" width="320" /></a></div>
<br />
La tendencia de los medios informativos a calificar como hedonista a una parte de la producción musical aparecida en el país en los últimos cinco años no termina de ser correcta. Si bien es cierto que entre la mayoría de los nuevos rostros del pop y el rock nacional abunda una retórica superficial asociada a la búsqueda del éxtasis, a la hora de comprender de mejor manera el ánimo de algunas propuestas habría que considerar también el carácter escapista que las define.<br />
<br />
Un buen ejemplo de esta relación entre hedonismo y escapismo es el debut de Rey Choclo, “La dimensión desconocida del lenguaje”. Las once canciones que reúne este trabajo intentan mostrar la otra cara de las sensaciones a través de relatos alucinógenos y efectos sonoros que apuntan a la psicodelia. El resultado final, sin embargo, es un espejismo, ya que la promesa inicial del álbum poco a poco se diluye en cortes deslavados, y peor aún, inofensivos.<br />
<br />
En poco más de cuarenta minutos, la banda recurre a los ritmos caribeños y africanos que volvieran popular a El Guincho, y que recuerdan (muy de lejos) al histórico Fela Kuti, para cantar sobre playas, romances y otros mensajes positivos. La mezcla se condensa en “Gracias sol”-la mejor pieza del álbum-, un himno de aire jamaicano dedicado a la risa, al baile, y a los micro paraísos inventados por veraneantes. Bajo ese ánimo se desarrollan historias pequeñas de estados alterados, en donde aparecen insectos, personajes y diversos paisajes naturales. No obstante, y aunque la banda trate de construir un caleidoscopio a partir de estas experiencias, el resultado es poco impresionante.<br />
<br />
“Cayendo sobre mí”, “Orillando”, “Araña” o “Globos” son canciones atrapadas en una misma anécdota: el espiral de emociones que provoca el contacto con el cielo o la luna, las celebraciones o las alucinaciones fugaces. No se reconocen más matices en estos cortes, lo que termina por anclar a “La dimensión…” en la orilla más monótona de la diversión. Tampoco la paleta de sonidos logra superar las combinaciones vivaces de los primeros minutos del disco, entrampando el resto de la placa en una reiteración de atmósferas y efectos.<br />
<br />
Así, lo que pudo ser una apuesta llena de lúcidas composiciones y reflexiones se pierde entre ritmos que a duras penas sostienen la jarana de Rey Choclo. Faltó desborde y locura, pero sobró frivolidad. En otras palabras, una muestra más de cómo la invitación al goce en el panorama local se termina traduciendo en evasión y nunca en revolución.<br />
<br />
<blockquote class="tr_bq">
Publicado en El Ciudadano - Julio 2014</blockquote>
<div>
<br /></div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-78898236016675023042014-06-30T11:55:00.000-04:002014-06-30T11:55:22.424-04:00Fredi Michel – Fredi Michel<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgj6vT2ohGzqEIFmVJ-hY1CXNi330fzl3TN0CAqYi_l7t8yvUlnSQUXdKYF7TdKrOIYwmvMEhr7k1ee2QuUBakXfakxDpNnLCwQNTVZMrjZnrydyifhCeuOQMwwVcHBJMHT3o2/s1600/unnamed.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgj6vT2ohGzqEIFmVJ-hY1CXNi330fzl3TN0CAqYi_l7t8yvUlnSQUXdKYF7TdKrOIYwmvMEhr7k1ee2QuUBakXfakxDpNnLCwQNTVZMrjZnrydyifhCeuOQMwwVcHBJMHT3o2/s1600/unnamed.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pese a que la edición del primer disco de Fredi
Michel nunca fue anunciada por ninguno de sus integrantes, ni contó con
agobiantes campañas de difusión, la fecha de su debut siempre fue una intriga
para los que conocían la trayectoria del grupo. Así pasó casi una década para
que llegara el momento en que esta obra homónima se publicara y confirmara el
carisma único del actual quinteto, un factor que distingue a las doce canciones
con las que se presentan oficialmente ante el panorama nacional.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">“Fredi Michel” es un disco abrazador, que
durante casi una hora propone atmósferas candentes y repletas de constantes
guiños a la cumbia, al house, la psicodelia, y a la música disco. “Capitán de
negro”, “Marinero”, “El Blanco”, “<st1:personname productid="La Serpiente" w:st="on">La Serpiente</st1:personname>” o “Niñito” estrujan estos diversos estilos para
invitar al baile, mientras Andrea Guerrero las dota de encanto gracias a su
particular narración. Aguda, errática, a ratos somnolienta, la cantante comanda
estas canciones desde una entonación lúdica e inquieta. En resumen, una mezcla destinada
a hipnotizar. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Sin embargo, este trabajo no brilla sólo por la
correcta unión de referentes musicales o por la lograda producción de las
composiciones. Es el carácter híbrido de Fredi Michel lo que sella una propuesta
difícil de comparar con otras de las firmadas por agrupaciones emergidas en el
país durante los últimos diez años. Esa impronta mestiza se trasluce gracias a la
convivencia no forzada de elementos foráneos con un tono local, particularmente
chileno, como ocurre en la magnética “Como tagua”. El corte entrelaza
electrónica y cumbia en una historia que habla de aquel que “llega como rey”,
“de punta en blanco”, que termina destrozado por el exceso y que siempre
promete un “nunca más”. Una escena típica de cualquier borracho, pero que somos
capaces de entender mejor desde este lado de la geografía. Lo mismo ocurre con
“No Hash Hash” o “Booty Shake”, dos piezas que podrían conquistar cualquier
pista de baile, pero que se anclan en los pasajes y las villas de Santiago con esas
sutiles menciones a Avenida Matta o al Paseo Ahumada.<b><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Atractivo por su sonido y estilo, “Fredi
Michel” está destinado a convertirse en un primer disco icónico, un ejemplo de
producción que podría no repetirse como ocurrió con “El brillo que tiene es lo
humano que queda” de Taller Dejao o “Ijniaaa!!!” de Colectivo Etéreo. Es de
esperar que esa triste tendencia no se repita y la banda sorprenda con una
segunda entrega. Pero no hay prisa, lo importante es que vuelvan. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Publicado en la edición impresa de El Ciudadano - Junio 2014</span></blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-6591310753438169122013-09-24T22:09:00.000-03:002013-09-24T22:12:13.118-03:00Después hay silencio: la experiencia musical en los centros de detención durante la dictadura<div align="center" style="text-align: justify;">
<strong>Utilizada para
acompañar sesiones de tortura, la música se convirtió en una de las
tantas armas ocupadas por el Estado entre 1973 y 1990 para ejercer
violencia en Chile. Pero el canto y la creación musical también fueron
mecanismos de supervivencia para las víctimas. Una de las pocas
investigadoras en la materia, Katia Chornik, explicó en su reciente
visita al país las formas en que el arte se enfrentó al horror.</strong></div>
<div align="center" style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
“<em>Somos cinco mil / en esta pequeña parte de la ciudad / somos cinco mil, ¿cuántos seremos en total?</em>”. Así comienza “Estadio Chile”, poema escrito por <strong>Víctor Jara</strong>
durante su detención en 1973 en el recinto que hoy lleva su nombre y
que varios autores han interpretado bajo el título “Canto, qué mal me
sales”. Este también es uno de los pocos ejemplos de creaciones firmadas
por músicos en campos de detención y de exterminio en dictadura.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Sin embargo, pese a la escasez de
registros de la época, la relación que existió entre música, prisión y
tortura aún se mantiene en la memoria de los presos y de los agentes del
Estado. Katia Chornik -violinista, musicóloga nacional radicada en
Inglaterra y académica dela Universidad de Manchester- se ha dedicado a
escarbar en la memoria musical de los involucrados, rearmando un período
de la historia sonora de Chile.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<em>Esta investigación cambió el rumbo de mi vida</em>”,
admite Chornik cuando recuerda las primeras motivaciones que la
llevaron a comenzar sus estudios. Aún dedicada profesionalmente a la
música, la violinista realizó en 2002 un concierto en la <strong>Academia Real de Londres</strong>,
en el que versionó las obras compuestas o interpretadas en los campos
de exterminio del Tercer Reich, además de las obras creadas o comúnmente
cantadas por detenidos chilenos en los centros de detención entre 1973 y
1990.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Chornik (en la fotografía) conoció este
repertorio gracias a un estudio previo, en el que comparó la experiencia
musical de los campos de concentración nazi con los del Chile de
Pinochet. Con el paso de los años esta tarea la llevó a dedicarse por
completo a la investigación, entrevistando a sobrevivientes de<strong> Tres Álamos, Cuatro Álamos, Chacabuco, Puchuncaví, Irán 3037</strong> –conocido trágicamente como la Venda Sex o La Discotéque, por la programación constante de música popular en el lugar- o <strong>Villa Grimald</strong>i, entre otros centros.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Fue así como identificó que “Un millón de amigos” de <strong>Roberto Carlos</strong>, “La vaca blanca” popularizada por <strong>Los de Colombia</strong>, la banda sonora de <strong>Wendy Carlos</strong> para La Naranja Mecánica o el concierto de Aranjuez, eran algunas de las piezas que acompañaban las sesiones de tortura.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<em>Los detenidos con los que he
conversado admiten que escuchar estas canciones produce en ellos
reacciones muy viscerales, sobre todo porque durante las torturas eran
repetidas constantemente.</em><em> Muchos declaran que la música les impedía pensar, reaccionar o los confundía</em>”, asegura Chornik. No obstante, para la investigadora existe poca claridad sobre la premeditación en el uso de estas obras. <a href="http://www.bbc.co.uk/mundo/noticias/2013/09/130903_chile_musica_tortura_crz.shtml" target="_blank">Las entrevistas con los presos, además de la conversación con un agente de la DINA-a quien llama por el seudónimo “González-</a>, no le permiten concluir que todas fuesen especialmente seleccionadas para torturar. “<em>La mayoría de las canciones eran éxitos del momento, lo que me lleva a pensar que había una selección ecléctica</em>”, supone. Pero para Chornik el relato de las víctimas confirma la macabra realidad del cautiverio. “<em>Se
sabe que había determinadas canciones como “Gigi, el amoroso” (de la
cantante italo francesa Dalida) que se tocaban bastante seguidas en
Villa Grimaldi. Uno de los testimonios recogidos en mi investigación
recuerda que antes de las torturas, los agentes les decían a los presos
“ya viene Gigi, el amoroso”</em>”, afirma.</div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>CANCIONERO DE RESISTENCIA</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El recién pasado 11 de septiembre, un
grupo compuesto por quince sobrevivientes, familiares y amigos de
detenidos en dictadura se reunieron en Villa Grimaldi para cantar.
Juntos entonaron el clásico mexicano “No volveré”, el “Candombe para
José” y la balada “Palabras para Julia”. Con esta intervención, los
participantes homenajearon a las víctimas de la represión militar, pero
también recordaron el cancionero que interpretaba el coro de mujeres
formado en Tres Álamos en 1976.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Según <strong>Anita Jiménez</strong>
–detenida en este recinto, profesora de música y líder del coro de la
época- gracias a estas canciones las detenidas podían compartir un breve
instante de comunión y respirar al aire libre en el patio del lugar. El
coro llegó a congregar a más de 100 detenidas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<em>En Tres Álamos siempre cantábamos,
porque era una forma de resistencia y de rebeldía. Por su puesto, todas
las canciones eran revisadas por los agentes, ya que no podíamos cantar
cualquier cosa. Y cantábamos para recibir a las prisioneras que
llegaban, para acompañar a las que se llevaban a los interrogatorios, y
para despedir a las que salían en libertad, sin importar las destrezas
vocales que se tuvieran</em>”, recuerda Anita sobre esta práctica que se conserva en su memoria después de más de tres décadas.</div>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="http://www.elciudadano.cl/wp-content/uploads/2013/09/KATIA-CHORNIK-01.jpg" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img alt="" class="alignright size-medium wp-image-83271" height="263" src="http://www.elciudadano.cl/wp-content/uploads/2013/09/KATIA-CHORNIK-01-364x300.jpg" title="KATIA CHORNIK 01" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Katia Chornik <br />
<span style="font-size: xx-small;">Foto: Universidad Alberto Hurtado</span></td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El testimonio de Anita Jota –como es
conocida por sus compañeras- es uno de los tantos recogidos por Katia
Chornik para las investigaciones realizadas para la BBC. Apartir de
estos relatos, la musicóloga ha concluido que la interacción de los
prisioneros a partir del canto les entregaba una oportunidad de cohesión
y de ánimo de superación. “<em>A diferencia del recuerdo de los
prisioneros sobre la música utilizada en sesiones de tortura o
interrogatorios, las escenas de canto o composición son rememoradas como
algo muy noble, positivo, que les ayudaba a superar la traumática
realidad del día a día</em>”, dice Chornik.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Además del canto, la composición al
interior de los centros dela DINAtambién es parte del paisaje sonoro que
Chornik busca rearmar. Aparte del poema de Víctor Jara recuperado por
cantantes luego de conocido su asesinato, la académica reconoce el
trabajo del cantautor <strong>Sergio Vesely</strong>, quien comenzó a componer en Puchuncaví o la conocida obra “La pasión según San Juan, Oratorio de Navidad” compuesta por <strong>Ángel Parra</strong> en Chacabuco.</div>
<div style="text-align: justify;">
<strong><br /></strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<strong>CONTRA EL TIEMPO</strong></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Cuando Anita Jota recuerda detalles del
coro de presas de Tres Álamos en su memoria aparecen las escenas que
compartió con aquel grupo de mujeres que no superaba los treinta años de
edad. Anita sabe que este recuerdo no sobrevivirá por mucho tiempo.</div>
<div style="text-align: justify;">
Katia
Chornik también es consciente de la necesidad de
recuperar estas historias lo antes posible. Su actual proyecto de
investigación “Sonidos de la memoria: Música y presidio político en el
Chile de Pinochet” busca superar el paso del tiempo, incorporando en los
relatos la voz de los agentes represores.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
“<em>Este nuevo proyecto se basa
principalmente en entrevistas con las víctimas pero además incorpora
otro tipo de fuentes, incluidos ex funcionarios de la DINA y CNI,
profesionales del Comité Pro Paz, la Vicaría de la Solidaridad y las
comisiones Valech, y especialistas en atención de salud mental para
víctimas de violaciones a los Derechos Humanos. No sé si eso es algo que
podría haber hecho hace diez años atrás. Hoy, después de cuarenta años,
la gente está más dispuesta a hablar y yo también me siento más
competente para continuar con esta investigación</em>”, dice.</div>
<div style="text-align: justify;">
<em><br /></em></div>
<div style="text-align: justify;">
<em>“</em><em>Esta es una tarea que está
abierta a todos los que se quieran sumar. Es de esperar que más
musicólogos, periodistas o sociólogos que estén interesados por la
música lo tomen. Lo más importante es centrarse en el qué; en qué pasó</em><em>. </em><em>Hay material muy valioso que aún se puede recolectar</em><em>”, concluye.</em></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Respecto a los próximos pasos de su
investigación, Chornik destaca la importancia de difundir el material
recopilado a través de la creación de una base de datos en línea con las
canciones que se cantaban o escuchaban en los presidios, incluyendo
testimonios de las víctimas para cada obra.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<a href="http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/specials/2005/canto_cautivo/"><span style="color: red;"><b>Parte del trabajo de Katia Chornik para BBC Mundo estádisponible aquí.</b></span></a></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
Publicado en <a href="http://www.elciudadano.cl/2013/09/24/83268/despues-hay-silencio-la-experiencia-musical-en-los-centros-de-detencion-durante-la-dictadura/">El Ciudadano</a> (versión digital).</blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-5070103808914125372013-09-18T10:21:00.000-03:002013-09-24T22:35:20.446-03:00La épica pobre de Corderolobo<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_pn2Z3FgiHkpbEjTA1NTGeK8AlmbjhvHSGRIp6ZV0mO_LtT64jEgCq4qwQKt-j1Z6nKY1nVrDLOVGlg5t2f22ZGfkjQ-z3zX5Wz0E-ocs53dPFtoLJcg9wcwr0lRaVgUoUMuy/s1600/cordero02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="325" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_pn2Z3FgiHkpbEjTA1NTGeK8AlmbjhvHSGRIp6ZV0mO_LtT64jEgCq4qwQKt-j1Z6nKY1nVrDLOVGlg5t2f22ZGfkjQ-z3zX5Wz0E-ocs53dPFtoLJcg9wcwr0lRaVgUoUMuy/s400/cordero02.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="text-align: justify;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<i>No es un músico profesional, tampoco es un escritor, lo suyo no es la
ilustración y dentro de sus planes no está alcanzar la popularidad. Sin embargo, <b>Carlos Vargas</b> se da el tiempo de responder esta entrevista como una
estrella del pop, escribe canciones hace años y ha editado dos discos que se
disfrutan como un libro de cuentos e ilustraciones. Así es <b>Corderolobo</b>, su proyecto multiforme en el que combina literatura,
música y un incombustible afán por la
creación.<o:p></o:p></i></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Cuesta saber qué o quién se
esconde detrás de <b>Corderolobo</b>, pero
no porque se nos oculte información. El
entrevistado, sabemos, es <b>Carlos Vargas</b>,
ingeniero civil industrial de profesión, ex Yupisatam, y autor de los discos de
pop inclasificable <b>“Desastres naturales
y mañana en la mañana”</b> (2013) y <b>“Corderolobo”</b>
(2011). </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pero la historia no es tan
simple. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Vargas no se siente cómodo con la
figura de solista, ni sus discos responden al formato tradicional. Ambas
producciones han contado con la participación de diversos invitados y se han
publicado como libros ilustrados por <b>Ricardo
Villavicencio</b>. Además, su última placa recoge diez cuentos escritos, entre otros, por <b>Gonzalo Planet</b> (Matorral) o <b>Rodrigo
Jarque</b> (Inverness).</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Es muy interesante que en tu último disco cada canción esté acompañada
por un relato breve. Da la impresión que cada canción se puede leer también.
¿Cómo fue que llegaste a esa idea?<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Alguien importante en esta
historia es Ricardo Villavicencio, último baterista de Yupisatam e ilustrador
del material que acompaña a los discos. Villavicencio es un integrante más de
Corderolobo y junto a él me cuestioné qué hacer para “Desastres naturales…”. En algún momento pensamos en hacer un vinilo
y quizá incorporar una especie de afiche, pero igual llegamos al libro de
nuevo, aunque siempre pensando en que no queríamos repetir la misma fórmula del
primer álbum. Así tomé la decisión de sumar cuentos, básicamente porque me
gustan los cuentos, y Ricardo enganchó al tiro sumando las imágenes. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>“Desastres naturales…” podría ser un libro, pero no es autónomo, se
completa con el disco. No podrían ser independientes lo uno de lo otro.<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Teníamos la duda de cómo hacer
que el libro no pareciera un adorno del disco, porque pensamos que libro y
disco son un conjunto. A nuestro juicio no es una opción pensar las canciones
solas. Y la verdad es que mirándolo así
hay una cuota de pretensión que en algún momento me hizo dudar, pero tampoco me
puedo hacer cargo de que este trabajo sea mirado como algo pretencioso. Para
bien o para mal, “Desastres naturales…”está pensado como un todo. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Es como leer una canción, escuchar una canción y mirar una canción.<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
De hecho, los cuentos están
pensados a raíz de las canciones. A algunas de las personas que invité a
escribir las conocía, a otras no tanto, y no les mandé las canciones terminadas,
sino que sólo las letras, para que ellos eligieran la letra que les gustaran y
luego escucharan las canciones. Coincidió que todos eligieron canciones
diferentes para escribir los relatos. Y la relación entre los cuentos y la
letra era responsabilidad de cada autor. Luego las ilustraciones se hicieron en
base a la música. Y el resultado fue
bien impresionante. Algunos cuentos son casi antagonistas de las cancións. Por
ejemplo, “Gente que se convierte en fuegos artificiales”, es una canción
totalmente diferente al cuento. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Esa forma de experimentar el disco es bien compleja, incluso si se
piensa en términos comerciales. ¿Nunca consideraste hacer algo más simple para
que el público lo recibiera más fácilmente?<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Es que no pretendo para nada
desestabilizar la industria o algo parecido con este disco. Hay que pensar que
estamos en el año 2013. Yo no tengo contratos por disco, no tengo obligaciones
comerciales, así que hago uso de esa libertad. Ahora, hacer un trabajo así es
mucha pega. Se podría decir que soy un experto en meterme en problemas, pero lo
veo como una inversión. Vivo para esto, y no lo digo desde un punto de vista
artístico, sino que creo que tengo una deformación: no sabría cómo hacer las
cosas de otra manera. Organizar todo es un dilema, es verdad, siempre se está
en el medio de un ensayo error, pero en comparación a mi primer disco, siento
que esta vez todo se logró de mejor
manera. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>¿Pero dónde queda la ambición de avanzar en niveles de producción y
alcance de público?<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Pienso que todo esto de las
canciones, los cuentos, las ilustraciones, se podrían hacer en mi casa, para
callado, subiéndolo a internet y listo.
Lo que viene después es lo que me complica, considerando los temas de promoción,
difusión, etc. No sé si fue Gepe u otro
que dijo que las bandas de ahora eran
una mezcla de diseño o marketing. Eso es verdad. Y sobre la ambición… No lo sé,
no estoy tan seguro de querer llegar a más gente, por ejemplo. Quizá soy un
poco auto flagelante a la hora de hacer las cosas y siempre estoy con pudor
sobre lo que estoy haciendo. Lo otro es muy relativo, porque además ya tengo 34
años y no sé si mis expectativas apuntan hacia esas cosas. Si no llegara
a pasar el conseguir más popularidad o avanzar en esto, siento que no
perdería nada, porque no tengo el ego puesto en eso. Y no se trata de pensar
que lo mío es de élite, para nada; sé
que existe algo de vanidad en todo esto, por algo me subo a un escenario, y sin
ser muy esotérico, lo que me gusta más es ese <i>feedback</i> de energía. Además yo tengo un trabajo de oficina, diario,
que no sé si dejaría. A ver…tampoco se trata de tener un trabajo normal y
además ser Corderolobo. No es que tenga dos personalidades o que esto sea un
personaje. Ambas cosas son un trabajo y ambas cosas trato de hacerlas con
gusto. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b>Leyendo canciones<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>¿En comparación a tu disco anterior, cómo crees que ha evolucionado tu
perspectiva sobre el formato canción?<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Creo que he tenido una evolución
estilística respecto a la canción, sobre todo componiendo, que es lo que más me
acerca a la música. Creo que antes no tenía mucha conciencia sobre las letras,
todo era más emocional. Pero con “Desastres naturales…” llegué a canciones con
las que consigo algo más gráfico, algo más de imágenes. Por eso creo que es un
disco más épico. Aunque épico pobre, quizá, porque veía las canciones como
pequeñas operas. “Volcanes y lagos”, por ejemplo, es una canción que me
imaginaba gráficamente. Todo es más visual en este disco, de ahí la importancia
de las ilustraciones.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>¿Y en el caso de las temáticas que abordas en las canciones?<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Durante este período entre un
disco y otro también me han pasado cosas súper raras. Tuve una hija y me
detectaron una enfermedad autoinmune, además de otros problemas de amigos. Pasé
de ser un tipo normal a un hombre que se tienen que sacar sangre día por medio.
De un minuto a otro mi sistema inmune se desconfiguró y cagué. Pero el disco no
se trata de eso. El disco no se trata de
mí, no se trata de los problemas que me han pasado, sino que se trata de lo que
provocan algunos hechos en la vida.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Pero la mayoría de esas
canciones hablan de escenas o de situaciones más bien personales, son bien
fragmentadas. ¿En qué punto crees que tus canciones superaran esa anécdota
personal para hablar de algo más general, social o político?<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Es que pienso que “Desastres
naturales…” no es un disco hecho viendo las noticias, como se decía hace un
tiempo del disco de Ases Falsos. Por supuesto que me interesa hablar de la
sociedad, pero no de lo que salió ayer en las noticias, porque evidentemente
las noticias son parte de una mierda que es muy obvia. Lo peor de todo no es el
Presidente, ni Longueira, ni Chilevisión. No es que vivamos en un modelo de
consumismo, vivimos en una sociedad de consumismo, en la que la música está
metida a full, tanto como la salud, la educación o todo. En Chile la música está concebida como parte
del entretenimiento y no como parte de la cultura. Y me parece que en general
los músicos están tratando de conseguir una validación institucional que no me llama
la atención. Por eso prefiero dedicarme
a publicar un disco que parece libro o a
componer las canciones que compongo,
porque ahí se refleja una forma particular de mirar la vida. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b>Parece que el músico al final siempre está en esa frontera a la hora de
pensar en la canción y la política. Como si
tuviese una responsabilidad a la hora de publicar un disco: no hablar de
nada o intentar hablar de todo.<o:p></o:p></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Por mi parte me sitúo en un
rincón más raro. No en el grupo de músicos que sólo habla de música, ni en otro
que está mirando las noticias para escribir canciones. Creo que tengo más
rollos en la cabeza, y siento que no tengo una responsabilidad. Me identifico
más con la imagen del autor que tiene visiones particulares sobre las cosas y
ese es mi aporte, porque inevitablemente se dicen cosas y se toman
posturas. Además, la obra siempre es
diferente a la persona. También es cierto que es muy difícil no dejarte
influenciar por el contexto o por la época que te tocó vivir. Pero en mi caso
me llama la atención el tema del bien y el mal, las catástrofes y las vivencias
o experiencias de cada individuo. No sé… Escribir, por ejemplo, una canción diciendo
que los de <st1:personname productid="la UDI" w:st="on">la UDI</st1:personname>
están locos es tan obvio que no puedo sentarme y escribir algo así. No sé, cuando me preguntan por qué la gente
está enojada yo no puedo responder eso, porque yo mismo soy parte de la gente.
No necesito hablar de los demás poniéndome en una posición distinta. No me
interesa la demagogia. Y creo que las personas también están súper
subestimadas. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<blockquote class="tr_bq">
Entrevista publicada en <a href="http://www.paniko.cl/2013/09/la-epica-pobre-de-corderolobo/">Paniko.cl</a></blockquote>
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<iframe frameborder="no" height="450" scrolling="no" src="https://w.soundcloud.com/player/?url=http%3A%2F%2Fapi.soundcloud.com%2Fplaylists%2F6559774" width="100%"></iframe></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-6120098154979588742013-08-27T09:50:00.000-04:002013-09-05T17:02:19.527-04:00Dënver - Fuera de campo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXoBtH_JXlhwVOj71McZ_uIvkMJ8Ley4_7M7sS2qT1s9Pq5aWzfw3Z60vgdnofsDXwh30Z4S1eOMv1t8vLovqCpB0FcOeHleCpVxA3Nqyou4PYiBdW29PO5dNVM62WGgkD8Ibb/s1600/DENVER+-+CARATULA.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXoBtH_JXlhwVOj71McZ_uIvkMJ8Ley4_7M7sS2qT1s9Pq5aWzfw3Z60vgdnofsDXwh30Z4S1eOMv1t8vLovqCpB0FcOeHleCpVxA3Nqyou4PYiBdW29PO5dNVM62WGgkD8Ibb/s400/DENVER+-+CARATULA.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Mantener una ficción que
mezcle inocencia, ambigüedad, enamoramientos y melancolía es un desafío que
<b>Dënver </b>reprueba en su tercer trabajo <b>“Fuera de campo”</b> (Independiente, 2013). Porque si anteriormente
el dúo pop formado por <b>Mariana Montenegro</b> y <b>Milton Mahan</b> había demostrado con
gracia que podía juguetear con la perversión y el romanticismo, hoy la
pareja se escucha perdida entre una producción musical irregular y un
empobrecido anecdotario, baches que terminan por opacar casi la totalidad de un
disco que debía superar a su brillante antecesor, <b>“Música, gramática, gimnasia”</b>
(Cazador, 2010). </div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Y es que la falta de un
concepto que sostenga estas diez canciones es lo que más le pesa a la dupla,
pues durante los casi cincuenta minutos de la placa las motivaciones de
Montenegro y Mahan parecen apuntar en sentidos contrarios. Es <b>Montenegro</b> quien
sobresale con madurez como protagoniza de “Las Fuerzas”, “Medio mal”
y “Medio Loca (hasta el bikini me estorba)”, tres piezas impecables, adornadas
por pertinentes orquestaciones, percusiones y sutiles decorados electrónicos,
en donde se rondan temáticas amorosas desde una perspectiva simple y directa.
Son estos momentos en los que Dënver consigue cuajar un pop cautivador, a
la altura de una banda que intenta demostrar el crecimiento de sus
composiciones y de un estilo que trata de despegarse de la fachada edulcorada
de sus primeros años. </div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Lamentablemente, el grueso del
álbum es desaprovechado por <b>Mahan </b>en canciones recargadísimas de cuerdas
y vientos como “Tu peor rival”, “Revista de gimnasia”, “Torneo local”
-recuperada del repertorio primigenio del dúo en una versión desencajada y
desechable- o la arrebatada “El árbol magnético ataca por sorpresa”. No obstante,
el cantante consigue alcanzar ciertos grados de lucidez en “Concentración de
campos” junto a Cristóbal Briceño como invitado en un emotivo dueto que se
sobrepone a la precaria base electrónica que lo sustenta y al agregado de
electricidad que lo remata. </div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Al no encajar las piezas,
<b>“Fuera de campo”</b> no sólo se escucha como un pastiche de la caricatura de Dënver
–esa banda obsesionada con lo deportivo y erótico (“Revista de gimnasia”), que
no tiene pudor de sonar españolada
(“Profundidad de campo”) y que se puede acercar a lo siniestro si se lo propone
(“Mejor más allá)-, sino también como un disco sin grandes direcciones y sin
ideas. Y el agotamiento prematuro de éstas, en una banda tan joven, es un
síntoma muy poco auspicioso. </div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
Esta crítica fue publicada en "El Ciudadano" impreso, agosto 2013.</blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-45322093281143316142013-08-27T09:46:00.000-04:002013-08-27T09:50:25.767-04:00 Ivo Vidal - Trabajos para combatir la dislalia<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc5N2DeBDchzaxdes0fliSTxyImMEAOJ3HmOD9K8tdRRViSAp0ZCAjtDZIyde0VLR6ssX04FPNWz4UqLnm0YY7rYqdLYvjKsxnJhZpqd2Wa4e5dw8nx1aX2my0lqLqB6SLQgGw/s1600/IVO+VIDAL+-+Caratula.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc5N2DeBDchzaxdes0fliSTxyImMEAOJ3HmOD9K8tdRRViSAp0ZCAjtDZIyde0VLR6ssX04FPNWz4UqLnm0YY7rYqdLYvjKsxnJhZpqd2Wa4e5dw8nx1aX2my0lqLqB6SLQgGw/s400/IVO+VIDAL+-+Caratula.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Catalogar este trabajo como un
disco conceptual, o siquiera denominarlo <i>disco</i>, no sería preciso.
Inclinarse por ubicarlo en el plano preformativo podría ser más útil, pero
tampoco lograría definir con precisión lo realizado por el artista <b>Ivo Vidal </b>en
esta híbrida producción. <b>“Trabajos para combatir la dislalia”</b> (Michita Rex, 2013) más bien se
percibe en tanto pieza de intervención y registro, en la que el autor explora
los límites de la manipulación de su voz, y en la que palpita un abrumador
cuestionamiento sobre la norma y el control.</div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Tomando como referente los
ejercicios pedagógicos que intentan superar la errática pronunciación de
fonemas (dislalia), <b>Ivo Vidal</b> recita fábulas y repite sonidos del
lenguaje hablado (/l/, /r/, /s/, entre otros) para ejemplificar la correcta
pronunciación de las palabras. Al hacerlo, aparece la voz como único soporte
para la expresión del mensaje; no hay aquí instrumentación ni acompañamientos
que puedan nutrir la narración de Vidal, salvo la utilización de sonido
ambiente y algún ajuste digital de ecos y efectos. Es el autor el que cubre
todos los espacios de la obra en un ejercicio vocal hipnótico y que se sostiene
por casi cuarenta minutos.</div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Correr el riesgo de presentar
una grabación desnuda no tendría sentido si no se considera esta entrega como
una relectura de las tradicionales herramientas correctivas en la enseñanza
temprana, con Vidal interpretando al agente formativo en los ocho títulos que
dar cuerpo al disco/libro. En ese rol, expresa una interesante alteración
de un instructivo “pedagógico”, dispositivo que apunta al disciplinamiento del
lenguaje, y por ende, de la identidad. Y al recitarlo, grabarlo y manipularlo,
el artista da cuenta del reverso sádico de la instrucción. </div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
Por todo lo anterior,
<b>“Trabajos…”</b> es un caso aislado en el panorama actual de publicaciones
musicales o sonoras. Una expresión más que nos recuerda que la canción que
enfrenta al poder, la que se podría calificar como canción política,
actualmente está sucediendo en los márgenes y a través de la experimentación.</div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
Esta crítica fue publicada en "El Ciudadano" impreso, agosto 2013</blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-25348077020802549002013-06-21T15:28:00.001-04:002013-06-21T15:28:37.188-04:00La Bella Violencia - Pedida<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfhtDRf_QSFrdLrJK4ycJtQUJuF1IQoEU0iPjaU5PVlUCcaP9Yz0aebc731ylDGQ-DvWBpDi-NC8ajvimEZXDkJfFaj5GvV1Qv9rcRDuDlhmdjz7Udq_Bg9rhbYr2XyMxu4eRa/s1600/portada+i%C3%B1aki+pn080large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfhtDRf_QSFrdLrJK4ycJtQUJuF1IQoEU0iPjaU5PVlUCcaP9Yz0aebc731ylDGQ-DvWBpDi-NC8ajvimEZXDkJfFaj5GvV1Qv9rcRDuDlhmdjz7Udq_Bg9rhbYr2XyMxu4eRa/s320/portada+i%C3%B1aki+pn080large.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";"><br /></span></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Arial","sans-serif";">Dos
piezas sonoras </span><span lang="ES-MX" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-MX; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;">le bastan al músico y artista visual <b>Iñaki Muñoz</b> para volver a remecer
al oyente. El autor, que ya había demostrado sus capacidades bajo el seudónimo
Universo Error de Ahorcarte y el estremecedor trabajo de 2011 para el
sello nacional Jacobino Discos,
“Observatorio/Colmillos/Garras/Caparazones/Pelaje/Manchas/Trinchera y
Melancolía”, regresa con un nuevo seudónimo, <b>La Bella Violencia</b>, y el
disco <b>“Pedida”</b> (Pueblo Nuevo, 2013), obra que sigue la línea de la
experimentación electrónica del anterior trabajo de Muñoz, pero que desde un
ángulo aún más cerrado logra detonar un intenso vórtice sonoro. </span><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-MX; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;"><b>“El Jardín de las
bicicletas incorregibles”</b> y <b>“Error existen varias copias del efecto” </b>son las canciones
que sostienen a esta producción en poco menos de media hora. Ambas parecen
registros opuestos; mientras la primera se nutre de la grabación de los sonidos
que genera una bicicleta en mal estado, la segunda ahonda en las alarmas de
errores<i> </i>de Windows. Sin embargo, la reproducción de escenas mundanas –el
mal estado de un vehículo cualquiera y las fallas de un sistema operativo
tradicional- adquieren un carácter nuevo bajo la lupa de La Bella Violencia.
Como si se tratara de una disección, Muñoz desenreda sampleos de cadenas,
pedales y alertas computacionales, pero también añade improvisación y
secuencias en un ejercicio de composición particular de <i>ambient</i>.</span><span style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-MX; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;">Pero el impacto auditivo de
<b><a href="http://www.pueblonuevo.cl/pn_site/index_pn080.htm">“Pedida”</a></b> escapa a las evocaciones que pueda generar la manipulación de efectos
electrónicos. El potencial de un disco como éste radica en la construcción de
un mensaje indirecto sobre la realidad, un espejeo siempre fracturado sobre el
entorno. Así, “El jardín…” destaca desde su inicio por el dramatismo que cargan
los silencios y ruidos que se van mezclando con los samples de un objeto que en
algún segundo podemos reconocer –¿es de verdad un bicicleta?- y por la
atmósfera lúgubre que Muñoz entrega a un instante finito, irrelevante, pero que
puede poseer la carga de una abrumadora pesadilla diaria, palpitante,
omnipresente. Y por su parte, “Error existen…” supera la anécdota <i>glitch</i> para jugar con la idea de la <i>falla
</i>como defecto y también como única oportunidad de subversión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-MX; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;">Perturbador, el final del
disco invita al oyente a seguir esperando más interpretaciones sobre lo
cotidiano. Pero las pistas no llegan y la experiencia musical se completa con
la falta. Y esa es la mayor gracia de la nueva aventura de Muñoz.</span></div>
<div class="MsoNoSpacing" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-MX; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;"><br /></span></div>
<blockquote class="tr_bq">
<span lang="ES-MX" style="font-family: "Arial","sans-serif"; mso-ansi-language: ES-MX; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-CL;">Esta crítica fue publicada en El Ciudadano (impreso, junio 2013)</span></blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-78431524924466694412013-04-25T09:47:00.003-03:002013-04-25T16:37:59.587-03:00Cadenasso - Un ejercicio<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUL3ou99i606fwEgWZ_LAFORj0s8AV2yH_wvHW5DupJ3z-8yHpB3KUcGZByFkvUGqjdaNbPfbzYAGUCDEmynw7KGKbu0wjDQP0YsVAioHvIdAKSUref7GQ-hc0NBBEvNNRrYOy/s1600/image.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUL3ou99i606fwEgWZ_LAFORj0s8AV2yH_wvHW5DupJ3z-8yHpB3KUcGZByFkvUGqjdaNbPfbzYAGUCDEmynw7KGKbu0wjDQP0YsVAioHvIdAKSUref7GQ-hc0NBBEvNNRrYOy/s400/image.jpeg" width="398" /></a></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Después de sorprender con su primer registro al
margen de Matorral, “El movimiento” (2009), <b>Felipe Cadenasso</b> vuelve a abrir una
atractiva senda en su carrera en solitario con <b>“Un ejercicio”</b> (2013), placa que lo confirma como una voz particular
dentro de la precaria y desarticulada generación de cantautores nacionales que
en los últimos cinco años ha intentado –con resultados menos afortunados en
algunos casos- madurar un sonido personal. Una sólida calidad interpretativa,
sus evidentes dotes como productor, además de una original poesía, hacen de él
un ejemplo extraño, pues con una propuesta casi lúgubre es capaz de proponer un
sutil modelo de acción y cambio en el entorno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">La nutrida carta de sonidos y las escenas que
narra <b>“Un ejercicio”</b> dan cuenta de estas intensiones. Al acompañamiento de
timbales se entrelaza un agudo violín, pero también de guitarras y cantos
solemnes se cuelgan sintetizadores, cuerdas, vientos y registros de ambiente
que unifican una atmósfera ensombrecida, que supera holgadamente la etiqueta
rock. Asimismo, la densidad de estas diez canciones se reparte bien en los
versos de <b>Cadenasso</b>, quien no se espanta ante las huellas del terreno nacional
–ahí están las referencias al Metro, a Antofagasta, a <st1:personname productid="la Alameda" w:st="on">la Alameda</st1:personname>, a <st1:personname productid="la Mistral-" w:st="on">la Mistral-</st1:personname> para transitar
por la desilusión en la plegaria “<st1:personname productid="La Trampa" w:st="on">La
Trampa</st1:personname>”; jugar con el
espanto en “De improviso” o buscar nuevos lenguajes en “<st1:personname productid="La Puerta" w:st="on">La Puerta</st1:personname>”, canción en donde parece
pasmado ante la aceptada normalidad. “Ni una sola vez se les ocurrió dar un
salto en la oscuridad”, entona.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Este imaginario se concentra en dos momentos
claves del disco: “Aprendiz” y “Un ejercicio”. En la primera canción, un piano
revela a un sujeto que mira con distancia al maestro y que está dispuesto a
viajar “a donde nadie quiere ir”; mientras, en la segunda, un silbido guía la
búsqueda de esas nuevas prácticas
(siempre personales, microscópicas) que son capaces de modificar la
intimidad. Esta perspectiva se sostiene a lo largo del disco, en una reflexión
evidente sobre el peso de la racionalidad, el orden y los objetivos rutinarios
del mercado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">En consecuencia, y por lograr activar el
formato canción como un dispositivo de cuestionamiento, “Un ejercicio” es una
pieza necesaria en el panorama musical actual. Un remezón que le viene como
anillo al dedo a una generación sobre poblada de eternos adolescentes. <o:p></o:p></span><br />
<span lang="ES-MX"><br /></span>
<blockquote class="tr_bq">
<span lang="ES-MX">Esta crítica fue publicada en <a href="http://www.elciudadano.cl/">El Ciudadano</a> (impreso, abril 2013).</span></blockquote>
</div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-84273700312639919592013-03-06T12:30:00.000-03:002013-03-06T12:30:46.080-03:00Entrevista a Gustavo Álvarez Núñez, biógrafo de Daniel Melero<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span lang="ES-MX">“A Melero lo buscamos porque sabemos que nada
será igual después”<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Preguntar a quien hizo las preguntas. Así se
podría resumir cualquier intento por acercarnos al autor de una biografía. Seguir
las huellas que otro ya recorrió. Así se podría resumir también esta entrevista
a Gustavo Álvarez Núñez, periodista detrás de <b>“Ahora, antes y después”</b> (Derivas, 2012), libro que recoge la
historia del músico trasandino Daniel
Melero (1958) desde su infancia, adolescencia y diferentes etapas de su carrera
como compositor, productor y solista hasta el año 2001. Una biografía que ocupa
la primera persona para que sea Melero quien reflexiones respecto al porno, la
ciencia, se detenga en la trastienda de su obra y se divida en comentarios
sobre clásicos como Charly García o Luis Alberto Spinetta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Es también una biografía en donde Melero se
reconoce a sí mismo como un creador atípico. “<i>Mucho
más que un músico en el sentido clásico, soy un oyente que llegó a manejar
instrumentos musicales. El tiempo que otros pasaron estudiando música, yo lo
pasé oyendo discos. Más que formación diría que tengo información</i>”, declara
el autor de “Trátame suavemente” en el retrato firmado por Álvarez Núñez. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Ex director editorial de Los
Inrockuptibles, integrante de la desaparecida banda Spleen, poeta y autor del
volumen de relatos “<i>Vidas epifánicas” </i>(Mansalva),
Álvarez Núñez es seguidor de Melero desde la época en que el trasandino acaparaba
las miradas como líder de Los Encargados, y gracias a una relación que se
remonta a más de dos décadas es un
conocedor de la historia oficial de Melero, pero también de la cara menos
popular de una figura mil veces mitificada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6J8P5yxjbWYn0GN5b-giBPzLUtfiBv4nV1Vg7rdigCuPiL-MOfKbPBrJ2fvOzEmQq3DbLAw159ei9qn0-cIXSXqQFauirkkgWnTIUNzuJZlfNspg4uRm8pa9ZcqnWC8sDD3QO/s1600/ahoraantesydespues.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6J8P5yxjbWYn0GN5b-giBPzLUtfiBv4nV1Vg7rdigCuPiL-MOfKbPBrJ2fvOzEmQq3DbLAw159ei9qn0-cIXSXqQFauirkkgWnTIUNzuJZlfNspg4uRm8pa9ZcqnWC8sDD3QO/s320/ahoraantesydespues.jpg" width="205" /></a><span lang="ES-MX"> </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">“<i>Una de
las primeras entrevistas que hice en Los Inrockuptibles fue a Daniel. La
realizamos con otro colaborador de la revista, Hernán Ferreirós. Los tres la
pasamos muy bien charlando de discos, mujeres, ciencia, pornografía, televisión
y un largo etc. Así se fue dando un vínculo. Hernán le iba a armar el sitio web
a Melero -que nunca se terminó de plasmar- y ahí es donde yo encontré el
vórtice para el libro, porque Daniel quería que le escriba el texto biográfico
del sitio</i>”, recuerda Álvarez Núñez sobre el origen de <b>“Ahora, antes y después”</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">“<i>Melero
es el entrevistado que todo periodista novato desea. Te puede construir un gran
reportaje sin que vos emitas muchas palabras. Fue muy sencillo trabajar con
Daniel</i>”, admite sobre una biografía que no llegó a las tiendas hasta el año
pasado. “<i>El libro se editó después de casi
diez años en que fue concebido. Pasó por miles de avatares, como la misma
realidad argentina</i>”, resume sobre el retraso en la publicación del texto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿Qué tan complejo fue
decidir que las conversaciones con
Daniel Melero se podían transformar en una biografía? <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">No tengo en claro si es una biografía o una
autobiografía, como sugirió Rafael Cippolini en la presentación del libro.
Sabemos que habla la voz de un Daniel Melero que rememora y a veces sentencia.
En todo caso, no tuve la intención de escribir una biografía, sino trazar las
puntas del iceberg que es el pensamiento de Melero. Bucear lo más que se podía
en el modo en cómo piensa, ese fue mi objetivo. En cuanto al género como
lector, soy poco asiduo. En verdad me gusta más la ficción biográfica, la posibilidad
que tiene un escritor de usar su vida como experiencia biográfica. Por eso
escribí <i>Vidas epifánicas</i>, un libro de
relatos a partir de epifanías de músicos (desde Brian Eno y Keith Richards a
Miles Davis, y Lee “Scratch” Perry), escritores (Paulo Leminski, José
Hernández, Lucio V. Mansilla, Clarice Lispector) o actores, para sondear en
esos momentos cruciales donde alguien elige su lugar en la vida. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">La realización de un
texto biográfico implica crear una mitología de la identidad. Con esta biografía,
hasta qué punto te interesaba –o te interesa- mantener mitos, destruir o crear nuevos mitos asociados a la
figura de Melero.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Daniel dice que yo mostré la bestia que hay en
él. Que el Melero conocido estaba inequívocamente asociado a una persona con un
discurso ilustrado. Y que <b>“Ahora, Antes
y Después”</b><i> </i>vino a subvertir esa
imagen. Mi intención era mostrar un Melero más cotidiano, o por lo menos, el
que yo conocía detrás de bambalinas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En ese sentido, cómo
observas el efecto que puede tener un texto de esta naturaleza en el público,
si pensamos que veces es mejor nunca conocer tanto a los ídolos.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Algo que siempre es paradójico en cuanto a la
recepción de la obra y a la influencia de Melero, es que mucha gente es más
permeable a su discurso que a su producción musical. Y si toda biografía
muestra lugares escatológicos o peligrosamente custodiados del sujeto en
cuestión, en <b>“Ahora, Antes y Después”</b>
casi todo está puesto en la superficie. Paul Valery decía que “lo más profundo
del hombre es la piel”… No busqué ni me esmeré en husmear los típicos aspectos
biográficos, sino que me zambullí en todo lo relativo a la formación,
desarrollo y concreción de una estructura de pensamiento muy particular y
valiosa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En el texto aparece el
pensamiento de Melero fragmentado y mezclado con sus propios recuerdos
biográficos. Hasta se podría mirar como una autobiografía teórica, pero se
trata de un recurso que tú elegiste, al restarte como entrevistador. ¿Por qué decidiste apostar por desaparecer
como el biógrafo de Melero?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Tenía en la cabeza textos como <i>El libro del desasosiego</i> del poeta
Fernando Pessoa o <i>Minima moralia </i>del
filósofo Theodor Adorno. Me gustaba la idea de que el lector entre por
cualquier lugar y encuentre algo que lo colme. Que no haya raíz, ni un abajo ni
un arriba. Esto acompañaba mi visión del lugar de Melero en el rock argentino:
parece venir de ningún lugar. O es un extraterrestre, como creyeron sus
amiguitos del club cuando tenía 12 años*.<span style="color: red;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVVF1EvycmBnXa-GvTKuvlaPS13mZvkIA6wOSf0bNtZU3XtR65GNRhCkCjngcJiGzq-sNdutXsSKBBWnKMQRr_MLu0B5jeAEgDyG8zpldcPpujroaNbbU-UPB8yTqtM61Y0Z44/s1600/MELERO+Y+GUSTAVO.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVVF1EvycmBnXa-GvTKuvlaPS13mZvkIA6wOSf0bNtZU3XtR65GNRhCkCjngcJiGzq-sNdutXsSKBBWnKMQRr_MLu0B5jeAEgDyG8zpldcPpujroaNbbU-UPB8yTqtM61Y0Z44/s320/MELERO+Y+GUSTAVO.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Melero + Álvarez Núñez</td></tr>
</tbody></table>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Es muy interesante la
aclaración que haces al inicio el texto, cuando explicas que la época que
retrata el libro es pre “Vaquero”(Melero, 2001), pre “Jessico” (Babasonicos,
2001) pre tragedia Cromañón, es decir,
antes de la última crisis argentina, pero también antes de myspace y el auge de
Internet como lo conocemos. ¿Crees que estos sucesos políticos y culturales han
definido un nuevo pensamiento en Melero? Hablo de uno <i>distinto</i>; de haber cambiado, ¿existiría una suerte de “segundo
Melero” que quedaría por conocer?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">En varias oportunidades él ha insistido con que
hace falta una versión 2.0 de esta biografía. Conociéndolo, más que cambiar, ha
ahondado en sus percepciones e intuiciones. Melero es siempre de la observación
de lo mínimo; rescata cómo procede lo máximo. Ese movimiento es capital en su
abordaje de la realidad. Lo importante es su matriz que le proporciona una
sutileza única a la hora de inmiscuirse en problemáticas nuevas. En zonas donde
otros se encuentran con un lodazal, él sólo se topa con diamantes en bruto. No
creo que Melero haya cambiado en lo estructural desde que tuvimos aquellas
conversaciones a fines de los años 90, sino que ha profundizado en
conocimientos que siempre le han atraído. Antes podía ser la bioética, hoy el
mundo de los insectos. Y me parece interesante que en esas búsquedas, hay detrás
una transpolación interesante al mundo del rock. A cómo nos movemos, cómo
generamos o no cambios… <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En el prólogo del
libro, Diego Tuñón –tecladista de Babasónicos- refuerza la imagen del Melero
líder y acogedor cuando dice: “En la actualidad sabe exactamente los discos que
salen, qué bandas escuchar (…) por eso los grupos nuevos todo el tiempo
recurren a él”. Sin embargo, es Melero el que admite en el texto que es él
quien busca a los nuevos para
interactuar con ideas frescas. ¿Cómo observas tú estas figuras, la del Melero
tótem y la del Melero siempre deseoso de aprender del presente? <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">A Melero lo buscamos porque sabemos que nada
será igual después. El tipo tiene la lámpara de Aladino. Pero no esperamos que
broten nuevos objetos, sino vérnoslas con nuestros propios miedos a cambiar; o
cómo hacer de nuestras inseguridades un campo fértil para potenciar lo
desconocido. La mejor lección de Melero es como la del maestro zen: el cambio
sólo se da yendo hacia el cambio. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 36.0pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En el inicio del libro
tú declaras sobre Melero: “su música, su presencia y su discurso potenciaron
más debates y escándalos que muchos de sus colegas, proponiéndoselo, no
lograron ni por asomo”. Con eso te refieres a la dimensión política de su obra.
¿Podrías precisar más en qué sentido Melero encara el poder? ¿Según tú, en
dónde aparecen esos debates y esas manifestaciones?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Pienso en el Melero del (Festival) BARock 82,
poniendo en conflicto la idea de qué era ser rockero en ese comienzo de década:
si aceptar el paso del tiempo y las transformaciones que se habían llevado a
cabo -por eso su grupo, Los Encargados, tocaba con máquinas-, o seguir
insistiendo con la fotocopia anacrónica del rockero <i>hippón</i>. Después, acompañando a grupos que apostaban por sonidos
menos establecidos, transformándose en “vocero” de las nuevas tendencias, desde
su incursión en la producción en los años 80 y luego en los <st1:metricconverter productid="90 a" w:st="on">90 a</st1:metricconverter> su cuidada trayectoria
solista. Y llevando a Soda Stereo -en su estadía como cuarto integrante- a
redefinir su paleta sonora, rescatando influencias de los años 70 del rock
argentino con “Canción animal” (1990), o inmiscuyéndose en texturas y capas de
sonido novedosas como fue “Dynamo” (1992); corriendo así el límite de lo que se
espera de Soda. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Además, desaprovechar oportunidades comerciales
ha sido una constante en su trayectoria. No hay nada más político que desoír a
las sirenas del vil metal. Discos como “Operación escuchar” (1995), claramente
entroncan con una mirada crítica sobre el mercado, sobre cómo operar en el
mercado. Su lucha con el poder está más vinculada a la microfísica del poder
foucaultiano: inmiscuirse en luchas pequeñas y puntuales, para leer desde allí
algo mayor. En pleno auge de la música electrónica, lanza un disco como “Piano”
(1999), donde caben nada más su voz y el acompañamiento de Diego Vainer en el
piano. Esa indagación en el conflicto es propio de su lugar político en un
universo como el rock, más atento a los eslóganes y los discursos básicos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">El capítulo del libro “Las
piezas del museo” es muy interesante, porque es Melero refiriéndose a los
grandes nombres del rock argentino, criticando a unos y declarándose seguidor
de otros. ¿En donde ubicas a Melero dentro de este panorama? ¿Si no es parte
del museo, en dónde está Melero?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Melero sería la galería de arte chiquita, donde
descubrís los artistas del mañana. Nunca será un museo de cera ni pretenderá
ser una retrospectiva masiva, sino el incunable que espera su lector.<b><o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Hacia las últimas
páginas del libro aparece un Melero muy interesado en la ciencia y algo decepcionado
del arte. “El arte, como mecanismo de cambio, está agotado”, sostiene. ¿En qué
medida esa sentencia se puede vincular a su propia obra? ¿Crees que aún se
sostiene Melero como creador o su fuerza provocadora y revolucionaria de fines
de la década pasada ya desapareció? <o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Lo que me interesa del último Melero es su
desparpajo por incluirse y transmutarse en otros: el trabajo que lleva a cabo
con su grupo de los últimos tiempos, en el vínculo que tiene con Yuliano Acri,
Félix Cristiani y Tomás Barry, por ejemplo, es la de un hombre que desea seguir
investigando y poniendo en conflicto sus certezas. Además, ha logrado
convertirse en un clásico sin necesidad de ser un mármol viviente. Digo, puede
vivir y hacer del error un paso más en el insondable camino hacia la belleza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><a href="http://luchalibrola.com/wp-content/uploads/2013/03/CAPITULO01.pdf">* Descarga el primer capítulo de “Ahora, antesy después”: El mito Melero.</a><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
<a href="http://luchalibrola.com/blog/2013/03/06/gustavo-alvarez-nunez-biografo-de-daniel-melero-a-melero-lo-buscamos-porque-sabemos-que-nada-sera-igual-despues/">Esta entrevista fue publicada en LuchaLibro</a></blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-22851944948967071972013-01-18T15:27:00.001-03:002013-01-18T15:27:18.413-03:00Como asesinar a Felipes - Comenzará de nuevo<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuaRZfxMpzQdf3vjJ0zBGJZ6rp2oGDNWuvmOEsECLj8aDz7_ls7mxYdx42q7YovsIAtiREwoyk42ZpZc6XEY6q5-bWhhK5asMK_2x8tzEMmVIc-sFjyozIg0bWKsejxOCgRmum/s1600/comenzar%C3%A1-denuevo-como-asesinar-a-felipes.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="367" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuaRZfxMpzQdf3vjJ0zBGJZ6rp2oGDNWuvmOEsECLj8aDz7_ls7mxYdx42q7YovsIAtiREwoyk42ZpZc6XEY6q5-bWhhK5asMK_2x8tzEMmVIc-sFjyozIg0bWKsejxOCgRmum/s400/comenzar%C3%A1-denuevo-como-asesinar-a-felipes.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">En tiempos donde lo que se conoció –e
ingenuamente se sigue calificando- como “la nueva generación de músicos
nacionales” ya está absorbida por
festivales y mercados, <b>Como Asesinar a Felipes</b> parece una excepción a la regla
de esta estandarización. Son populares, editan con mayor regularidad que la
mayoría de sus contemporáneos y gozan reconocimiento dentro y fuera de Chile
por su particular entrega de oscuro hip hop; sin embargo, CAF ha logrado lo que
casi ninguno de sus compañeros se propuso: madurar una narrativa propia, en
donde abunda el rechazo y el
cuestionamiento. <b>“Comenzará de nuevo”</b>, la cuarta producción de la banda
en cinco años, es una buena muestra de aquello.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Recurriendo a sólo seis canciones, CAF
despliega en este disco poco más de treinta minutos marcados por la ira y la
provocación. Cada corte ronda el lema del grupo –“matar a la música linda”- y
también vuelven a aparecer los samples de películas, entrevistas o discursos
que enriquecen esa atmósfera de cine negro que ya es un clásico del quinteto.
No obstante, en esta oportunidad, la excelente mezcla de batería, bajo, piano y
electrónica se sumerge en una búsqueda por romper su propio sonido. Canciones
como “De doble filo”, “Siempre será lo mismo” o “El recurso popular más válido”
entregan nuevos aires a una banda que es conducida por un rapero –<b>Koala Contreras</b>-, pero que
sigue demostrando su inclinación por la experimentación y los márgenes del rock
al unir distorsiones con trompetas, bombo, platillos y arreglos digitales. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">También el discurso de CAF presenta sutiles
cambios. Por ejemplo, gran parte del álbum está dedicado a un debate interior. Así, las rimas de Contreras esta vez no sólo salpican a las
instituciones, sino que también ensucian el reflejo de un sujeto que se
reconoce desbordado. Resulta interesante este doble tiroteo, pues propone una necesaria
reflexión sobre el despliegue del poder,
la lucha “del hombre contra el hombre” y el lugar que ocupamos frente a la
norma. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">En consecuencia, “Comenzará de nuevo” es otra
estupenda muestra del trabajo de una de las pocas agrupaciones locales que se
olvida de la anécdota vacía sobre los
partidos políticos y el descontento. Aquí no aparecen escenas de marchas ni
reclamos, ni adultos jugando a ser jóvenes eternos, ni ladridos, ni gritos en
contra de los ricos empresarios gobernantes. Como Asesinar a Felipes sube un
poco la mirada para jugar con el lenguaje y el sonido y así inquietarnos sobre esa violencia dominante que
escapa a nuestra percepción más cotidiana y que, bajo ninguna circunstancia, es
tema de interés para los rostros musicales del último tiempo.<o:p></o:p></span></div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-22923042816348929322012-11-14T23:54:00.000-03:002012-11-14T23:58:03.462-03:00Dani Umpi: "Me interesa ser ambiguo, porque ser contradictorio con uno mismo es un lujo que poca gente se puede dar"<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwZw3QMRg68QdXj60x-NFHyEhLUO39hWh6TPzwdv3zc9uT3grgpxdtZUDUc9Q_uPKCGvWN25nLSOqLupqD4pAkkFBnWKTx3s3uaHEzP-7TorgmvPZgyFcSCFZchAhYfjnXeSug/s1600/dani+umpi+portada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwZw3QMRg68QdXj60x-NFHyEhLUO39hWh6TPzwdv3zc9uT3grgpxdtZUDUc9Q_uPKCGvWN25nLSOqLupqD4pAkkFBnWKTx3s3uaHEzP-7TorgmvPZgyFcSCFZchAhYfjnXeSug/s400/dani+umpi+portada.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
“Cantante, escritor, artista
visual y figura mediática en su país”, así comienza la biografía de <a href="http://daniumpi.bandcamp.com/">Dani Umpi</a>
en uno de sus tantos perfiles en internet. Multifacético, el uruguayo invitado a la última versión de <st1:personname productid="la Feria" w:st="on">la Feria</st1:personname> del Libro de Santiago
(FILSA) también es conocido por su desvergonzada puesta en escena, en donde no
duda en combinar tacos altos y una
camiseta de <span class="st">basquetbol</span> para adornar una fachada andrógina
y recargada. Críticas y abucheos ha recibido en latinoamérica por su inclasificable
imagen, pero también aplausos gracias a
sus discos de pop “Perfecto”
(2005) y “Mormazo” (2011) y sus novelas “Aún soltera” (2003) o “Miss Tacuarembó” (2004), cuya versión
cinematográfica protagonizada por Natalia Oreiro se estrenó hace dos años.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
En su recorrido por la capital,
Dani Umpi ejerció su doble militancia: como escritor y cantante, el autor promocionó su última novela “Un poquito
tarada” –que espera editar prontamente en Chile- y su nuevo EP, “Piano - Vol.I”, en donde
repasa alguno de sus clásicos e incluso cuenta con la colaboración del cantante
nacional Gepe.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Este nuevo disco
recuerda un poco la idea de “Piano” de Daniel Melero, que es un gran referente.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Sí, gracias, aunque la comparación me queda un
poco grande, jeje. La idea del disco
surgió el verano pasado, que fui a tocar a la playa <st1:personname productid="la Pedrera" w:st="on">la Pedrera</st1:personname> en Uruguay, pero
viajé sin mi colaborador de siempre, el guitarrista Adrián Soiza con quien ya
había publicado un disco de versiones en guitarra, llamado “Dramática” (2009).
En fin, pasó que para hacer los shows me acompañó el novio de una amiga que
toca el piano, Álvaro Sánchez. Nos presentamos, y en seguida nos hicieron un
montón de fechas. Le pusimos “Dani Umpi Piano” a ese tipo de presentaciones y
después hicimos el disco, que grabamos en una sola toma, haciendo una especie
de falso en vivo. Después lo pusimos en <a href="http://daniumpi.bandcamp.com/album/piano-vol-i">bandcamp</a> y se bajó un montón de veces. Creo que el
piano es re diferente a la guitarra, y aunque con los dos instrumentos me
siento muy intérprete, en este caso es distinto porque todas las canciones son
mías, salvo un cover de Carla Morrison. En el disco también está Gepe en la
canción “Patas para arriba”. Justo él fue
a cantar a Montevideo en la época en yo estaba grabando el disco, así que lo
invité a grabar y quedó. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En tu disco “Mormazo”
colaboraste con Wendy Sulca, ¿imposible invitarla a este nuevo proyecto de versiones?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Es que la grabación de este disco fue muy
espontánea, no fue tan planeado. Pero claro, de haber podido lo hacíamos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Es interesante la
defensa que haces de Wendy Sulca como artista. Por ejemplo en Chile, cuando la
invitan a tocar, siempre la invitan a fiestas kitsch, y me parece que detrás de
esa etiqueta lo que hay es una gran
discriminación. Al final se la mira como un chiste y no como una figura con
talento. ¿Qué opinas de eso?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">El fenómeno de Wendy Sulca desde un principio
me cautivó mucho, porque es muy complejo. Creo que es un detonador de
prejuicios musicales y raciales de la
sociedad. Si se quiere, por ejemplo, <st1:personname productid="La Tigresa" w:st="on">La Tigresa</st1:personname> del Oriente parte
desde un lugar más humorístico, pero Wendy Sulca es una artista que proviene de
una tradición folclórica, y que responde a una historia antiquísima que va
evolucionando. Por eso me parece que el
fenómeno en torno a ella habla de todos los prejuicios que tiene la gente y
cómo se maneja lo exótico y la ignorancia que se tiene hacia otras culturas, pues
las burlas a Wendy son básicamente tres: su tono de voz, lo racial cuando la
llaman “monito”, y la última que es cultural, cuando se ríen de canciones como “<st1:personname productid="La Tetita" w:st="on">La Tetita</st1:personname>”, que habla de
amamantar. Y me parece que no se ha reflexionado mucho sobre esto, y lo más
curioso es que quienes tienen las
capacidades para hacerlo, como los periodistas que están formados para desarrollar
otras lecturas, no lo hacen. Se opta por la burla, y en mi caso, un personaje
como Wendy Sulca me interesa mucho, porque yo siempre estoy adoptando el
personaje del bufón. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿Hasta qué punto tuviste que enfrentar ese tipo de
discriminaciones, considerando que la opinión más inmediata no es aceptarte
como una propuesta artística válida, sino como el tipo raro?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Desde el primer día que subí a cantar supe que
quería ser una entidad o una construcción icónica que tuviera en cuenta ese
factor: ser un freak, un bufón. Eso me permitió tomar distancia, observar y
detectar las críticas, y me siento muy orgulloso de contar con esas críticas,
como cuando dicen que no canto bien o cuando dicen que es todo sobreactuado.
Eso es obvio, porque es un producto camp. Lo más interesante es que lo dice
gente preparada, gente que sabe. De hecho tengo un archivo de críticas de
discos, muchas de ellas de diarios o medios re progres que se cuestionan por
qué enfatizo tanto lo marica, que por qué tengo esa necesidad. Finalmente creo
que es una postura política presentarme así, porque es una propuesta muy
fronteriza, y no es que eso sea un riesgo, sino que esos son los objetivos: lograr
que no se sepa donde ubicarme, si está bueno o si está malo. Además, qué sé yo,
pensá que hace poco abrí el show de
Junior Boys y también canto con grupos de cumbia, entonces bueno, cuesta
ubicarme…<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="300" src="http://www.youtube.com/embed/2Nkfy1Z0rpo" width="470"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Respecto a tu forma de
trabajar llama la atención que a la hora
de publicar tus discos no existe una continuidad temporal clara. ¿Qué hay con
los tiempos? ¿Cómo manejas ese factor?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Soy muy caprichoso y también hago muchas cosas
a la vez, porque también escribo y tengo que vivir y alimentarme. Pero con la
música pasó que “Perfecto” se editó en 2005 en Uruguay y al año siguiente en
Argentina, pero dos años después en México, entonces me demoré en publicar algo
nuevo porque tuve que hacer promoción. Igual con eso no me fue muy bien,
jejeje, porque en México habían varios sellos interesados en editarlo, y yo al
ser tan pueblerino opté por el más grande, EMI.
Y bueno, no me daba cuenta que estaba en el medio de cientos de artistas.
No era prioridad y si quería moverlo tenía que hacerlo yo mismo y estando en
Uruguay todo es más difícil. Igual en esa época fui descubriendo cómo era el
mundo de la música, porque yo nunca tuve un plan o un sueño de ser cantante. Yo
vengo del mundillo del arte, nunca se me había ocurrido hacer música. Con el
tiempo empecé a hacer mis propias canciones, y yo no toco instrumentos. Sólo
las hacía como una señora, mientras limpiaba, con mi voz. Todo era melodía de
mi voz y todo fue muy rápido. Y hasta ahora siempre siento que estoy empezando
de cero. A la vez, el producto que hago era re raro y bueno, hasta ahora no sé
cómo manejarlo. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Eso es con la forma en que encaro el tiempo. Aunque
bueno, también tengo que trabajar. De hecho recién ahora, desde hace poco más
de un año, vivo de lo que hago. Antes hacía mil cosas; tenía un programa de
radio, escribía en revistas con seudónimo o sin seudónimo, trabajé en una casa de cambio, repartía volantes,
también pasaba música cada tanto, qué sé yo, hice un montón de trabajos. Y por
eso, al no tener dinero dependo de un sello, o en el caso de los libros, de una
editorial que me publique. Yo no puedo solo,
siempre tiene que haber alguien que esté convencido de lo que yo hago.
Nunca me autofinancié y por eso defiendo la industria y me jacto de eso un
poco, porque me costó mucho. No puedo ser tan independiente, porque eso es el
doble de trabajo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Esa defensa de la
industria es medio difícil de escuchar entre los artistas actuales. Parece un
poco anticuada.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Sí, pero yo no puedo autogestionarme. Es decir,
claro que lo hago, pero tengo varias carencias, y la primera es económica,
porque no puedo hacer nada por mi cuenta; ni grabarme, ni publicar, no tengo
los medios para hacerlo. Y después tengo
otra traba, que es que no sé relacionarme mucho, siempre dependo de un manager
o de alguien. No soy tan experto en mis relaciones públicas y mucho menos en
conseguirme los shows. ¿Y armarme los discos? ¡No tengo ni idea! Por eso
dependo de una infraestructura que me pueda potenciar, porque a la vez también
quiero crecer. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Viniste a FILSA
justamente a hablar de la relación entre música y literatura. ¿Cuál es tu
opinión sobre el posible vínculo entre ambas expresiones?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">La verdad es que durante estos últimos días lo
estuve pensando, porque nunca antes había reflexionado lo suficiente sobre esto. Siempre
para mí fueron cosas diferentes, pese a que una canción se puede pensar como un
relato. No le encontraba mucho el link, pero si me pongo a pensar hay algo en
la estructura de una novela que puede ser parecida a la de una canción en el
sentido del ritmo. También siempre estoy leyendo en voz alta, me fijo mucho en
el sonido de lo que escribo, y ahí hay algo musical, porque de acuerdo a cómo
suena lo voy modificando. Y ni que hablar de cuando hago una novela: lo que más
me fascina es el tono de los personajes. Pero ahora, estos días en Santiago,
pensé lo siguiente: a mí me gusta la numerología y ahora estoy muy interesado
en la cábala, en donde las letras están muy asociadas a los números y a los
sonidos. Y como me gusta la numerología me fijo mucho en los números y me guío
mucho por los principios herméticos, y en el caso de mis novelas, ocupo algunos
criterios numerológicos. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Por ejemplo, mi última novela, “Un poquito tarada”, tiene
33 capítulos, y el 33 es un número maestro igual que el 22 y el 11. Entonces en
mi cabeza, los capítulos 33, 22 y 11 son los fundamentales. Y de alguna manera,
pensar en números es pensar en ritmos, porque la música es matemáticas, y yo amo
a Pitágoras, siempre lo estoy leyendo, y Pitágoras fue el primero que asoció
los números con la música y la proporción de los movimientos de los planetas,
que a su vez, equivalían a notas musicales…Y así, a la hora de escribir pienso mucho en la
estructura, no es que me baje una musa inspiradora, sino que pienso de qué voy
a hablar de cada capítulo y esa estructura es como una música, y cuando hago
canciones, sigo una estructura que es pop y la estructura del pop es bastante
rígida. Justamente, esa rigidez me da mucha libertad y por eso mis canciones
son muy de historias y quizá es por eso me seduce tanto el formato pop. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">También me gusta mucho lo simbólico y creo que
lo simbólico siempre atraviesa lo estético, entonces, por más que yo haga un
trabajo muy estético y muy a nivel de superficie, en realidad siempre estoy
mucho más preocupado por lo simbólico y por eso me interesan tanto las
tradiciones como la cábala. No sé, me gustan y trabajo mucho desde ahí. Por
ejemplo siempre ocupo mucho la figura de la androginia, y la despolarización,
aunque recién ahora estoy saliendo de ese closet y lo puedo decir más
abiertamente. Antes me daba pudor porque ya era demasiado para mi propuesta que
es muy exagerada, jeje, y además creo que uno puede hablar de estas cosas sólo cuando
sabe mucho y en mi caso ni siquiera soy un aprendiz. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Siguiendo con la
relación entre música y literatura, en 2009 hiciste un musical, “Nena no robarás”.
¿Cómo fue esa experiencia?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Me encantan los musicales y creo que hacer
musicales es en donde más cerca he estado de trabajar música y literatura al
mismo tiempo. Primero hice “Nena no robaras” en 2009, que fue una comedia muy
clásica, toda cantada y con todo los clichés. Después, este año hice “Marta, la
musical” que fue un proyecto re extraño, medio musical, medio performance,
medio reality, muy raro, pero fue el que
más me gustó porque quedó en algo muy inclasificable. Creo que es una de las
cosas más interesantes que hice y también
la más personal. Estuve trabajando como tres meses en ese proyecto y durante
ese tiempo cambié mucho mi proceso de creación. Además me cuesta mucho trabajar
con otras personas, y también logré pasar esa barrera con este musical. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En todos estos casos,
tanto en los libros como en tus discos,
el tema del amor está muy presente. ¿Por qué siempre hablas de esto y no de
otros motivos?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Más que el amor me interesa el discurso
amoroso, como Roland Barthes en su libro “Fragmentos de un discurso amoroso”,
que es lo más, es mi libro favorito. Pero personalmente, mis historias de amor
no son interesantes. De hecho ahora no
es algo que me mueva porque siempre voy a tener otros problemas que resolver,
jejeje. Sin embargo, cuando escribo me interesa el amor, porque lo veo como
discurso y estructura artificiosa, y a veces lo tengo demasiado idealizado,
pero a nivel artístico. En mi vida personal, no tanto. No sé, a veces mis
amigas se enojan porque les copio todo lo que ellas dicen, jejeje y después
hago libros o canciones, pero no son cosas que me pasen mucho. Qué sé yo, me
encantan los teleteatros y los cuentos de mis amigas con sus novios, entonces
claro, es el imaginario del que me nutro. Después con mi psicólogo no hablo
nunca del amor, jajaja, hablo de que no me da la plata u otros temas; siempre
estoy más obsesionado con el trabajo o en otras cosas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿No sería errado
catalogar eso como algo frívolo? ¿Qué hay con la posibilidad de ampliar las
temáticas en tu obra?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Me gustan los clichés, los estereotipos y la
frivolidad como un lenguaje. Es raro, pero de alguna manera transformo eso en un
fetiche que me permite reflexionar sobre otras cosas. Y en realidad no sé si lo
amplío mucho, pero siempre acumulo mucho los clichés del amor. Por ejemplo
cuando canto, el personaje que interpreto además de ser un bufón, también cumple
con la lógica romántica. Igual creo que todo esto es re político. Ser un bufón
es algo político, manejar la figura de la androginia también es re político.
Por ejemplo, estar siempre con elementos masculinos y femeninos es evidenciar
los dos polos y eso es una cuestión hermética. Me interesa ser ambiguo, porque
ser contradictorio con uno mismo o ser difuso con la propuesta es un lujo que poca gente se puede dar. Y yo
trabajo mucho para conseguir ese lujo. Siempre quiero estar en la frontera, y
me gusta que lo que hago para algunos sea muy raro, para otros algo muy visto o que incluso para
otros no sea lo suficientemente hipster y para otros sea lo más. Eso hace que
vibre la propuesta. ¿Hablar de otros temas? Qué sé yo, me parece bien que se
haga y puedo admirar a los artistas que lo hacen, pero creo que todos esos
temas –como la pobreza, la discriminación, u otros-, ya están en mí. No lo
hablo directamente, pero hice una canción con Wendy Sulca y Fito Páez. Eso es
re político. Y no te voy a decir yo lo que tenés que interpretar, pero hacer
una canción así habla de cómo se divide la sociedad y los distintos lugares que
hay. Creo que soy redundante en otras cosas y no con los discursos políticos.
No hago una canción a los pobres, porque yo ya soy pobre, jajaja. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Ocupas bastante
Facebook, Twitter, y antes también Fotolog. ¿Cómo influyen esos formatos en tu
creación, tanto literaria como musical?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Influyen mucho, porque a veces mi contacto con
el mundo pasa por ahí, pero a la vez siento que no los aprovecho lo suficiente
porque me quedo muy a nivel de usuario. No sé, en twitter no promociono tanto
mis shows, sino que lo ocupo como un chat con mis amigos. Y eso me fascina,
porque surgen formas de escribir o frases que me gustan mucho, y como paso
mucho tiempo ahí, las voy ocupando. En mi última novela justamente el personaje
principal es una chica que se inventa a sí misma en internet y va haciendo su
vida en base a las redes sociales. Y eso es un poco lo que hago yo, jejeje. No
sé, también les debo mucho, porque si no fuera por estas plataformas no se
distribuiría mi música.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<b>Justamente en Facebook escribiste algo tras la muerte de Leonardo Favio, un clásico que logró vincular música, literatura, cine, todo al mismo tiempo. </b><br />
<b><br /></b>
Me enteré de la muerte de Leonardo Favio en Chile y me choqueó porque siempre me gustó, sobre todo su tono. A mí me encanta el melodrama y él era un maestro. Por ejemplo, la película “Nazareno Cruz y el lobo” siempre la amé, siempre me pareció lo más, lo más sublime de todo, creo que es una película muy perfecta, con todos sus discursos. Leonardo Favio respetaba los géneros populares, que a mí me encantan, y su tono era perfecto, sus imágenes también lo eran. Siempre hacía lo que se le daba la gana y yo quiero hacer lo que se me da la gana, entonces es más que un referente. Además, creo que las primeras canciones que recuerdo en mi vida, son las de él, entonces es muy fuerte su figura. Me marcó muchísimo, fue un grande. Enterarme ahora de su muerte fue…No sé…Recuerdo que siempre antes escribía en Twitter “Fuerza Leonardo!” y tal, pero ahora…Qué sé yo, otros como Sandro nunca me interesaron tanto.<b> </b><br />
<div>
<br /></div>
</div>
<span lang="ES-MX" style="font-size: 12pt;">
</span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX" style="font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>Entrevista publicada en <a href="lhttp://www.paniko.cl/2012/11/dani-umpi-un-aprendiz-en-la-frontera/">Paniko.cl</a></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX" style="font-size: 12pt;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
BONUS:</div>
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<b></b><br />
<div style="text-align: justify;">
<b><b><span lang="ES-MX">Chile</span></b></b></div>
<b>
</b><b></b>
<br />
<div style="text-align: justify;">
</div>
<b>
</b><span lang="ES-MX"></span>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">"Mi opinión sobre Chile es re fantasiosa, y por
lo mismo poco puede ver con la realidad. Por ejemplo en el caso de la música
actual, y pese a no conocer mucho el panorama chileno, en mi cabeza pienso en
un montón de músicos discutiendo. Creo que están muy preocupados de esa idea
del paraíso del pop. La imagen que tengo es esa: músicos chilenos discutiendo
sobre el paraíso del pop. Igual no sé mucho, pero ahora me impresionó un afiche
-que no sé el nombre de la banda ni nada- que era un dibujo de una loba que tenía la cara de
Violeta Parra y que en las tetas estaba mamando Chinoy. Es muy fuerte. Y para
mí eso es Chile, todos pendientes de lo que hacen otros. En Uruguay también es
así, qué sé yo, pero aquí me parece que son más pasionales; cuando son emo son
súper emo o los pokemones eran más pokemones que en Japón. Dicen que los
chilenos son fríos, pero no me parece que sean así. En términos literarios no
tengo idea, voy a la feria (FILSA), me presentan gente y no tengo ni idea
quiénes son. También supe mucho del
movimiento político del año pasado, ubico al Presidente que es de derecha y
también a Camila Vallejo. Aunque tengo más información de ella que de él".</span></div>
</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
<b><div style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Uruguay</span></b></div>
</b><span lang="ES-MX"><div style="text-align: justify;">
</div>
</span><span lang="ES-MX"><div style="text-align: justify;">
"Me ha pasado que en los últimos meses que he
viajado todos me hablan de los mismos puntos sobre Uruguay; un Presidente (José
Mujica) que vive en una chacra con un
perro y planta flores, la legalización de la marihuana -que en realidad es una
estatización de la marihuana- y la ley del aborto, que en la práctica no está
muy implementada. Son los tres temas que llaman la atención. Pero cuando vivís
en Uruguay, claro, es muy simpático y anecdótico el Presidente, pero el que
gobierna no es solamente él. Los discursos pueden ser muy buenos y simpáticos,
pero después está la realidad que la gente tiene que vivir y comer, y no es
todo tan bueno. Qué sé yo, lo de la marihuana por un momento puede ser una
solución muy buena o simple marketing, porque el plan de que el Estado produzca
los porros es tan disparatado que parece que lo hacen a propósito para que no se
haga, como para decir “lo intentamos,
pero no se pudo”. Es una idea muy difícil de conseguir, mucho más en un contexto
de política internacional. Hay que recordar que estamos en América Latina. ¿Qué
quiere decir esto, que el Estado va a plantar la marihuana, que te la va a dar?
Es un control siniestro y mucha gente que está luchando para la liberación de
la marihuana, entre los que me incluyo, no piensan muy parecido al Gobierno.
Sobre el aborto, bueno, la actitud de Mujica es mejor, pero el Presidente anterior
(Tabaré Vázquez) vetó <st1:personname productid="la Ley" w:st="on">la Ley</st1:personname>,
y eso que era de izquierda. Eso fue una de las grandes desilusiones que tuve.
Al final, todo suena muy lindo, pero es muy complicado".</div>
</span></blockquote>
<br />Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-59937727871929581782012-11-06T21:48:00.000-03:002012-11-06T21:54:22.754-03:00 Epicentro: “Si la tele miente, si el diario miente, uno no tiene que mentir. Nosotros somos nuestra prensa”.<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCP_T17Cc4OXGv836smfKeEP8vNzYvBWdX3wXfA0X-fIMVWNtbBzA5hRGsXHEChsYiE-6z550glCkfV8xyo6SPTYj1r_I9WscEdyc4I0aMZwn0BvyOkKf60WFYnoiMCP0Kdhbt/s1600/fotocartulaepialta2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCP_T17Cc4OXGv836smfKeEP8vNzYvBWdX3wXfA0X-fIMVWNtbBzA5hRGsXHEChsYiE-6z550glCkfV8xyo6SPTYj1r_I9WscEdyc4I0aMZwn0BvyOkKf60WFYnoiMCP0Kdhbt/s400/fotocartulaepialta2.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: right;">
<span style="font-size: x-small;">Foto: Felipe Cantillana</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Epicentro está de vuelta. Después de cinco años
de trabajo, el integrante del trío de hip hop nacional Calambre, regresa con “<st1:metricconverter productid="31”" w:st="on">31”</st1:metricconverter> (Potoco Discos), título que
recuerda su edad y su barrio, pues el cantante también conocido como Juan Pablo
Salazar siempre ha vivido en el paradero 31 de Gran Avenida. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Pero en este retorno Epicentro no está solo. A
su lado están Tea Time, Cómo asesinar a Felipes, Solo Di Medina, Zaturno o Foex -líder de Potoco Discos y
productor de la placa-, entre otros colaboradores. Todos acompañan a este
rapero que mientras no está escribiendo versos se dedica a vender artesanías en
Santiago Centro, recorriendo calles y acumulando historias que después
transforma en rimas. “Este disco es sobre mis experiencias en la calle, sobre
mi día a día”, aclara. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En varios momentos del
disco hablas de reaparecer. ¿En dónde estuviste el último tiempo?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">A comienzos de 2007 paré con Calambre para empezar a trabajar en mi proyecto. Me
encerré, me aparté, me oculté, trabajé y busqué evolución. Empecé a probar
nuevos tiempos, nuevos ritmos y eso empezó a funcionar; empezó a descubrirse
Epicentro solo. Esto coincidió con que William C –de Calambre- se iba a
Australia y yo iba a quedar sólo. Y yo lo único que sé hacer es rap, no tengo
profesión, pero sé que en esto, el rap, soy profesional. Como la banda no iba a
seguir funcionando, porque si no somos
los tres no somos Calambre, preferí trabajar en lo mío. Nunca antes pensé en la
posibilidad de hacer algo solo, nunca me vi solo, porque siempre pensé que Calambre
éramos los tres, pero un solo cuerpo. Éramos como los Beastie Boys en “Intergalactic”;
los tres son un mismo robot. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿Qué pasó entonces en
ese proceso, en esa búsqueda? ¿Con qué te encontraste?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Encontré la dificultad y la necesidad de querer
expresarme solo, de tocar temas personales o más familiares. Esa motivación me
llevó a hacer canciones. Todo ese tiempo que estuve retirado me quedé en el
barrio, en el 31 de Gran Avenida, no
salía a las fiestas, sólo venía a Potoco Discos y con Foex empezamos a
descubrir sonidos. Además en esa época aún trabajaba de garzón en un Coppelia,
no era independiente como ahora. Al principio
no sabíamos muy bien hacía adónde iba dirigido el disco, sólo sabíamos
que se iba a llamar “A mi manera”. En esa época trabajábamos las canciones sin
música, sólo con mi voz, no era necesaria la base, entonces esa era “mi manera”.
Después fueron sumándose músicos a la melodía de mi voz. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿No te imaginabas que
el disco iba a tener tantos colaboradores?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Es que yo los iba citando, invitando a gente
que tenía lo que yo quería. A algunos no los conocía, como a Solo di Medina,
pero todo siempre salió bien. A cada uno de los colaboradores yo los busqué
porque cumplían con los requisitos del disco: la exigencia, ser los mejores
para “<st1:metricconverter productid="31”" w:st="on">31”</st1:metricconverter>.
Partiendo por el productor, Foex, yo lo busqué, y el disco está hecho entre los
dos. Gente trató que no trabajara con él, pero yo quise seguir siempre con mi
compañero.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿Qué quiere decir eso?
¿Tuviste otras ofertas de sellos?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Sí, tuve ofertas para hacer el disco con otras
personas y grabar en otras partes, pero opté por la lealtad. Además sabía que
aquí estaba lo que necesitaba. Este sello sabe que tiene lo mejor y cree e
invierte. Mucha gente cree que un sello por ser independiente está mal parado. Pero no, Potoco Discos está sólido. Mucho se
dice que lo independiente puede ser algo mal hecho. Y no, esto es a todo color.
Esto es HD.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Te tomaste tu tiempo y
te demoraste cinco años en hacer el disco. Después de tanto tiempo, ¿dejaste
algo fuera del disco?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">No, siempre fue el mismo trabajo, sólo que le
fui dando vueltas. No deseché nada, quedó todo. Lo que hice fue buscar la
perfección musical. Y viviendo también, porque no todos los temas los tenía,
todo lo fui desarrollando durante estos cinco años. De hecho el último tema lo
terminé un día antes de sacar el disco. Nunca nos apuramos, porque sabíamos que
el disco no estaba listo. Es como el trabajo de un mago, que busca la magia: yo
busqué mi brillo, mi autenticidad. Creo que el que busca encuentra, y el que no
busca, hace lo que está hecho. De hecho hay un tema que se llama “Futura
escuela”, que busca eso, avanzar, porque muchas veces la escena se estanca. Ya
pasaron los noventa, estamos en el 2012. Nosotros pensamos en el mañana. Por
eso fue todo paulatino, pero creo que nos demoramos lo que nos teníamos que
demorar, unos seis meses por canción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Pero eso es mucho.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Pero como dice la canción “más vale tarde que
siempre”. Aunque no creo que vuelva a pasar, antes era más hippie y ahora estoy
más autoexigente, tengo otros proyectos y
pienso ejecutar todo más rápido. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="300" src="http://www.youtube.com/embed/AZiN7caKBpw" width="473"></iframe></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">La idea de remecer las
cosas aparece en todo el disco. De hecho, el primer single del disco “Más vale
tarde que siempre” es bien crítico en ese verso “a falta de ideas ellos miran
al lado para poder sonar como quiere la gente”.
¿Es una crítica a tus pares?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">La canción tiene que ver con la gente que
trabaja bajo presión y que termina haciendo productos que son desechables. Yo
creo que hay demorarse. Es como cuando comprai algo; lo quieres más cuando te
lo comprai tú y no cuando te lo regalan. Lo cuadai más, lo valorai más. Esa la
intención, pero el que quiere se puede poner el poncho. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Pero sin duda hay
harta denuncia en el disco, contra los políticos, la policía, el gobierno.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Sí, esa línea de denuncia que tenía Calambre se
mantiene en este disco. Es la misma escuela. Hablar de eso me interesa porque
es la realidad, es lo que yo vivo y me incomoda: la opresión y la injusticia
sobre todo. ¿En qué veo esa opresión? En los poderes sociales, en la gente que
tiene más dinero. Ellos tienen más libertad, pueden hacer más cosas. Hay mucho
abuso. Por ejemplo, en un barrio un paco
llega y te revisa, pero arriba no lo hace porque no sabe si el papá de alguien
es abogado. Eso me ha pasado a mí
también, por mi pega, por mi apariencia de rapero, por mi cara, por todo. Y
nosotros como voceros tenemos que representar ese en contra. Somos pocos, pero
hay que estar ahí, con fuerza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿Te ves como un
vocero?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">No, me veo como un amigo, un compañero, no un
portavoz. Como un camarada. No, tampoco
como un camarada, porque camarada es muy facho. Sólo soy un compañero de
rap y no el que la lleva. Todo lo que veo está en mis letras, por eso hago rap.
Te podría decir que escucho poca música, escucho poco rap. El tiempo lo ocupo
observando y me pasan cosas. Sólo hablo de lo que sé. Eso me motiva a escribir
y ahora tengo cualquier letra, se me ocurren muchas ideas. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En muchas letras
aparece la idea de hacerle frente a los poderosos. En tu caso, como rapero,
cómo crees que se les puede hacer frente.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Con nuestra música, llegando a varias personas,
incluso a los que apoyan a los poderosos, atrayéndolos hacia nosotros para que
vean que están equivocados. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">¿Pero crees que se
puede hacer de otra forma? ¿Por ejemplo, votaste en las últimas elecciones? ¿Te
interesa hacerlo para enfrentar a los políticos en este caso?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Me interesa votar, pero esta vez no lo hice,
porque la que me importa es la presidencial. Sé que es contradictorio lo que
estoy diciendo, pero en el caso de los concejales y alcaldes no sé cuán
importante es. Ahora hay atados con los votos en varios lados. Ese sistema me
genera inseguridad. Es como la tarjeta bip!, que es fácil evadirla. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">En el disco, además de denunciar la figura del opresor,
hablas del explotado con letras como “ordéñame la piel, estruja mis pulmones,
almuerza con mi carne” de “Aún sigo a pie”, que es algo que no muchas veces se
escucha en el rap, en donde es más fácil hablar de la caricatura del explotador.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Claro, es que yo estoy en el lado del
explotado, siempre soy yo en contra del que explota. Mi juego es distinto
porque lo vivo en carne propia. Por eso digo: lo que escribo es lo que vivo. También
es importante que no sea sólo mi experiencia, sino la de varios. Hay muchos
afectados. Son letras que tienen que ver con el que resiste, el que tiene que
luchar hasta las últimas. En ese lado estoy, y me interesa que la gente que
está en la misma no se pierda porque igual están adormecidos en asuntos que
otros controlan. Siempre hay uno que se da cuenta antes y a veces ése he sido
yo, o antes fue otro que me dijo a mí y así. Eso es importante, que avance así
el mensaje. Por eso te decía que es más importante ser amigo que un líder, para
ayudar a despabilar. Si la tele miente, si el diario miente, uno no tiene que
mentir. Nosotros somos nuestra prensa. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<b><span lang="ES-MX">Esa crítica no está
siempre presente en el hip hop nacional. Muchas veces el ego de los propios
raperos ocultan los temas de los que has hablado. ¿Qué opinas de eso?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Creo que mientras se haga bien, tiene que haber
diversidad. Si todos fueran como yo sería fome. Cada uno sabe lo que le afecta.
Mortal que haya de todo, pero lo mío no es así. Mi rap es a mi manera. No todos
pueden hacer la misma pega y yo tampoco soy Roberto Carlos para tener un millón
de amigos. Cada uno hace su pega. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
<span lang="ES-MX">Entrevista también publicada en <a href="http://www.paniko.cl/2012/11/epicentro-esta-de-vuelta/">Paniko.cl</a></span></blockquote>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-84820876414527239292012-10-16T21:42:00.001-03:002012-10-16T21:42:55.134-03:00Namm - Geografía<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQKq-hujaU0YMi6UF4VQz-MfhGztNTubgpaFndgBKQkpWt347R2oxkZ2McerEkpyw_bB6YjIX2-GWZfMbo3tN3F5VGVIgyUfWw1pkCW48J3KgyWJ1FgJeaviQOABv_BBUwP7MS/s1600/namm_geografia_front.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQKq-hujaU0YMi6UF4VQz-MfhGztNTubgpaFndgBKQkpWt347R2oxkZ2McerEkpyw_bB6YjIX2-GWZfMbo3tN3F5VGVIgyUfWw1pkCW48J3KgyWJ1FgJeaviQOABv_BBUwP7MS/s400/namm_geografia_front.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Levantar puentes entre la intimidad y el entorno es el tema central de “Geografía”, debut del cuarteto local Namm. Y fiel a su título, este trabajo es un paisaje dibujado por diferentes hitos que van marcando la voz de Loreto Molina, la trompeta de Ana Gallardo y los arreglos de teclados y programaciones a cargo de Pablo Flores y Pablo Fuentes. También es un críptico mapeo de revelaciones personales que buscan un eco en el espacio que ocupan y de estimulantes insinuaciones pop de una electrónica siempre al filo de la experimentación. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En poco más de media hora, los nueve cortes de este trabajo dan cuenta de la versatilidad melódica de Namm. En “Con razón y sin sazón”, los recursos electrónicos aparecen con evidente énfasis, lo que marca la cara más atrevida de los nacionales y en donde se evoca a las primeras creaciones de Flores, un autor que ha trabajado distintas corrientes digitales. Mientras, en “Paso” las estructuras de bases y teclados invitan sin rodeos al baile y en “Costa Azul”, “Bailando en la oscuridad” o “En frente de mí” los arreglos de bases y sampleos intrincados dirigen el sonido de la banda hacia un pop oscuro y de carácter, en donde voz, vientos y recursos electrónicos arman una destacada cohesión. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Gracias a esta nutrida plataforma sonora Namm da una sutil vuelta de tuerca al pop criollo, pero el riesgo no se termina en la incorporación de efectos más o menos novedosos. Aquí también pesa la búsqueda por temáticas nuevas; una intromisión en recovecos poco explorados por los nuevos y más jóvenes creadores locales. Así aparecen referencias a la soledad y la angustia por la pertenencia inconclusa a un tiempo y un espacio (“Chamusca y arena), la desolación y el peso de un proyecto inacabado (“Geografía) y el hastío ante las nuevas y miserables formas de comunidad o relación que se van moldeando entre nosotros (“Stellar”). Al acariciar esas ideas en diferentes fragmentos del disco, la banda forja un discurso poderoso y crítico que se va concadenando canción a canción.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Aunque pertenecen a la nueva camada de poperos criollos, Namm estampa con “Geografía” un estimulante accidente en medio del monótono plano del pop nacional. Su sello es un cuidado uso de las fórmulas de la electrónica, una cautivadora voz principal y la sutil subversión de una poesía que emerge desde una enunciación particular, pero que da cuenta de un desasosiego general. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 11px;">Crítica publicada en </span><a href="http://www.elciudadano.cl/" style="background-color: white; color: #878787; font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 11px; font-weight: bold; text-decoration: none;">El Ciudadano</a><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 11px;"> (impreso, octubre 2012) </span></blockquote>
<div>
<br /></div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-64225092165155469242012-10-16T21:37:00.000-03:002012-10-16T21:39:25.702-03:00Ignacio Torres - Ahora es cuando<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpT6EI91ZZqX0CGr1ljlOmUdL2SniLmggKHt8ctWtZ7XZ3CbtAYw9CNUZXg04I4fApWTRNC6LlkZYilZV64wdKCY7vp37dKhdSOseP9Lf9-ZkzqhhyphenhyphenufkcWWOJo1-oK2EdGdfm/s1600/ignaciotorres+-+ahora+es+cuando.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjpT6EI91ZZqX0CGr1ljlOmUdL2SniLmggKHt8ctWtZ7XZ3CbtAYw9CNUZXg04I4fApWTRNC6LlkZYilZV64wdKCY7vp37dKhdSOseP9Lf9-ZkzqhhyphenhyphenufkcWWOJo1-oK2EdGdfm/s400/ignaciotorres+-+ahora+es+cuando.jpg" width="396" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br />
<div style="text-align: justify;">
Una estimulante lectura del soul propone Ignacio Torres en “Ahora es cuando”. Aunque no es su primer acercamiento a la canción –el chileno fue integrante de Óvolo y también participó en el desaparecido sello Neurotyka-, este trabajo es su carta de presentación oficial, una postal que destaca por sus arreglos y por el carisma de Torres, voz que cuenta con las capacidades para incursionar en formatos serenos o en registros cadenciosos que podrían alcanzar sin problemas la masividad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De menos a más, el disco se inicia con el pulso lento de “El color del mar”, canción que se une a las programaciones de “Tu esencia”, una sofisticada pieza de R&B que se potencia con la colaboración de Muriel Naranjo en los coros. La serenidad continúa hasta “De fuego”, corte que vuelve a sacar partido a la electrónica. Sin embargo, en esta línea brillan “Otoño” y “Amores”, dos baladas que no ocultan el gusto de Torres por el romanticismo. Esta última es un buen ejemplo de la habilidad del cantante por rondar los tópicos clásicos del corazón pero sin recurrir a los vicios del soul, estilo obsesionado con la piel, los olores y la sobreactuación de la sensualidad.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Como complemento, los ritmos también seden espacio a los bajos y las percusiones aceleradas en “Sin apuro” y “Ahora es cuando”; asimismo, “Cosas sencillas” y “Nodudes” son dos guiños al hip hop que cuentan con los aportes de Seerjú y Tiei en las rimas. En estos minutos aparece la faceta más alegre del cantante, quien nunca olvida versos esperanzadores y positivos en sus letras.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En consecuencia, gracias a la meticulosa producción de “Ahora es cuando” –que no se queda corta en arreglos de viento, cuerdas, programaciones, efectos y colaboradores- Ignacio Torres firma un disco de buenas ideas y abierto a nuevas interpretaciones sonoras y poéticas para el soul nacional. Un grato acierto.<br />
<br />
<blockquote class="tr_bq">
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 11px;">Crítica publicada en </span><a href="http://www.elciudadano.cl/" style="background-color: white; color: #878787; font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 11px; font-weight: bold; text-decoration: none;">El Ciudadano</a><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: Verdana, sans-serif; font-size: 11px;"> (impreso, octubre 2012) </span></blockquote>
</div>
</div>
Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-75404898422460096272012-08-09T18:32:00.003-04:002012-08-09T18:32:31.109-04:00Aldo Benítez regresa<iframe allowfullscreen="allowfullscreen" frameborder="0" height="315" src="http://www.youtube.com/embed/1YnfU5v4gi0" width="560"></iframe><br />
<br />
<blockquote class="tr_bq">
Ver nota publicada en Paniko.cl <a href="http://www.paniko.cl/2012/08/aldo-benitez-regresa-junto-a-javiera-mena-con-%E2%80%9Cefecto%E2%80%9D/">aquí</a></blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-25585607195018784232012-06-01T19:13:00.000-04:002012-06-01T19:13:02.906-04:00Mika Martini - Los Hanoish y otras subculturas extintas<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">Si hay algo que
distingue a <b>Mika Martini </b>(Hugo Espinosa Chellew) en su nuevo trabajo es la
capacidad del compositor para presentar la música electrónica como un espacio
de tensión. Amparado en la idea ficticia de <a href="http://www.pueblonuevo.cl/"><b>“Los Hanoish y otras subculturasextintas”</b></a>, Martini se sumerge en la ambiciosa reconstrucción fragmentaria de
imágenes y territorios de un mundo desconocido, tarea en la que fusiona
elementos del ambient, la experimentación <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>y referencias a la estética del error para
armar un complejo rompecabezas.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">Es el enigma el
motor principal de <b>“Los Hanoish…”</b>, un disco que recupera nueve cortes ya
publicados en distintos compilados, pero que ahora instalan una atmosfera apocalíptica
en títulos como “Golfo de penas”, “Las Minas de Sal de Zipaquirastepek” o “La Lluvia se llevo a los
Hanoish”. En estas canciones, las programaciones sintetizan vestigios sonoros
que remiten a escenas subterráneas, oscuras, pero también marcadas por huellas digitales
–circuitos, alertas, archivos alterados- que indudablemente apelan al
glitch.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">A su vez, estas
señas se nutren del buen uso de susurros, ecos y voces entrecortas. “Canales de
Piedra y Canoas de Piel”, “La
Migración de los Pachacampanac” o “La Caída de la Subcultura Subacuatica
Subcontinental” son piezas que utilizan esos efectos para anclar la idea de
eslabón perdido. ¿A qué evocan esos gemidos? ¿Cuál podría ser el referente más
cercano de esos balbuceos?</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">La respuesta no
existe o carecemos de ella. Ese es el dilema que <b>Mika Martini</b> plantea en este
disco, pues aquí no sólo se distingue un estupendo ejercicio de nostalgia, sino
que también <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>un oportuno diálogo con los
límites de la música electrónica como lenguaje. </span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">Crítica publicada en <a href="http://www.elciudadano.cl/">El Ciudadano</a> (impreso, junio 2012) </span></div>
</blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-20263825802219850962012-06-01T19:09:00.000-04:002012-06-01T19:09:26.589-04:00Cholita Sound - Ponte Free<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">Electropop con
retoques de folclor, tecno adornado con secuencias reguetoneras, electroclash tropical.
Esas son algunas de las mezclas que Caterina Purdy<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>trata de desarrollar en <b>“Ponte free”</b>, su nuevo disco bajo el alias
<b>Cholita Sound</b>. El reto es grande, y como sucede con la mayoría de los
subproductos asociados a la cumbia digital, el resultado final es poco menos
que agraciado, frío y ultra conservador.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">Cubierto con un
frágil envoltorio conceptual, el disco presenta a <b>Cholita Sound</b>, un personaje
que busca resignificar la figura de la cholita andina. En “Hermana bolivariana”
o “Ghetto kumbia” la cantante toma la batuta por la cultura norteña, pero al
hacerlo recurre a la sobreactuación y a la mantención de estigmas vinculados al
misticismo, la transmutación u otras figuras “exóticas”. En esa jugada, Purdy
encapsula su propia idea en lo kitsch, etiqueta que una vez más sirve para solapar
evidentes ejemplos de discriminación.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">En este caso llama
la atención el discurso de la <b>ex Purdy Rocks</b> en torno a lo popular, esa baja
cultura que para sus ojos es un tesoro. “Cumbia sahumerio”, “Radio cuma” o
“Perreo místico” hablan de sus problemas para encajar en el sistema económico y
social, y al mismo tiempo, del encanto que producen en ella los ritmos barriobajeros.
En consecuencia, el tono que adopta la cantante y la reiteración de esa idea en
donde la liviandad se asocia a una clase en particular hacen del disco un ejemplo
sorprendente de abajismo.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">No es casual
tampoco que el soporte electrónico sostenga las trece canciones de <b>“Ponte
free”</b>, pues bajo este paraguas de bases programadas y voces <span style="mso-spacerun: yes;"> </span>manipuladas (en donde se escucha a lejos, muy
a lo lejos, una que otra percusión) se esconde una nueva ilusión de vanguardia,
esa falsa sofisticación que como ocurre en otros proyectos nacionales (Astro,
Valentina Fel o Adrianigual) sólo sirve para demostrar la carencia de marcas
sonoras convincentes e ideales políticos concretos.</span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES">Crítica publicada en <a href="http://www.elciudadano.cl/">El Ciudadano</a> (impreso, junio 2012) </span></div>
</blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-31703643084074249822012-05-03T22:04:00.000-04:002012-05-03T22:04:36.889-04:00Juan Pablo Abalo - Canciones de Misa<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXclSfJLotMN3m7ZpmOeOLQcSXTS3SodK6ZFNcOaMqwg93yKO1dy-7E5q4LnXe4gYBx1olnfBTRoqr1TyF5GOJQX7UqF7NzRAwXWDYPwSqQdx9oAQIHVeNiwuccrPoXa3etdHX/s1600/Juan+Pablo+Abalo-CANCIONES+DE+MISA+550x550.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXclSfJLotMN3m7ZpmOeOLQcSXTS3SodK6ZFNcOaMqwg93yKO1dy-7E5q4LnXe4gYBx1olnfBTRoqr1TyF5GOJQX7UqF7NzRAwXWDYPwSqQdx9oAQIHVeNiwuccrPoXa3etdHX/s400/Juan+Pablo+Abalo-CANCIONES+DE+MISA+550x550.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Durante <st1:personname productid="la Semana Santa" w:st="on"><st1:personname productid="la Semana" w:st="on">la Semana</st1:personname> Santa</st1:personname> recién pasada, el
compositor nacional <b>Juan Pablo Abalo</b> liberó <a href="http://www.juanpabloabalo.com/"><b>"Canciones de misa"</b></a>, su nuevo disco. La fecha elegida
para estrenar su tercer trabajo no pudo ser
otra. Por esos días, la portada del álbum en donde se ve a dos niños junto a un
hombre disfrazado de conejo de Pascua cobraba un sentido especial; ingenuidad,
creencia y perversión se fundían en la imagen central de este esfuerzo por
encarar a través de la canción breve las sórdidas historias protagonizadas por
representantes de <st1:personname productid="la Iglesia." w:st="on">la Iglesia.</st1:personname><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Demostrando su inclinación por el minimalismo, el
autor escribe ocho canciones comandadas por el sonido de la guitarra tradicional,
textura que poco a poco, y a medida que avanzan los segundos en cada corte, se
va ensanchando gracias a arreglos de cuerdas y vientos. Así, “El pastor”
–canción inspirada en Fernando Karadima-, se estructura según el sonido de las
seis cuerdas, mientras que en “El suicidio”, “Procesiones” o “Ausente”, la
guitarra cede espacio a percusiones, bajos o sonidos de órgano y piano. El resultado de esta instrumentación
simple, pero a la vez detallista, entrega solemnidad a relatos que hablan de dominación
y angustia. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">En tanto, la voz ceremoniosa del cantante, consigue traspasar cierto rigor
a estas historias, hasta impactar en <b>“La confesión”</b>, cuando interpreta a
víctima y victimario en los tres minutos
más dramáticos de la obra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Aunque <b>Abalo</b> no eligió una temática desconocida,
su gesto es inédito en el panorama musical actual, pues
elabora un disco conceptual sobre una
temática naturalizada como información de prensa, pero que esconde un revés
putrefacto, en donde pesa la fe y los vínculos de poder económico. En ese
nivel, “Canciones de misa” golpea dos veces: por un lado nos restriega lo más
oscuro de un sector de la sociedad, y por otro, nos recuerda que la canción popular
sí puede superar la palabrería ególatra y superficial a la que estamos
acostumbrados. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<blockquote class="tr_bq">
<span lang="ES-MX">Crítica publicada en El Ciudadano (impreso, mayo 2012)</span></blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-40632452833743845212012-05-03T21:58:00.000-04:002012-05-03T22:05:23.959-04:00Los Embajadores - Faisanes<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixWjNaJEBET_4hErTWqRGxNTCUXVPuXm10P0O6zLc5ShDAG8_0rUFmTS6AwUMSLKEcs-dnO8Nwv-LtHTuxtA9J5nXn6Ws1a8jiA9Trm4VLeTq3-nr3q9HDgC2lbKE0cNmoQFw8/s1600/Los+Embajadores+-+Faisanes+(portada).JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="397" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEixWjNaJEBET_4hErTWqRGxNTCUXVPuXm10P0O6zLc5ShDAG8_0rUFmTS6AwUMSLKEcs-dnO8Nwv-LtHTuxtA9J5nXn6Ws1a8jiA9Trm4VLeTq3-nr3q9HDgC2lbKE0cNmoQFw8/s400/Los+Embajadores+-+Faisanes+(portada).JPG" width="400" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">Cuando <b>Los Embajadores</b> publicaron la canción
“Su merced” en el primer compilado del sello Michita Rex del año 2010, las
expectativas en torno al grupo surgieron por la mezcla de lamento y
romanticismo que firmaban, la presencia de una pareja de vocalistas –algo nada
usual en el país- y la tendencia a la oscuridad de su sonido. Sin embargo, con
la reciente edición de <b><a href="http://www.michitarex.com/los-embajadores-faisanes/">“Faisanes”</a></b>, el debut oficial de la banda, la calidad de
la propuesta a cargo de Danae Morales, Cristóbal Gajardo, Sebastián Sampieri,
Felipe Lagos y Walter Roblero comienza a tomar forma concreta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">En poco más de media hora, las diez canciones de
esta producción arman una interesante versión de <i>dream pop</i>; gran parte del disco está dominado por melodías
cansinas, que combinan percusiones no tradicionales (metales, ruidos de ambiente
y de animales) y programaciones electrónicas que elevan el pulso, tal como ocurre
en “Peso” o en “Compañía del novio”, dos cortes en donde Morales sobresale
gracias a una voz pálida e hipnótica. También “Faisanes” y “MDV” refuerzan esa versatilidad
sonora y completan un marco de relatos tormentosos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span lang="ES-MX">La emoción contenida de <b>Los Embajadores</b> alcanza
niveles estremecedores en las épicas “La
doble vida” y “Mucha fe”, piezas en las que Gajardo (también conocido por su
proyecto Voz de Hombre) destaca por su capacidad para transformar lo dramático
en heroico. Asimismo, “Amigo realidad” y “El sueño de una muñeca malvada” exponen
una personalidad que cavila entre el fracaso y los anhelos de un sujeto que dice
no querer “volver a trabajar en lo que me mata” y que sufre por la asociación
entre el comercio y su billetera. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Con sutileza, esas insinuaciones hacen del
relato de <b>Los Embajadores</b> un espacio en donde los sentimientos no se miden por
la carga melodramática de las insinuaciones amorosas. Por tanto, el primer
trabajo del quinteto convence por sus matices sonoros y también por un discurso
que los aleja –afortunadamente- de sus coterráneos. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
Crítica publicada en <a href="http://www.elciudadano.cl/">El Ciudadano</a> (impreso, mayo 2012)</blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-88575268834332162632012-04-09T21:16:00.004-03:002012-04-09T21:16:56.411-03:00Alamedas – Romeo<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQghyphenhyphenfEXsoCYKoENXWsxhQXr99ckemWbeh0N4-xDKZuqZ_1MFlfSSWtL_K2Qgymv1Oqfpyh7xKckCy3Aeg90Ops4jEpxycJejaIyDZeOYzypTEB_Jr14nLmMKogHVP5hIZDn5f/s1600/alamedasromeo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQghyphenhyphenfEXsoCYKoENXWsxhQXr99ckemWbeh0N4-xDKZuqZ_1MFlfSSWtL_K2Qgymv1Oqfpyh7xKckCy3Aeg90Ops4jEpxycJejaIyDZeOYzypTEB_Jr14nLmMKogHVP5hIZDn5f/s400/alamedasromeo.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Un ambicioso esquema es el que trata de completar <b>Alamedas</b> en <b><i>Romeo </i>(2011)</b>, su cuarto disco oficial. A la realización de un rock cada vez más prolijo, el grupo liderado por Alejandro Gómez suma la intención de hacer de sus creaciones un punto de inflexión, un espacio de reflexiones contundentes capaces de proponer problemas o, al menos, algún tipo de cuestionamiento sobre estado de las cosas. Pero el resultado es disparejo si se consideran las historias que aparecen en estas nueve canciones.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Como abunda en la música popular, gran parte de <i><b>Romeo</b></i> está al servicio de experiencias individuales o anécdotas sin mayor sentido que pueden hablar al mismo tiempo del amor, de las relaciones, de la existencia o de un futuro esperanzador. “Ya sabes” o “Puesto” expresan ese estilo errante que divaga entre diversas ideas paralelas. “Monumentos” es otro ejemplo, y el más sorprendente de todos, pues en esta canción el trío nacional es capaz de ensamblar una crítica al colonialismo con la diversión y unos “mijita rica” como broche final. ¿Qué es eso? ¿Una simple muestra de absurdo? No es tanto eso, sino que más bien se trata de una evidencia clara del rock nacional bizco, capaz de visualizar con un ojo algunas intenciones más o menos profundas, mientras que con el otro se mantiene atento a los lugares comunes del formato. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Mejores resultados logran en “Sin que te lo pida” y “Sigue”, dos cortes románticos que además convencen con una estructura simple y efectiva, tanto como “Otro mundo” y “Alturas”, este último con el llamativo aporte de un saxo.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No obstante, Alamedas cae en otro vicio: utilizar su repertorio para deslizar un breve reproche a las audiencias. “<i>Deja de lado sólo por un momento esas canciones que ponen en la radio y presta atención hacia nuestro lado. Maduramos tres años para hacerte un regalo</i>”, dicen en “Solo entonces”, en una jugada inexplicable si se considera la relación actual entre autores y públicos. Esta recriminación, tan innecesaria como pretenciosa, aparece justamente en los minutos finales, cerrando una producción zigzagueante y que no esconde su naturaleza infantil.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si bien es cierto que <b>Alamedas</b> logra firmar su trabajo más conciso, no es falso añadir que <i><b>Romeo</b></i> deja pendiente una muestra más concreta de su crecimiento, pues hasta ahora sólo se reconoce a una agrupación sólida, fiel al rock más popular, pero que no es capaz de sostener un discurso acorde al paso de sus años. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<blockquote class="tr_bq">
Crítica publicada en <a href="http://www.elciudadano.cl/">El Ciudadano</a> (impreso, abril 2012)</blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-25926859.post-85829640495655828932012-04-09T21:12:00.000-03:002012-04-09T21:13:21.096-03:00Jano – Ay, bonita!<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicMULU1vF9zg0I1TcIyYSIMm8XjaM8cvB1QkQGya86gbJanWFCACD1jdQQnONRS9m5ph9FzysRQQIpEndxWuacF8QQJGAwCmfvKVGwHGpJjpL21yODMWqtlmtKHcAlb10hGZpb/s1600/janoaybonita.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicMULU1vF9zg0I1TcIyYSIMm8XjaM8cvB1QkQGya86gbJanWFCACD1jdQQnONRS9m5ph9FzysRQQIpEndxWuacF8QQJGAwCmfvKVGwHGpJjpL21yODMWqtlmtKHcAlb10hGZpb/s400/janoaybonita.jpg" width="400" /></a></div>
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<b>Jano Soto</b> (Alejandro Kemp), figura que hace más de quince años hizo lo suyo en el rock nacional con canciones como “La luz del cuerpo” o “Ella siempre”, vuelve a ser noticia como <b>Jano</b> y <i style="font-weight: bold;">Ay, bonita! </i>(2011), un disco en donde no sólo hay un retorno, sino que también una regresión. Aquí el cantante adopta una estética de hace casi medio siglo atrás para escribir diez piezas híbridas, que suenan entre el rock y la balada surf, que no temen mezclar rockabilly con pasión cebolla, o dicho de forma más elemental, se mueven de igual a igual entre los Beach Boys más tradicionales y el Zalo Reyes más lacrimógeno. </div>
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<b>Jano</b> no oculta este tipo de influencias y en el despliegue de esta media hora las asume y las reinterpreta con humor. El resultado cautiva y cada corte logra su objetivo: sonar como los antiguos éxitos del corazón, esos relatos de amores adolescentes con estribillos memorables y melodías instantáneas. “Cerquita mío” –el estupendo promocional del álbum-, “Nadie como tú” o “Otra vez me equivoqué” son composiciones entretenidas, llenas de segundas voces que acompañan el tono de Soto y en las que se reiteran los más célebres tópicos radiales: el amor que enloquece, el sentimiento avasallador, el papel del amante borracho, el bobo suicida y medio machista, el loco desdichado, etc. </div>
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Pero al asumir un rol de impecable crooner (que no recurre a ningún exceso vocal, pues prefiere la serenidad y la calma, y que cuenta con el soporte de una contundente banda tras de sí), <b>Jano</b> no se limita a copiar a los clásicos. Así, en “Toma el tren” escribe una balada rock con impronta actual; de “Vive tu vida aquí conmigo” hace una fiesta latina o en “Desdichado” y “Sólo te pido que, al menos, me dejes tu corazón” entrega nuevos aires al romanticismo local. Con eso demuestra que este evidente homenaje a un pasado ingenuo y bonachón también es una oportunidad bien aprovechada para volver a las pistas con algo más que nostalgia.</div>
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El aporte de <i><b>Ay, bonita!</b></i>, en consecuencia, está en convencer con una idea que no pierde lógica a medida que se desarrolla y que opta por un sonido simple y un lenguaje coloquial para reinterpretar las raíces de la canción romántica. Sin duda, una grata sorpresa. </div>
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Crítica publicada en <a href="http://www.elciudadano.cl/">El Ciudadano</a> (impreso, abril 2012)</blockquote>Felipe Mardoneshttp://www.blogger.com/profile/12536871858192956974noreply@blogger.com0